tag:blogger.com,1999:blog-5419814768961186672024-03-06T08:27:19.004+01:00PinculturaElena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.comBlogger24125tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-1434440193506412112013-06-14T10:25:00.000+02:002013-06-14T10:32:52.925+02:00Lienzo, pinturas... ¡Y acción!<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8IpnC_PG1vXK4ynagPTx-hK3EHxHqGmJBBwrHQdRVBioDEAWNeRUby3DS1zIDQgO0-CPqTfURC_itQxyOMmd7JfO8rkWUQldbff3bJPLLVyLirWHYLIizC9TGiWz91GDLIlXKo3KSJX6_/s1600/LL8_POLLOCK_NUMERO+1_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Número 1 de Jackson Pollock" border="0" height="295" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8IpnC_PG1vXK4ynagPTx-hK3EHxHqGmJBBwrHQdRVBioDEAWNeRUby3DS1zIDQgO0-CPqTfURC_itQxyOMmd7JfO8rkWUQldbff3bJPLLVyLirWHYLIizC9TGiWz91GDLIlXKo3KSJX6_/s400/LL8_POLLOCK_NUMERO+1_jpg.jpg" title="Número 1" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Jackson Pollock, Número 1. 1950</td></tr>
</tbody></table>
Aquí están. Las <b>cuatro rayas que todo el mundo sabe hacer </b>pero que han pasado a la Historia del Arte. Además, por si fuera poco, están pintadas por un borracho.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS0mqwYFLRAjzoBfB-GdwTjMELXYjKt2VpvujfPP6AjubzW9dKZ18PgZgLJ6zP4t3wiVjDc6IoUL-2DLwwjLq9RmPo7nxqyn1liV0D5V0PuHOxTKrVEwvcv-gIJjyBguogzYvR5_CDI3-l/s1600/LL9_POLLOCK_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Jackson Pollock trabajando" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS0mqwYFLRAjzoBfB-GdwTjMELXYjKt2VpvujfPP6AjubzW9dKZ18PgZgLJ6zP4t3wiVjDc6IoUL-2DLwwjLq9RmPo7nxqyn1liV0D5V0PuHOxTKrVEwvcv-gIJjyBguogzYvR5_CDI3-l/s400/LL9_POLLOCK_jpg.jpg" title="Pollock trabajando" width="397" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Jackson Pollock en su estudio-granero</td></tr>
</tbody></table>
Jackson Pollock, hasta 1947, llevaba una trayectoria comparable a la de cualquier artista en formación. Estudia en la <b>Art Students League</b> de Nueva York, se apasiona por el <b>muralismo mexicano</b> y se dedica a <b>viajar</b> y a <b>pintar obras realistas</b>, que representan escenas. En <b>1943</b> hace su <b>primera exposición </b>en la galería neoyorquina Art of this Century. En ese mismo año se ve <b>influenciado por el surrealismo</b>, y comienza a explotarlo en sus obras.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvEEgLCtEO4HgExJYo1kUbb8xhgJJ0tEV8UqQoNNDtqM5ERkGZpnsrO49LNrdob-TtnRkZWX_FuO5gjiG2f5B8xQJA871gSQL3thKbqhyeM9vHTJ3wnYC9X1Lya5ZuxO3xy4ZWDnCdFKIi/s1600/pollockshewolf.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="La loba de Jackson Pollock" border="0" height="246" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvEEgLCtEO4HgExJYo1kUbb8xhgJJ0tEV8UqQoNNDtqM5ERkGZpnsrO49LNrdob-TtnRkZWX_FuO5gjiG2f5B8xQJA871gSQL3thKbqhyeM9vHTJ3wnYC9X1Lya5ZuxO3xy4ZWDnCdFKIi/s400/pollockshewolf.jpg" title="La loba" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Jackson Pollock, La loba. 1943<br />
Fuente: http://bit.ly/196XJXp</td></tr>
</tbody></table>
Sin embargo, en <b>1947</b> Pollock decide desvincularse de todo convencionalismo en el arte y todo movimiento establecido. Así, <b>elimina de sus obras cualquier símbolo reconocible</b> y comienza a pintar composiciones absolutamente abstractas, iniciando lo que se conocería como <b>expresionismo abstracto</b>. En este nuevo modo de enfrentarse al lienzo, Pollock creó una técnica llamada <b>dripping</b>. Consistía en esparcir pintura sobre la tela de lienzo sin tensar, colocada en el suelo, mediante el goteo y las salpicaduras que producían el movimiento de su mano sujetando el pincel. Además, llegaba a incluir materiales como <b>vidrio o arena</b>, para dar una textura diferente a sus obras. Nace entonces el <b>action painting</b>.<br />
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<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhB6I3OEzWQZI0SNQ3oTtpC2o0U-6AvlRAzKRKZGf9oZhqLVKxBZGVnuhHE_1kSNNqPVTjiADIMNIk-HAS6aMdm6SBGk4InXDTAuvndeF7Y0Hy6IoAAyeJpgHWOwAy7DmGiUQKaKyRoG0T2/s1600/M2_POLLOCK_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Jackson Pollock trabajando con dripping" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhB6I3OEzWQZI0SNQ3oTtpC2o0U-6AvlRAzKRKZGf9oZhqLVKxBZGVnuhHE_1kSNNqPVTjiADIMNIk-HAS6aMdm6SBGk4InXDTAuvndeF7Y0Hy6IoAAyeJpgHWOwAy7DmGiUQKaKyRoG0T2/s400/M2_POLLOCK_jpg.jpg" title="Dripping" width="306" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Jackson Pollock trabajando con dripping</td></tr>
</tbody></table>
¿Qué pretendía con esto el artista? <b>Nada</b>. Simplemente se había cansado de que el arte siempre, de alguna manera u otra, respondiese a los parámetros de la realidad. Nunca antes se había dado el arte por el arte de manera tan desgarradora como en la obra de Jackson Pollock. Este<b> formalismo</b> está estrechamente relacionado con la <b>autonomía del arte</b>, donde se reconoce lo específico de cada forma artística al margen de sus funciones y significaciones.<br />
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<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAZ5DMGSECnts6wokZE3tK5OvuWMcUyGqOf-lx0qkeOOogSAQnuY1lqXzMToRVlx-Z-D1mtF0rmj8IGm7cF5CHYv-hoRaC1PxpsxLL8Vw_jT3MYmDCfFJ1wLRY8ZReK-VkOef05aWhHb1W/s1600/LL6_POLLOCK_NUMERO+8_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Número 8 de Jackson Pollock" border="0" height="321" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAZ5DMGSECnts6wokZE3tK5OvuWMcUyGqOf-lx0qkeOOogSAQnuY1lqXzMToRVlx-Z-D1mtF0rmj8IGm7cF5CHYv-hoRaC1PxpsxLL8Vw_jT3MYmDCfFJ1wLRY8ZReK-VkOef05aWhHb1W/s400/LL6_POLLOCK_NUMERO+8_jpg.jpg" title="Número 8" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Jackson Pollock, Número 8. 1949</td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
Lo peor que se puede hacer ante un Pollock es buscarle un significado, intentar hallar el sentimiento que llevó al artista a crear tal obra. Porque se trata de lienzos concebidos para el <b>deleite en su observación</b>. El espectador se detiene ante ellos y recorre con la mirada la fluidez de sus formas, advierte las distintas texturas y disfruta con la libertad de este formalismo, desprovisto de cualquier referencia a la realidad.</div>
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El cómo acercarse a una obra de este artista lo representa de manera magistral Julia Robert en la película de Mike Newell <b>La sonrisa de Mona Lisa</b>:<br />
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/sxjoGdj-7I0?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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La vida de Jackson Pollock no difiere de las <b>tortuosas existencias</b> del resto de artistas contemporáneos. Dejó este mundo a los <b>44 años</b> de edad, a causa de un <b>grave accidente</b> con su automóvil mientras conducía en estado ebrio. Ed Harris lo encarnó en una película dirigida y protagonizada por él en año 2000: <b>Pollock: la vida de un creador</b>.</div>
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<br /></div>
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/z0xiovbDML0?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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<br />
<i>(Periodista) - ¿Cómo sabes que has terminado de pintar un cuadro?</i><br />
<i>(Pollock) - ¿Cómo sabes que has acabado de hacer el amor?</i><br />
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Ed Harris, Pollock (2000)</div>
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Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-16123502944254127552013-06-02T14:17:00.004+02:002013-06-08T12:59:56.997+02:00La pintura como arma de paz<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhI_wVFsRs8H0CdeNS2BPASMMZMMYwtnS1xQGTKBu4-KJK8uW3eVnkydfN9kdUygu0KJdC9AUeCqowORHQxURqfXMz2OLjCnmdeGrOkaOtKTkrn8EM0E2Dz2w6KplByTcoao5SFzG0txKQn/s1600/detroit_industry_north.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Muro norte de Diego Rivera" border="0" height="282" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhI_wVFsRs8H0CdeNS2BPASMMZMMYwtnS1xQGTKBu4-KJK8uW3eVnkydfN9kdUygu0KJdC9AUeCqowORHQxURqfXMz2OLjCnmdeGrOkaOtKTkrn8EM0E2Dz2w6KplByTcoao5SFzG0txKQn/s400/detroit_industry_north.jpg" title="Muro norte" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Diego Rivera, Muro norte. Detroit.<br />
Fuente: http://bit.ly/15sGb6t </td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: inherit;">Los murales que pintó <b>Diego Rivera</b> en la <b>Ford Motor Company</b> en <b>1932</b> en <b>Detroit</b> suponen un excelente ejemplo del <b>poder de la pintura</b> cuando se utiliza con sus connotaciones sociales y políticas.</span><br />
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La historia que se esconde tras ellos tiene su origen en la <b>Gran Depresión norteamericana de 1929</b>. En ningún sitio se sintió tanto su efecto como en Detroit. En poco tiempo, la industria automovilística solo pudo emplear a la mitad de trabajadores que en 1929, y a medio sueldo. Esta insostenible situación estalló en <b>marzo de 1932</b>, cuando <b>cinco mil trabajadores que habían sido despedidos</b>, se manifestaron frente a la fábrica exigiendo ayudas. Se inició entonces un <b>violento enfrentamiento</b> en el que las puertas de la fábrica se abrieron para dejar salir a un grupo de policías que <b>acabaron con la vida de cinco personas</b>. Días más tarde, <b>sesenta mil personas cantaban La Internacional </b>en su funeral.<br />
<br />
El Partido Comunista acusó a <b>Edsel Ford</b>, hijo de Henry Ford y presidente de la compañía, de permitir la masacre. <b>¿Cómo podía este hombre calmar la situación entre los ricos empresarios y los desempleados de la fábrica?</b> Nadie se esperaba que Edsel Ford llamara al artista mexicano <b>Diego Rivera</b>, acérrimo comunista, para que pintase un mural en la misma fábrica. En él mostraría que Detroit era un lugar de cooperación, no de conflicto de clases.<br />
<br />
Así, <b>en abril de 1932</b>, Diego Rivera, con la oferta de veinte mil dólares por el trabajo, y su esposa Frida Kahlo se trasladaron a Detroit. (<span style="font-size: x-small;">Si sientes curiosidad por conocer la historia de este traslado desde el punto de vista de Frida, haz click aquí: <a href="http://pincultura.blogspot.com.es/2012/03/que-hace-frida-en-gringolandia.html">http://pincultura.blogspot.com.es/2012/03/que-hace-frida-en-gringolandia.html</a>). </span><br />
<span style="font-size: x-small;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><img alt="Diego y Frida en Detroit" border="0" height="273" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihATvuINa3dcH5B1nnbdYAxJsDruLMBVRIP0TjXjY2Gx4u7AdMe_SGc_fvKXMBlgVoRNiGkIOs27fm73pp07v-aZWz3YfOK6241BFe27a29WrM9mEdVBXgY_9xYoJ8knyarhx6Wqz_eY_T/s400/diego-y-frida-en-detroit-1933-8h.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Diego y Frida en Detroit" width="400" /></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Diego y Frida en Detroit, 1932<br />
Fuente: http://bit.ly/15Jk9vG</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: inherit;">Durante siete meses, Rivera tomó nota de la actividad industrial y entrevistó a los trabajadores, mayordomos y personal administrativo de la fábrica. De esta manera, comenzó con lo que después el mismo artista calificaría como <b>"su obra maestra"</b>. La grandiosidad de estos murales no solo se debe a su <b>tamaño</b>, sino al <b>uso de los colores</b>, que Diego elegía en el mismo momento de comenzar a pintar sobre la pared, a la <b>real representación de los personajes</b> (amigos del artista sobre todo, e, incluso, el propio artista) y, por supuesto, al <b>complejo significado </b>que encierra.</span></div>
</div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAZwCk19mSeYsJGdrGdO3CVbVpJpPa7X2w1G4ePILBAD9yqDZd2RSfd-nXtyr7tIW8hqhK1shgNkP6BSZnaBEdOB5hF7uxomXV4_E_AXn5BrvOgpxneA6om3vyuPclNjWP5LbmM4FdJZXW/s1600/rivera-en-north-wall-1-8h.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Diego Rivera autorretratado en el mural de Detroit" border="0" height="290" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAZwCk19mSeYsJGdrGdO3CVbVpJpPa7X2w1G4ePILBAD9yqDZd2RSfd-nXtyr7tIW8hqhK1shgNkP6BSZnaBEdOB5hF7uxomXV4_E_AXn5BrvOgpxneA6om3vyuPclNjWP5LbmM4FdJZXW/s400/rivera-en-north-wall-1-8h.jpg" title="Diego Rivera autorretratado" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Diego Rivera autorretratado en el mural de Detroit<br />
Fuente: http://bit.ly/15Jk9vG</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: inherit;"><b>Nueve meses</b> tardó Rivera en crear este espacio. En él, hay una <b>multitud de detalles</b> asombrosa. El significado básico es el <b>protagonismo de la clase obrera en la creación de la riqueza</b>. En el mural, los obreros realizan la cadena de montaje de automóviles bajo la atenta mirada de los patrones y mayordomos. No faltan símbolos que aluden a la <b>madre naturaleza</b>, a los <b>pilares básicos de la vida </b>y a la <b>materia prima</b>. Representa, en definitiva, una <b>fría realidad</b> que convive bajo los aspectos de la vida más trascendentales que nunca han de olvidarse.</span></div>
<div>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmAEqCMVeVrqt6qwod1X-E5mCoxodc9BIqYTP6GMeSVwIwIGRAG3_8Yn3tc0cPLGU4HgrM_5szAHQB2_rQewtYC_MRW3Fe7Q1K6TbGACRemaHUVfO7sd3_B9AgN2Fw8WoaHYx9lV6ezzNC/s1600/detroit_industry_south.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Muro sur de Diego Rivera" border="0" height="282" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmAEqCMVeVrqt6qwod1X-E5mCoxodc9BIqYTP6GMeSVwIwIGRAG3_8Yn3tc0cPLGU4HgrM_5szAHQB2_rQewtYC_MRW3Fe7Q1K6TbGACRemaHUVfO7sd3_B9AgN2Fw8WoaHYx9lV6ezzNC/s400/detroit_industry_south.jpg" title="Muro sur" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Diego Rivera, Muro sur. Detroit<br />
Fuente: http://bit.ly/15sGb6t </td></tr>
</tbody></table>
<span style="text-align: center;">Cuando el mural fue <b>presentado en 1933</b>, los dignatarios de la ciudad quedaron sorprendidos, y lo calificaron de <b>propaganda comunista</b>, una distorsión del espíritu de Detroit. Estaba claro que la obra no estaría exenta de críticas, puesto que suponía todo un <b>llamamiento a la igualdad de clases</b> situado en el mismo <b>centro del capitalismo norteamericano</b>, como es la fábrica Ford de la ciudad de Detroit.</span></div>
<div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
Sin embargo, el efecto que tuvo entre los trabajadores fue el deseado, coincidiendo con el objetivo de Edsel Ford al contratar al pintor comunista. Estas personas se sintieron escuchadas, <b>reivindicadas</b> y, lejos de la alienación, por primera vez, <b>dueños de su trabajo</b>.</div>
<div style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center; width: 755px;">
<map id="_Image-Maps_1201306020758402" name="Image-Maps_1201306020758402">
<area alt="Muro sur" coords="10,17,745,525" href="http://www.mundohistoria.org/temas_foro/historia-del-arte-musica-cultura-literatura/los-murales-diego-rivera-detroit" shape="rect" title="Muro sur"></area>
</map>
</div>
</div>
Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-13253023907426955932013-06-01T13:20:00.004+02:002013-06-01T13:23:06.585+02:00Óleos, pinceles, aguarrás y un lienzo en blanco<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVW7Ygc2PQELKkNJh5S3ZgKPzw4JwfCnfilF3q_0vh94Sv8X-4aRaNVXM_89vzlxyGIMwd7bWE4LKcokOISF06OxDr9avmyZ2gLEK2b5Xttd3D1yFKHGGzlAz1kKLl5Is8lzhIo27WXopw/s1600/2.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Paleta de pintura" border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVW7Ygc2PQELKkNJh5S3ZgKPzw4JwfCnfilF3q_0vh94Sv8X-4aRaNVXM_89vzlxyGIMwd7bWE4LKcokOISF06OxDr9avmyZ2gLEK2b5Xttd3D1yFKHGGzlAz1kKLl5Is8lzhIo27WXopw/s400/2.JPG" title="Paleta" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-family: inherit;"><b>La mayor aportación del hombre a la Naturaleza es el Arte. </b>La mejor llave de paso hacia la inmortalidad, el fiel reflejo del espíritu, el eterno retrato del alma...</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrmFSkWDzn1ilbJQFrlfXnPPuw-5IxiqOkmnHdt96wxxcaOFCO7JjGrXTtDQadhWGMfx515JXX2P4IwXjVppFWW7fmJxa0Jw9qQB0e0qSoKh2d5e3Kl1UE_nk2_dD8Bccoai0zSiWncI54/s1600/1.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Paleta" border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrmFSkWDzn1ilbJQFrlfXnPPuw-5IxiqOkmnHdt96wxxcaOFCO7JjGrXTtDQadhWGMfx515JXX2P4IwXjVppFWW7fmJxa0Jw9qQB0e0qSoKh2d5e3Kl1UE_nk2_dD8Bccoai0zSiWncI54/s400/1.JPG" title="Paleta" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-family: inherit;">Y mi pasión, </span><b style="font-family: inherit;">la pintura</b><span style="font-family: inherit;">. Me he permitido aquí hacer un paréntesis en la vida y obra de los artistas contemporáneos para mostraros una pequeña parte de </span><b style="font-family: inherit;">mi tiempo entre óleos</b><span style="font-family: inherit;">.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSIRc4Y3yxaPD3B0eyy-7e6fFK8DSl65XB04l9Ab8zTrcGun4w5I-Hnu-MIJKI31UrrmQ8KbGpnwi9pC_t0fhcR51s1drfZcHXTlUNW3T3Ke8vO3glHSMwpmaQE7Wn_Z7_B1KOen7wY9bB/s1600/3.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Botes de óleos, trapo y pinceles" border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSIRc4Y3yxaPD3B0eyy-7e6fFK8DSl65XB04l9Ab8zTrcGun4w5I-Hnu-MIJKI31UrrmQ8KbGpnwi9pC_t0fhcR51s1drfZcHXTlUNW3T3Ke8vO3glHSMwpmaQE7Wn_Z7_B1KOen7wY9bB/s400/3.JPG" title="Óleos" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-family: inherit;">Una mañana cualquiera de un fin de semana corriente, me despierto y la tengo. Tengo <b>esa idea</b> que pretendo que adorne las paredes de mi habitación. Sin más demora, busco en el ordenador <b>la imagen</b> correspondiente y salgo a imprimirla y a comprar <b>el lienzo</b> en el que se plasmará. Cuando llego a casa, es el momento de <b>medir, cuadrar y "manchar"</b>. La sensación de empezar algo nuevo en una superficie blanca es inigualable. Ante la imposibilidad de conocer el grado de satisfacción final, mi mente se inunda de dudas: ¿Seré capaz de hacer esas ramas del árbol de ahí? ¿Cómo me va a salir esa expresión en este rostro? ¿Cómo podré pintar esa textura? Pero lo mejor es <b>lanzarse sin pensarlo</b>; hacer la primera mezcla y atacar con el pincel la pureza del lienzo. El resto sale solo.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjrbuDAm9hE71uRJofYUlT_G_Gi0Jh6a3iz7y5hPguWQmxODT1IVBhUJAu1MaNeRTbbA4G_qkB_29La7p9QYH2tdtFtojaTMyT00ObFFyjo2ttlc7RnL73Bs071IeAQcf_uT8AijhlcwTf/s1600/4.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Bata de pintura" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjrbuDAm9hE71uRJofYUlT_G_Gi0Jh6a3iz7y5hPguWQmxODT1IVBhUJAu1MaNeRTbbA4G_qkB_29La7p9QYH2tdtFtojaTMyT00ObFFyjo2ttlc7RnL73Bs071IeAQcf_uT8AijhlcwTf/s400/4.JPG" title="Bata" width="300" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
El <b>marrón</b> no es marrón, sino, de más oscuro a más claro, tierra sombra tostada, tierra sombra natural, tierra siena tostada, tierra siena natural y ocre amarillo. <b>¿Azul?</b> No. Azul ultramar claro, azul ultramar oscuro, azul cobalto claro, azul cobalto oscuro, azul real, azul celeste, azul cyan, azul turquesa, azul índigo, azul prusia (mi favorito)...</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
Con lo que más disfruto en la pintura es mirando un detalle de la imagen y adivinando qué dos, tres, cuatro o cinco botes de óleos tengo que escoger para <b>hacer la mezcla</b>. Cuando el color resultante es similar al de la muestra, es cuando verdaderamente me siento útil en esto.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxaNhKjehbL3rlv287aR1y9rjvA3VYTndczCzsZA1hY9lfolJm-tOkxl5d1pyFqKuyPZhnRbk5mbGwCEc2F52uUU_GbpOVnCLhgnmFjXjz92aiACDuqb9-1CfxzateZ_HGh2DSqBULsesC/s1600/7.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Detalle de flores en mano" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxaNhKjehbL3rlv287aR1y9rjvA3VYTndczCzsZA1hY9lfolJm-tOkxl5d1pyFqKuyPZhnRbk5mbGwCEc2F52uUU_GbpOVnCLhgnmFjXjz92aiACDuqb9-1CfxzateZ_HGh2DSqBULsesC/s400/7.JPG" title="Flores en mano (detalle)" width="300" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Flores en mano (detalle)</td></tr>
</tbody></table>
Esta flor solo está compuesta por tres colores: <b>magenta, blanco y tierra sombra tostada</b>. Sin embargo, la de más arriba lleva al menos seis tonos distintos. A veces, a simple vista parece que el juego de luces y sombras bien puede hacerse con una combinación de blanco y tierra, pero cuanto más se acerca uno al cuadro o imagen de referencia, <b>más tonos es capaz de percibir</b>. Al final, todo se trata de preguntarse con qué nivel de fidelidad es preciso conformarse. <b>A más fidelidad, más tonos y más tiempo</b>.<br />
<div>
<br /></div>
<div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQNPRHOnLG_EnPok3Q65Gnt3sW_qFEw3Ej5IP9mHuN-vtG9Fs-8xv0WMvpBgP2osaB-wtNe-vxljlVzjRitSxnwHV4ADc-4X64r1hzvdEgyz0hOsTJAhx31eGKM-_NOsWvL8M8iMw2nQXk/s1600/8.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Detalle de Caballos azules" border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQNPRHOnLG_EnPok3Q65Gnt3sW_qFEw3Ej5IP9mHuN-vtG9Fs-8xv0WMvpBgP2osaB-wtNe-vxljlVzjRitSxnwHV4ADc-4X64r1hzvdEgyz0hOsTJAhx31eGKM-_NOsWvL8M8iMw2nQXk/s400/8.JPG" title="Caballos azules (detalle)" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Caballos azules (detalle)</td></tr>
</tbody></table>
Durante la realización de Caballos azules, de Franz Marc, descubrí cuánta fuerza puede llegar a tener la combinación de dos colores: <b>azul prusia y blanco</b>. Solo con éstos, se articulan tres caballos en una superficie de 92x65 cm, y el impacto visual que provocan hace que el espectador se detenga más de tres segundos delante de ellos. Así pues, <b>las mezclas restan fuerza a la obra</b>. Por ello, dejemos las mezclas para el realismo; éste se trata de un <b>cuadro expresionista</b> y, con su técnica de colores puros, cumple perfectamente su función.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcWfuMrulBS-3uraMwOd03SX2ocvlctGwIDuz4AcM-A3meV3HWFu9qIZrvTNdUQyGeYkuKxchl4P9cSZYMaesr45dm685bOn5XBkyFKl3g6M0VYCSM_UX5l-fGZwUJh3FinoEp75HgqDCq/s1600/10.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Detalle de Niño filipino entre seda " border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcWfuMrulBS-3uraMwOd03SX2ocvlctGwIDuz4AcM-A3meV3HWFu9qIZrvTNdUQyGeYkuKxchl4P9cSZYMaesr45dm685bOn5XBkyFKl3g6M0VYCSM_UX5l-fGZwUJh3FinoEp75HgqDCq/s400/10.JPG" title="Niño filipino entre seda (detalle)" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Niño filipino entre seda (detalle)</td></tr>
</tbody></table>
Y luego están esos <b>detalles</b>... Niño filipino entre seda es una <b>lámina a pastel</b>. Normalmente, los detalles en el pastel se intuyen, se observan desde lejos y se admira su grandiosidad. Quizá yo no tenga esa capacidad y prefiera acercarme demasiado, como en este caso. Cuando quise pintar esta fotografía de <b>Manuel Libres Librodo</b>, lo que más me llamó la atención fue el <b>ojo del niño</b>. Sin embargo, no fue hasta que no me adentré en él dispuesta a<span style="font-family: inherit;"> reflejarlo fielmente cuando percibí ese detalle: delante del niño, en el momento de ser fotografíado, <b>se hallaba un camello</b>. Así pues, en un ojo no de mayor tamaño que la yema de mi dedo, quise representar el animal, el cielo y las nubes. Porque la esencia del cuadro no era la expresión del niño, sino lo que este niño miraba.</span></div>
<div>
<br /></div>
<div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQzewAJ7MlTbbMJXJTzvz7nsKlgU1ri2DZKK7ayeOIg4ZAdnL0qcusstWDN04Ahi4ahSK_yIeSh_gSpXUQJ8rVURAtmR03EXkXQOI97amg2OmUKwBw-AtD06UaX1zEzW6kv5qmClZKnE8K/s1600/5.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Boceto de Impresión sol naciente" border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQzewAJ7MlTbbMJXJTzvz7nsKlgU1ri2DZKK7ayeOIg4ZAdnL0qcusstWDN04Ahi4ahSK_yIeSh_gSpXUQJ8rVURAtmR03EXkXQOI97amg2OmUKwBw-AtD06UaX1zEzW6kv5qmClZKnE8K/s400/5.JPG" title="Impresión sol naciente (boceto)" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Boceto de Impresión sol naciente</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7tx9mRVMwURISeiXj4IGoOObONMSNnniUmtzzJxvDmYxa9K78bJz5ym-UdJc_fQ7JgKIvO7nEXuWbPJvZ9HzGhvzgm_8e-SNsb2Lt7CFfNiBr_MskcYgVz9kzTodWvd0dYg4l6oAOwgiX/s1600/9.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Boceto de Niño jugando con barco" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7tx9mRVMwURISeiXj4IGoOObONMSNnniUmtzzJxvDmYxa9K78bJz5ym-UdJc_fQ7JgKIvO7nEXuWbPJvZ9HzGhvzgm_8e-SNsb2Lt7CFfNiBr_MskcYgVz9kzTodWvd0dYg4l6oAOwgiX/s400/9.JPG" title="Niño jugando con barco (boceto)" width="300" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Boceto de Niño jugando con barco</td></tr>
</tbody></table>
Quisiera ir terminando con el comienzo. Estas dos imágenes son un ejemplo del mapa que me indica por dónde debo empezar a pintar. Una vez que el lienzo está <b>encuadrado</b>, se hace un dibujo rápido a <b>carboncillo</b> para luego delimitarlo con <b>óleos muy diluidos en aguarrás</b>. A partir de aquí, el paso siguiente ya puede llamarse "pintar un cuadro".<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZ3JE131iVi42a9KF5G5chYom_tCzHEQpj7CBIqa4E43NO9PBJSspfvUitMKVSndraRA06OaZ_uax0-Zq_zNPlBWjCeBn_QSa0UpKhBV8mNLyKnG6tszs6ldJXjrwqwc-sB2e4MzkHN4lZ/s1600/6.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Detalle de Impresión sol naciente " border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZ3JE131iVi42a9KF5G5chYom_tCzHEQpj7CBIqa4E43NO9PBJSspfvUitMKVSndraRA06OaZ_uax0-Zq_zNPlBWjCeBn_QSa0UpKhBV8mNLyKnG6tszs6ldJXjrwqwc-sB2e4MzkHN4lZ/s400/6.JPG" title="Impresión sol naciente (detalle)" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Impresión sol naciente (detalle)</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyDRtwO1FopZkvQmvyoPWoQUMd9coX5kIeg8KTLoAIk13myL5vJ1iytSIfr3oCv0bYqBNbgkotibJuLG5HhPVlRYoImZxwFtSN0iXqA0U1Lu20YX3Q3nc7mC5LsWz-vb5QWJr8nmgYj03O/s1600/11.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Detalle de Atardecer en África" border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyDRtwO1FopZkvQmvyoPWoQUMd9coX5kIeg8KTLoAIk13myL5vJ1iytSIfr3oCv0bYqBNbgkotibJuLG5HhPVlRYoImZxwFtSN0iXqA0U1Lu20YX3Q3nc7mC5LsWz-vb5QWJr8nmgYj03O/s400/11.JPG" title="Atardecer en África (detalle)" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Atardecer en África (detalle)</td></tr>
</tbody></table>
Cuando el cuadro ya está <b>acabado y seco</b>, me es imposible resistirme a pasar minutos delante de él <b>buscando errores</b>. Luego, cuando ya estoy conforme con lo que he hecho, es el momento de <b>enseñarlo y de escuchar opiniones</b> de personas que solo calificarán el resultado final. Es tremendamente necesaria una valoración externa, de alguien que no tenga en cuenta el proceso de las medidas, la encuadración, las mezclas o los detalles.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Es entonces cuando llega la hora de realizar el acto de mayor satisfacción:</div>
<div>
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiup52S1GVVA7-m8qOQyl1vOGIxY8OgLARsTqcLZ7IaKZNhSSJ1VXkRvyyo19bHMSkqE2ZnIow64PX1H2Q5-04WI8GkglArhNIrDpcyj9a14t4NLi3zVoe66Eb-pHf-dj4_YOG7XH3Wk8zJ/s1600/IMG_20130523_094940.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Firma" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiup52S1GVVA7-m8qOQyl1vOGIxY8OgLARsTqcLZ7IaKZNhSSJ1VXkRvyyo19bHMSkqE2ZnIow64PX1H2Q5-04WI8GkglArhNIrDpcyj9a14t4NLi3zVoe66Eb-pHf-dj4_YOG7XH3Wk8zJ/s400/IMG_20130523_094940.jpg" title="Firma" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Firma</td></tr>
</tbody></table>
Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-87684283540626776772013-05-28T19:39:00.001+02:002013-05-28T19:39:53.210+02:00El Clasicismo de Picasso <table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-KMgQ9TsZHbhU8MprEywRFpbYJ6M9qbVRmBuAXhs1HtAoBA67-q209qLHLHalglScWdDBroq3ejHUzwKrOiQgQi_dg3u2T2UKLSS-y8TD4zwgv68FEs2lDiQaQndNUsUdBUNfR91YBQ44/s1600/Picasso+-+(Pablo+Ruiz+Picasso)+Retrato+de+Olga+en+un+sill%C3%B3n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Retrato de Olga en un sillón de Picasso" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-KMgQ9TsZHbhU8MprEywRFpbYJ6M9qbVRmBuAXhs1HtAoBA67-q209qLHLHalglScWdDBroq3ejHUzwKrOiQgQi_dg3u2T2UKLSS-y8TD4zwgv68FEs2lDiQaQndNUsUdBUNfR91YBQ44/s400/Picasso+-+(Pablo+Ruiz+Picasso)+Retrato+de+Olga+en+un+sill%C3%B3n.jpg" title="Retrato de Olga en un sillón" width="262" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Pablo Picasso, Retrato de Olga en un sillón, 1917</td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: inherit;">Efectivamente, esta obra es del <b>genio cubista</b>. Los trabajos realizados entre los años <b>1916 y 1924</b> se cuentan entre los fenómenos más desconcertantes de su obra completa. Mientras pintaba obras como ésta, Picasso seguía experimentando con el cubismo sintético.</span><div>
<br /></div>
<div>
Siendo ya en 1916 un artista consagrado, gracias a sus contactos, pudo penetrar en el <b>mundo del ballet y el teatro</b>. Así, estableció estrechas relaciones con la <b>alta sociedad</b>, y pudo visitar Nápoles y Pompeya y admirar los originales de las obras de arte más importantes de la<b> antigüedad clásica</b>. La primera participación que tuvo en el teatro fue a través de los bocetos para el telón, el decorado y el vestuario del <b>ballet "Parade"</b>:</div>
<div>
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfXFm2w9vvuxeWaCQ9NNje06zJX2coEpwOK-1HB5GSNGne-eXQMlJ3AH1_bxqInyh3lslb5D90FwtrbM6ZNVpN5_9aY1Rk388u35BIiou6d-tWV-aEgj10HLOsit9_G8yx7epPkr0HSr40/s1600/el+telon+de+parade.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="El telón de "Parade" de Picasso" border="0" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfXFm2w9vvuxeWaCQ9NNje06zJX2coEpwOK-1HB5GSNGne-eXQMlJ3AH1_bxqInyh3lslb5D90FwtrbM6ZNVpN5_9aY1Rk388u35BIiou6d-tWV-aEgj10HLOsit9_G8yx7epPkr0HSr40/s400/el+telon+de+parade.jpg" title="El telón de "Parade"" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Pablo Picasso, El telón de "Parade", 1917</td></tr>
</tbody></table>
La obra con la que inaugurará una sucesión de lienzos con una <b>gran voluptuosidad en las formas</b> de las figuras, será La siesta, que no es más que una versión del cuadro de Van Gogh del mismo título: <div>
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-BR5e8efC8DLhk7iIXjH_FkHrmPsS7NBYvTX1xdHjk52FlsOmqWLYCoLne47YsZw_pSWBCZ7AxQBy5-bSqvrsiKR3zI22Ci55sP9kRc_0mhAvg_dm36QJutmnktAJk1YB5oVGQbXHDgDE/s1600/La+siesta+(Pablo+Ruiz+Picasso,+1919).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="La siesta de Picasso" border="0" height="257" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-BR5e8efC8DLhk7iIXjH_FkHrmPsS7NBYvTX1xdHjk52FlsOmqWLYCoLne47YsZw_pSWBCZ7AxQBy5-bSqvrsiKR3zI22Ci55sP9kRc_0mhAvg_dm36QJutmnktAJk1YB5oVGQbXHDgDE/s400/La+siesta+(Pablo+Ruiz+Picasso,+1919).jpg" title="La siesta" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Pablo Picasso, La siesta, 1919</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwxXIFiVWJsiMiPgzKerjum-T9ViY_YXk91ZS2erm47LRkqJWw4AfuIhlPbZRlFNdCaAJqtPhzFEjSlsCpyQ-7z-crus_6XrlTAfLNmXBdyL58u096mB1TzNThoYUJ3j51YM5GwbEyQXhv/s1600/Van+Gogh+La+siesta.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="La siesta de Van Gogh" border="0" height="325" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwxXIFiVWJsiMiPgzKerjum-T9ViY_YXk91ZS2erm47LRkqJWw4AfuIhlPbZRlFNdCaAJqtPhzFEjSlsCpyQ-7z-crus_6XrlTAfLNmXBdyL58u096mB1TzNThoYUJ3j51YM5GwbEyQXhv/s400/Van+Gogh+La+siesta.jpg" title="La siesta" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Vincent Van Gogh, La siesta, 1890</td></tr>
</tbody></table>
El nacimiento de <b>su hijo Paul en 1921</b> motiva al artista a seguir pintando en la misma dinámica clasicista y, además, incluir en su obra el tema de la<b> maternidad</b>. A esta etapa de Picasso pertenecen muchos de sus lienzos más sobresalientes y mundialmente conocidos. No hay más que comentar en ellos que la <b>pureza</b> que desprenden las figuras, el <b>haz de luz</b> que envuelven a algunas o la <b>combinación de claroscuro</b> tan magistralmente plasmada en las formas:<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVF61Ct3wk-Z00VqUQuXTeqWT0pFpcPPy1V5_YJK5d0MYPHzOtxEtg1sb_JaBzirOE_uN4KnRhIK4VTZuLPhS5k9sAcj1J_S9cIcwwbY7-TI45n8jwpX4-UjNGs4O6evyhHo2JtIBVofzg/s1600/mujer+e+hijo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Mujer e hijo a orillas del mar de Picasso" border="0" height="348" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVF61Ct3wk-Z00VqUQuXTeqWT0pFpcPPy1V5_YJK5d0MYPHzOtxEtg1sb_JaBzirOE_uN4KnRhIK4VTZuLPhS5k9sAcj1J_S9cIcwwbY7-TI45n8jwpX4-UjNGs4O6evyhHo2JtIBVofzg/s400/mujer+e+hijo.jpg" title="Mujer e hijo a orillas del mar" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Pablo Picasso, Mujer e hijo a orillas del mar, 1921</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifVTKqZr8w3vvqbjIA2dloFdgYuYkvMqEN0NHh3o49Y8wM7LvlniLfpVherpyh72YIwHpfMlnKzrr7k6zYWrczRopcYEFz6MSaB6ENbIQDKCOo1EbeVwEte2A2EFjD4VBbURQXfOiK-NQh/s1600/38_Familia_en_la_orilla_del_mar_picasso_algomasquearte.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Familia a orillas del mar de Picasso" border="0" height="343" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifVTKqZr8w3vvqbjIA2dloFdgYuYkvMqEN0NHh3o49Y8wM7LvlniLfpVherpyh72YIwHpfMlnKzrr7k6zYWrczRopcYEFz6MSaB6ENbIQDKCOo1EbeVwEte2A2EFjD4VBbURQXfOiK-NQh/s400/38_Familia_en_la_orilla_del_mar_picasso_algomasquearte.jpg" title="Familia a orillas del mar" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Pablo Picasso, Familia a orillas del mar, 1922</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhp5DW0x6VYDshBNhkN97ibg26fpQezy4p-V8zeqSCyHI_kQWCZkdp0ruu2xEU43U54uL1yd7cVFrm1VRNX5hRGfD14j1LS67v-9z2fytAdiYvIEN6dFj_1GoY68zU8dvNChcbizqUHI4YJ/s1600/L2_PICASSO_DOS+MUJERES+CORRIENDO+POR+LA+PLAYA_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Dos mujeres corriendo en la playa (La carrera) de Picasso" border="0" height="311" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhp5DW0x6VYDshBNhkN97ibg26fpQezy4p-V8zeqSCyHI_kQWCZkdp0ruu2xEU43U54uL1yd7cVFrm1VRNX5hRGfD14j1LS67v-9z2fytAdiYvIEN6dFj_1GoY68zU8dvNChcbizqUHI4YJ/s400/L2_PICASSO_DOS+MUJERES+CORRIENDO+POR+LA+PLAYA_jpg.jpg" title="Dos mujeres corriendo en la playa (La carrera)" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Pablo Picasso, Dos mujeres corriendo en la playa (La carrera), 1922</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaOJttX8EoaEuClMWZPBzlJTMXRfMpSV7pZHM0eabC0cxOQXxDaSjyYY52t7RMxDU0347CS1AocBnAfHBj4nhe8p9wN97FCRdXJpG6l8GFBue6jSDwdiKqtbKpySALb5dpKr3kV2JZH0ur/s1600/L3_PICASSO_LA+FLAUTA+DE+PAN_NEOCLASICISMO-_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="La flauta de Pan de Picasso" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaOJttX8EoaEuClMWZPBzlJTMXRfMpSV7pZHM0eabC0cxOQXxDaSjyYY52t7RMxDU0347CS1AocBnAfHBj4nhe8p9wN97FCRdXJpG6l8GFBue6jSDwdiKqtbKpySALb5dpKr3kV2JZH0ur/s400/L3_PICASSO_LA+FLAUTA+DE+PAN_NEOCLASICISMO-_jpg.jpg" title="La flauta de Pan" width="323" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Picasso, La flauta de Pan, 1923</td></tr>
</tbody></table>
Como vemos, estamos ante <b>el pintor más prolífico de la historia del arte</b>. Nunca dejó de reinventarse. Aún cuando ya creía haber alcanzado la gloria con la revolución pictórica del cubismo, Pablo no siguió explotando esa línea eternamente, sino que comenzó a <b>depurar las formas</b> y a teñirse durante unos años del <b>neoclasicismo</b> imperante hacía un siglo.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Esta etapa la culminan dos obras inacabadas, de un estilo similar al de la obra con la que se inaugura el ciclo clasicista (Retrato de Olga en un sillón):</div>
<div>
<br /><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiu-uHibwu8kpsmtNeLbA6qleLwFUsPStCLiXs3A_6OOEj4vAdbDTH0_Wi1IljQXkxtvJwvnzfFzvIWgrQdJjHtmN-qg2Q8SRlbvU_XgsuyGukY8njBC9LLNMWQQah__mEe0n3tEdtWx7hW/s1600/L4_PICASSO_PABLO+VESTIDO+DE+ARLEQUIN_NEOCLASICISMO_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Paul vestido de arlequín de Picasso" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiu-uHibwu8kpsmtNeLbA6qleLwFUsPStCLiXs3A_6OOEj4vAdbDTH0_Wi1IljQXkxtvJwvnzfFzvIWgrQdJjHtmN-qg2Q8SRlbvU_XgsuyGukY8njBC9LLNMWQQah__mEe0n3tEdtWx7hW/s400/L4_PICASSO_PABLO+VESTIDO+DE+ARLEQUIN_NEOCLASICISMO_jpg.jpg" title="Paul vestido de arlequín" width="288" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Pablo Picasso, Paul vestido de arlequín, 1924</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZD2POtIgubm22uXolYLL_ay2LIBxyEDdTlsGcFMztTeGhh9sDX5QTEbHhIbXqqqK_Sl76ImJfgc5wKNtzAoEbA5qb6Ayk9aGDww1lKbcgPIUkx97InrGGFuOqjTQ-JB2gClydNhv83m8v/s1600/L7_PICASSO_RETRATO+DEL+PINTOR++JACINTO+SALVADOR_NEOCLASICISMO_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Arlequín sentado (El pintor Jacinto Salvado) de Picasso" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZD2POtIgubm22uXolYLL_ay2LIBxyEDdTlsGcFMztTeGhh9sDX5QTEbHhIbXqqqK_Sl76ImJfgc5wKNtzAoEbA5qb6Ayk9aGDww1lKbcgPIUkx97InrGGFuOqjTQ-JB2gClydNhv83m8v/s400/L7_PICASSO_RETRATO+DEL+PINTOR++JACINTO+SALVADOR_NEOCLASICISMO_jpg.jpg" title="Arlequín sentado (El pintor Jacinto Salvado)" width="292" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Pablo Picasso, Arlequín sentado (El pintor Jacinto Salvado), 1923</td></tr>
</tbody></table>
</div>
Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-53227323224782532952013-05-23T13:15:00.001+02:002013-05-23T13:37:25.220+02:00El gran masturbador y la sexualidad en Dalí<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEishMtiXhdubhNKR-6CSC6x99ZGJSvqReGYlJsFmDMV9dbXMU_64TtCrrVgtkjOghMtqFfhGvNot_JszYL-urRskpLRU6JKnaoZ9mcDoXk9VOsHyylhAbuTrb-WAgpToNMrjAZkDiYinXS8/s1600/Dal%C3%AD+-+El+gran+masturbador.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="El gran masturbador de Dalí" border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEishMtiXhdubhNKR-6CSC6x99ZGJSvqReGYlJsFmDMV9dbXMU_64TtCrrVgtkjOghMtqFfhGvNot_JszYL-urRskpLRU6JKnaoZ9mcDoXk9VOsHyylhAbuTrb-WAgpToNMrjAZkDiYinXS8/s1600/Dal%C3%AD+-+El+gran+masturbador.jpg" title="El gran masturbador" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Salvador Dalí, El gran masturbador, 1929</td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<span style="font-family: inherit;"><i>"Representaba una <b>gran cabeza lívida y cérea</b>, con las mejillas rosadas y largas pestañas. La inmensa nariz se apoyaba en el suelo. La boca estaba reemplazada por un <b>saltamontes </b>con el vientre en descomposición <b>plagado de hormigas</b>. La cabeza terminaba en una ornamentación de estilo 1900" </i>Salvador Dalí.</span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
Nada mejor que las propias palabras del autor para el comentario de esta <b>obra de 1929</b>. Dalí posee una ventaja que no muchos pintores tienen: <b>escribió mucho sobre sí mismo y su obra</b>, por lo que analizarlo resulta tremendamente sencillo. Él nos dejó ya todo el trabajo hecho. Así pues, no es tanto su obra como su propia figura la que es susceptible de ser descifrada. ¿Egocéntrico? No cabe duda; pero <b>disfrutaba del egocentrismo de un genio</b>.<br />
<br />
Recientemente, Salvador había conocido a <b>Gala, la que fue el amor de su vida.</b> Y fue este sentimiento el culpable de que el <b>excentricismo</b> del autor se canalizara por otra vía: <i>"Ella sería <b>mi Gravida</b> ("la que avanza"), mi diosa de la Victoria, mi mujer. Pero para ello era necesario que me curase. Y ella me curó gracias a la <b>potencia indomable e insondable de su amor</b>, donde la profundidad de pensamiento y la destreza práctica rebasan los métodos psicoanalíticos más ambiciosos".</i><br />
<i><br /></i>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1sn_qxVuVeiublVWm7REHKbYH_Sno4zxdwY5RcvUoaq6kO4vSpboL1tdR79CK22dvZnPleCF6_wsnqATf_r1j_uqdfYfODqU2zOydfeKXCVJ9nlLnEOYqKiNzXQs2Hj1ujFYSXk8B-_jc/s1600/Salvador+Dal%C3%AD+y+Gala.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Salvador Dalí y Gala" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1sn_qxVuVeiublVWm7REHKbYH_Sno4zxdwY5RcvUoaq6kO4vSpboL1tdR79CK22dvZnPleCF6_wsnqATf_r1j_uqdfYfODqU2zOydfeKXCVJ9nlLnEOYqKiNzXQs2Hj1ujFYSXk8B-_jc/s400/Salvador+Dal%C3%AD+y+Gala.jpg" title="Salvador Dalí y Gala" width="288" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Salvador Dalí y Gala</td></tr>
</tbody></table>
El <b>gran masturbador</b> constituye una especie de <b>"autorretrato blando"</b>. La representación del rostro de Dalí aquí está bañada por el <b>cansancio</b>. Apoyado en el suelo, deja que las <b>hormigas</b> le empiecen a recorrer el rostro y que un <b>saltamontes</b> enorme se suspenda sobre su perfil. Sin embargo, esta visible fatiga contrasta con el rasgo facial más característico de Dalí: <b>su bigote</b>. Ha sido sustituido por <b>una orquídea y un torso femenino</b> que se elevan de la misma forma en la que Dalí moldeaba su bigote. La expresión de esta mujer es de éxtasis puro, dispuesta a <b>realizar la felación </b>que le da título al lienzo. Para ello, también surgen de la cara de Dalí unas <b>piernas de aspecto marmolíneo </b>que se inclinan levemente, receptivas, al rostro de la mujer. Todo ello se enmarca en un <b>paisaje austero</b>, típico en toda la obra del autor, en el que podemos distinguir la nítida línea del horizonte. El resto de elementos que lo componen, aunque parezcan dispuestos de manera arbitraria, guardan una <b>composición armónica </b>con el todo (las raíces, las piedras, los amantes bajo el saltamontes...). Entre ellos, cabe destacar el <b>rostro felino</b> situado debajo de la mujer, que dirige su lengua hacia ella, incidiendo en el <b>carácter erótico de la obra.</b><br />
<div>
<b><br /></b></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjB12oRuE92_Ys-CMVY-dQ1mbuwCPtVvV7JzotRyV6LzOO_THpPuBAXS4Fkymhj7Xrd7aEWc0MiZ0jgXECWTOLKqzgmVlloiQA8HWtX6lm5WxEEeEZPUwneYNdKi3twz-EfZG6-D6oSppYk/s1600/arpa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt=" El arpa invisible, fina y mediana de Dalí" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjB12oRuE92_Ys-CMVY-dQ1mbuwCPtVvV7JzotRyV6LzOO_THpPuBAXS4Fkymhj7Xrd7aEWc0MiZ0jgXECWTOLKqzgmVlloiQA8HWtX6lm5WxEEeEZPUwneYNdKi3twz-EfZG6-D6oSppYk/s400/arpa.jpg" title="El arpa invisible, fina y mediana" width="293" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Salvador Dalí, El arpa invisible, fina y mediana. 1932</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXnrvGQSqk_xlU-BlQBo5HMk8vtg4ugf-gJGAGIblzmJJ-vLgEF5vh1BqYvhJRiXYIPrZ42zZjkoeMeyZAxr7Cb0-IfZKDmwTJMDe41OAQFzLQ8Xc12q8Z7DSFqp78kjZ1m7MXx_879mDi/s1600/craneo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Cráneo atmosférico sodomizando a un piano de cola de Dalí" border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXnrvGQSqk_xlU-BlQBo5HMk8vtg4ugf-gJGAGIblzmJJ-vLgEF5vh1BqYvhJRiXYIPrZ42zZjkoeMeyZAxr7Cb0-IfZKDmwTJMDe41OAQFzLQ8Xc12q8Z7DSFqp78kjZ1m7MXx_879mDi/s400/craneo.jpg" title="Cráneo atmosférico sodomizando a un piano de cola" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Salvador Dalí, Cráneo atmosférico sodomizando a un piano de cola. 1934</td></tr>
</tbody></table>
Estas dos obras completan la significación del <b>funcionamiento sexual daliniano</b>. En la primera aparece Gala alejándose de espaldas con las nalgas todavía descubiertas, mientras que <b>"la cabeza erecta que brota" </b>está sostenida por una muleta, y tiene un aspecto de post-coito. Dura y blanda a la vez, representa el <b>instinto sexual cerebralizado y sublimado por el arte</b>. La segunda, por otra parte, contiene un símbolo que se repite en otras obras del autor: <b>el piano de cola</b>. Para Dalí era la representación de la hembra.<br />
<div>
<br /></div>
<div>
Siempre se ha asociado el erotismo en la obra de Dalí con las hormigas. Sin embargo, contiene muchos otros elementos a veces escondidos y representados de manera implícita. A pesar de la afirmación por su parte de ser <b>"to-tal-men-te im-po-ten-te"</b>, Dalí da rienda suelta a su subconsciente y plaga sus cuadros de símbolos sexuales, quizá solo destinados a ser percibidos por aquellos ojos acostumbrados a su obra.</div>
<div>
<div>
<b><br /></b>
<div>
<br /></div>
<div>
<br />
<i><br /></i>
<i><br /></i>
<i><br /></i></div>
</div>
</div>
Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-63871741503477844742013-05-19T17:07:00.000+02:002013-05-19T17:07:11.228+02:00Comienza el éxito de Frida... No sin finales desdichados<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgituvrOUUj6Tv5uMJ_h7AAgT2ltIzrxs6Epa2203yBQiNFVWpS-i9jKYJ5Qs1_lLO1aEzpm9m5Twpjq6HCpHccHjyJIs5wo7tQwYjznbshDgUnMdmIMIycdKy3f9OG6tfonQiLpgFtq4gF/s1600/Frida+Kahlo+-+Las+dos+Fridas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Las dos Fridas, de Frida Kahlo" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgituvrOUUj6Tv5uMJ_h7AAgT2ltIzrxs6Epa2203yBQiNFVWpS-i9jKYJ5Qs1_lLO1aEzpm9m5Twpjq6HCpHccHjyJIs5wo7tQwYjznbshDgUnMdmIMIycdKy3f9OG6tfonQiLpgFtq4gF/s400/Frida+Kahlo+-+Las+dos+Fridas.jpg" title="Las dos Fridas" width="397" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Frida Kahlo, Las dos Fridas, 1939</td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: inherit;"><i>"Para mi sorpresa, <b>Julian Levy</b> me escribió que alguien le había hablado de mis cuadros y que estaba muy interesado en exponerlos en su galería. Contesté a su carta y le envié fotos de algunos de mis últimos trabajos, a lo que él reaccionó con una nueva carta en la que se mostraba <b>entusiasmado por los trabajos </b>y me preguntaba si estaba de acuerdo con una exposición de treinta cuadros para octubre de ese año [...] <b>No entiendo lo que ve en mis cuadros. ¿Por qué quiere exponerlos?</b>". </i>Frida Kalho a su amiga Lucienne Bloch.</span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br />
Y con esta incrédula e inocente actitud realizó Frida su <b>primera exposición individual en 1938 en Nueva York</b>, en la galería de Julian Levy. Frida siempre había pintado pensando en ella misma, nunca en el gran público. La exposición tuvo un <b>éxito inmediato</b>: la prensa se hizo un rápido eco de la misma, casi la mitad de los cuadros expuestos fueron vendidos y, al mismo tiempo, obtuvo varios encargos de algunos visitantes. Se sentía tan libre viajando sola a aquella ciudad que no evitó iniciar una apasionada <b>relación amorosa con el fotógrafo Nickolas Muray</b>.</span><br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUzmlhtHRF9WKuTFltqEjGtzVASNAIgXbVyyseqz6-CwMOttkLGdgAwYQYl1xp2uYH9o3yi8eWCW8AmlHTiUo2IYvSpgk3pRIbIn55rT6GVLZ7tdB12hDuXzIS5BzCgu0SEb6EfYL7En-Q/s1600/frida-khalo-3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Frida Kahlo" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUzmlhtHRF9WKuTFltqEjGtzVASNAIgXbVyyseqz6-CwMOttkLGdgAwYQYl1xp2uYH9o3yi8eWCW8AmlHTiUo2IYvSpgk3pRIbIn55rT6GVLZ7tdB12hDuXzIS5BzCgu0SEb6EfYL7En-Q/s400/frida-khalo-3.jpg" title="Frida Kahlo" width="293" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Frida Kahlo en 1939. Fotografía tomada por Nickolas Muray</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: inherit;">Meses más tarde, en <b>enero de 1939</b>, Frida puso los pies en <b>París </b>con la promesa de <b>André Breton</b> de organizarle una exposición. Fue, sin embargo, gracias a la ayuda de <b>Marcel Duchamp </b>("de este montón de locos hijos de puta que son los surrealistas, es el único que tiene los pies en el suelo", según las palabras de la artista) por lo que pudo finalmente exponer el marzo. Durante sus días en la capital francesa, Kahlo fue desarrollando un <b>odio exacerbado hacia todos los surrealistas</b>, como ya deja entender la declaración anterior.</span></div>
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;">A su regreso a México, era inevitable el <b>distanciamiento que existía entre ella y su marido Diego</b>. En el verano de ese mismo año, abandonó la casa común en San Ángel y se retiró en la casa paterna de Coyoacán. Este fue el comienzo de una separación que culminaría con la firma del<b> divorcio el 6 de noviembre de 1939</b>.</span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;">Y en este contexto es en el que podemos analizar la impactante obra que hemos abierto. En él vemos un <b>doble autorretrato</b>. En la derecha se encuentra la <b>Frida mexicana</b>, con su traje de Tehuana. Ésta fue la Frida a la que Diego amó. Sujeta en su mano un <b>amuleto con el retrato de su marido</b> cuando era niño. Su corazón, entero y totalmente descubierto, está unido mediante una arteria al de la otra Frida, la que viste con <b>traje europeo</b>. Esta obra es un <b>reflejo desgarrador de la crisis matrimonial de la pintora</b>. El viaje a Europa hizo que se le rompiese el corazón, que ya no pertenecía a Diego (como vemos en la Frida de la izquierda, donde otra arteria es la que sostiene el retrato del pintor), sino a unas <b>tijeras </b>con las que intenta desangrarse.</span><br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjV5E2Y6WZaHHjdvKZAJQvZFSjutjxhyhce7ftgo3e0qBWeNTnS01NsAkJ9CFdqHTckJy7_k0ctfKKkv_Fl8dH859OAND4UuD5cwe2pIQ_jbYP2iIvUTIT1m-S3rmOHIN4IcsMlLtu_Hpn/s1600/DSC_0041.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Detalle de Las dos Fridas de Frida Kahlo" border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjV5E2Y6WZaHHjdvKZAJQvZFSjutjxhyhce7ftgo3e0qBWeNTnS01NsAkJ9CFdqHTckJy7_k0ctfKKkv_Fl8dH859OAND4UuD5cwe2pIQ_jbYP2iIvUTIT1m-S3rmOHIN4IcsMlLtu_Hpn/s400/DSC_0041.JPG" title="Las dos Fridas (detalle)" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Las dos Fridas (detalle)</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheTHen4mxQQBxPoeiApkQDOtVyHZKoqKLqNP_eEV7k7du3l4MEw8sJLmIsnFebyuC_WdQYxDmgcBpgrqP7m7wZqSyFZOo6rraFizk1TnFcRWj2PALpCb4rnEmNBc1-AxATCrNRpGRJ-duM/s1600/DSC_0042.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Detalle de Las dos Fridas de Frida Kahlo" border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheTHen4mxQQBxPoeiApkQDOtVyHZKoqKLqNP_eEV7k7du3l4MEw8sJLmIsnFebyuC_WdQYxDmgcBpgrqP7m7wZqSyFZOo6rraFizk1TnFcRWj2PALpCb4rnEmNBc1-AxATCrNRpGRJ-duM/s400/DSC_0042.JPG" title="Las dos Fridas (detalle)" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Las dos Fridas (detalle)</td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: inherit;">Las expresiones de ambos rostros son, sin embargo, prácticamente idénticas, pero hay que tener en cuenta que Frida siempre se retrató de la misma manera: con una <b>sobria y serena expresión</b>, nunca sonriendo.</span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;">Estamos asistiendo a <b>una de las etapas más duras</b> en la vida de Kahlo, en la que encontró en <b>el alcohol el mejor refugio</b>. Frida llegó a confesar que no fue ella quien impulsó la ruptura, sino Diego, quien la convenció de que lo abandonase alegando que era lo mejor para ambos. Sin embargo, <b>no dejó de pintar</b>, y de su melancolía surgieron una gran serie de autorretratos en los que solo variaba el fondo y el vestuario.</span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
No obstante, el arte de Frida debe toda su esencia al amor hacia Diego Rivera, por lo que apenas tardarán un año en volver.<br />
<br />
<i>"Por otra parte, el la primera vez en la historia del arte que una mujer ha expresado con franqueza absoluta, descarnada y, podríamos decir, tranquilamente feroz, aquellos hechos generales y particulares que conciernen exclusivamente a la mujer."</i> Diego Rivera.<br />
<br />
<br />Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-50713525998343178772013-05-17T12:40:00.002+02:002013-05-17T13:26:30.295+02:00Noche estrellada de Van Gogh<br />
<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3LJYRAorNCGI7T7pvt3pJzD7smDT2Uj-4sa7ljw3hmE96lBPwy6GfQwtPBynwkk5KAbqmpKQ9sQb9kR7O9EOosIS8w4zXImHsPhvxMyz-8YhcISCpqjn_qfw7BGniS1u6Oa34D-FYhsjK/s1600/starrynight_vangogh_big.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Noche estrellada de Van Gogh" border="0" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3LJYRAorNCGI7T7pvt3pJzD7smDT2Uj-4sa7ljw3hmE96lBPwy6GfQwtPBynwkk5KAbqmpKQ9sQb9kR7O9EOosIS8w4zXImHsPhvxMyz-8YhcISCpqjn_qfw7BGniS1u6Oa34D-FYhsjK/s400/starrynight_vangogh_big.jpg" title="Noche estrellada" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Vincent Van Gogh, Noche estrellada, 1889<br />
(Fuente: <a href="http://observatorio.info/">http://observatorio.info</a>)</td></tr>
</tbody></table>
</div>
<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: inherit;">Gritos de auxilio; gritos que se elevan hasta el cielo; gritos que interrumpen el silencioso viento de medianoche; gritos que se inyectan en las estrellas como una dosis de energía. La tierra reposa, el cielo se agita. La tierra respira, el cielo solloza. La tierra se apaga… y hay luz arriba, en ese azul furioso, ese amarillo radiante, ese blanco sonoro y ese negro llorón. Hay luz, hay desesperación.</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: inherit;">El artista necesita ser el ciprés, ajeno al pueblo que mantiene la calma bajo la amenaza del cosmos. El artista se aleja de ese pueblo porque desea fundirse con las estrellas y participar en su danza. Quiere llegar a la enigmática luna y abrazarse a ella. En esa parte terrenal, racional, de líneas rectas, no hay cabida para el sinuoso ciprés, que asciende hacia el desequilibrio espiritual.</span></i><br />
<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: inherit;"><br /></span></i>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNUfJzrJF3yIT1l_hclDjkJ6QnJnEp8DeAn-E6IcxwyVKS3RaulQylyMr_KAnlpDyjbIfL-pS3ndUC8jy9sVKx7L6BT43XmIfEXuzObwLO2jnteCspI1M7INotI-yoYUVVBlOvD_jPsk_A/s1600/detalle.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="detalle de Noche estrellada de Van Gogh" border="0" height="197" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNUfJzrJF3yIT1l_hclDjkJ6QnJnEp8DeAn-E6IcxwyVKS3RaulQylyMr_KAnlpDyjbIfL-pS3ndUC8jy9sVKx7L6BT43XmIfEXuzObwLO2jnteCspI1M7INotI-yoYUVVBlOvD_jPsk_A/s400/detalle.jpg" title="Noche estrellada (detalle)" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Noche estrellada (detalle)<br />Fuente: <a href="http://www.googleartproject.com/">http://www.googleartproject.com</a></td></tr>
</tbody></table>
</div>
<span style="font-family: inherit;">No se me ocurre otra manera de comentar esta magnífica obra, realizada por un magnífico artista.</span><br />
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: inherit;">No cabe duda de que Van Gogh ha pasado a la historia como <b>un pintor loco que se arrancó la oreja</b>. En efecto, fue un hombre de tendencias desequilibradas y carácter inestable; pero también fue el <b>primer genio de la pintura contemporánea</b>.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: inherit;">Para comprender el significado simbólico de esta obra, resulta obligatorio conocer la vida del autor.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: inherit;">Hijo de un pastor calvinista, <b>Vincent Gogh nació en 1853</b>, y fue bautizado con el mismo nombre que el hermano que nació muerto hacía exactamente un año. Cuatro años más tarde, nace Theo, con quien mantendrá una intensa correspondencia a lo largo de toda su vida. Será <b>su hermano Theo el sustento económico del artista</b> y quien lo anime a dedicarse a la pintura.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: inherit;">Sus primeros contactos con el arte surgen en 1869, con <b>16 años</b>, cuando se traslada a La Haya para entrar como aprendiz en la filial de la <b>galería parisina</b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Goupil</b>, fundada por su tío. Posteriormente, trabajará en las sedes de Bruselas, Londres y París.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: inherit;">En <b>1876</b> Vincent cambió totalmente de rumbo: se dejó llevar por su fuerte educación religiosa y quiso convertirse en <b>“evangelizador de los pobres”</b>. En esta fecha es cuando empieza la correspondencia con Theo. Tres años más tarde consigue predicar en <b>la Boragine</b>, donde vive en extrema pobreza, lo cual no le impide compadecerse del pueblo minero y ayudarle. Son varios los lienzos de la época que reflejan la desgracia de los mineros. Cuando no llevaba un año allí, sus superiores deciden retirarle.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: inherit;">En <b>1885</b> acompaña a Theo a París, donde <b>conoce la obra impresionista</b>. Sin embargo, en <b>1888</b>, al no sentirse identificado con el ambiente y el clima de París, <b>decide trasladarse a Arlés</b>. Ya había pintado por entonces más de doscientos cuadros. En Arlés hace realidad una idea que le rondaba por la cabeza: fundar una comunidad de artistas que llamó<b> “La casa amarilla”</b>. Tras varias invitaciones, por fin acepta <b>Gauguin</b> mudarse junto a Van Gogh para participar en esta comunidad. No obstante, los enfrentamientos entre ellos son constantes y de gran envergadura, hasta tal punto que una noche Van Gogh llega a <b>cortarse una oreja en un estado de locura tras haber discutido con Gauguin</b>. Sumido en esta locura, el artista decidió envolver la oreja, acudir al burdel de Arlés y entregársela a la prostituta que frecuentaba, Rachel. Gauguin, entonces, no tiene más remedio que marcharse, no sin antes avisar del estado del pintor a su hermano, quien acude rápidamente.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: inherit;">De este modo, ya en <b>1889</b>, Vincent <b>ingresa voluntariamente en el Manicomio de Saint Remy</b>, donde en una ocasión intentó envenenarse con pinturas. <span style="mso-bidi-font-weight: normal;">Es durante su estancia cuando pinta <b>Noche Estrellada</b>, reflejo de su desequilibrio mental y desesperación.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: inherit;">En <b>1890</b> se marcha a <b>Auvers</b> y se aloja en una habitación pagada por Theo. El día 27 de julio llegó al anochecer de dar un paseo por el campo. El matrimonio que habitaba la casa percibió el sufrimiento físico del pintor, quien confesó haberse <b>disparado en el pecho</b>. El desequilibrio anímico y la sensación de ser una carga para su hermano podrían haber sido las causas del suicidio.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: inherit;">Murió dos días más tarde, con 37 años, dejando cerca de <b>novecientos cuadros</b>, de los cuales <b>solo vendió uno</b>.</span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="margin: 0cm 0cm 10pt 36pt;">
<span style="font-family: inherit;">Os recomiendo visitar esta página: <a href="http://www.googleartproject.com/museums/moma/the-starry-night">http://www.googleartproject.com/museums/moma/the-starry-night</a></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="margin: 0cm 0cm 10pt 36pt;">
<span style="font-family: inherit;">En este enlace aparece Noche Estrellada, y la imagen de la derecha te permite acertarte al cuadro tanto como quieras. Es esta la mejor manera de observar las gruesas y espesas pinceladas del artista, y los movimientos de su pincel sobre el lienzo. Se refleja aquí claramente el estilo por el que ha pasado a la posteridad y que ha sido fruto de su situación psíquica.</span></div>
Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-76671427150205160722013-05-12T11:56:00.002+02:002013-05-15T18:47:28.531+02:00¡Por fin llega la lata de tomate!<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilEUZruGQdNRTrWiiNGR-CH-GPz07xlySijRQ2Uu3KYic6eohVEpvujVUt7K3omF5TsejqJvrmH0TFbT6WvTyNqdaWWA3O2OBMDc-pg_JslGsWtrQi3HJjrzCDZf7vM7JPnTFD8WIGm9u7/s1600/campbell's+soup+can+1964+%285%29.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="cuadro Lata de Tomate de Warhol" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilEUZruGQdNRTrWiiNGR-CH-GPz07xlySijRQ2Uu3KYic6eohVEpvujVUt7K3omF5TsejqJvrmH0TFbT6WvTyNqdaWWA3O2OBMDc-pg_JslGsWtrQi3HJjrzCDZf7vM7JPnTFD8WIGm9u7/s400/campbell's+soup+can+1964+%285%29.jpg" title="Campbell´s Soup Can I" width="266" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption"><i>Andy Warhol,</i> Campbell´s Soup Can I, 1968</td></tr>
</tbody></table>
<b>"¡Fue fabuloso, la inauguración de una exposición sin arte!"</b>. Estas fueron las palabras de Andy Warhol el día de la apertura de su exposición de 1965, en el Institute of Contemporary Art de Filadelfia. El organizador, ante la avalancha de público que se esperaba, descolgó los cuadros por motivos de seguridad. <b>"A nadie le importó lo más mínimo que los cuadros hubieran sido descolgados. Me alegré de veras de que entretanto también pudiera hacer películas"</b>, dijo Warhol.<br />
<div>
<br /></div>
<div>
Este <b>Bote de Sopa en Conserva Campbell´s I</b> es, con toda seguridad, el lienzo que ha pasado a la historia como la máxima expresión del Pop Art.¿Y qué es el arte pop? Pues, resumiendo demasiado, es un movimiento artístico-cultural de los años sesenta surgido como respuesta al <b>auge que la comercialización tenía en aquella época.</b> Todos aquellos patrones establecidos para evaluar las obras de los medios de masas se trasladan al arte de manera descaradamente irónica. América, como lugar donde el consumismo alcanza sus más altas cotas, es también el lugar donde se origina y donde más se desarrolla este movimiento, que se expande después por Europa, asistiendo a la vez a la <b>americanización de la cultura del mundo occidental.</b></div>
<div>
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh84QlVbBGZ9YWLT9pYGzejsASCeM50hdnZMgIKTD2QHCRa5olwcVpieyoR8E-fbRoxvaAcGwsqwsvc_6lvpFDHkEGuAWEC__23Q5c47k65Tucev6NvekqOrSDU03drH2DaW0WkgvGKSV1e/s1600/REPRESENTACI%C3%93N.+El+dise%C3%B1o+de+los+envases+est%C3%A1+inspirado+en+los+c%C3%B3digos+y+colores+presentes+en+la+obra+de+Andy+Warhol+Foto+CORTES%C3%8DA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Andy Warhol en blanco y negro" border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh84QlVbBGZ9YWLT9pYGzejsASCeM50hdnZMgIKTD2QHCRa5olwcVpieyoR8E-fbRoxvaAcGwsqwsvc_6lvpFDHkEGuAWEC__23Q5c47k65Tucev6NvekqOrSDU03drH2DaW0WkgvGKSV1e/s1600/REPRESENTACI%C3%93N.+El+dise%C3%B1o+de+los+envases+est%C3%A1+inspirado+en+los+c%C3%B3digos+y+colores+presentes+en+la+obra+de+Andy+Warhol+Foto+CORTES%C3%8DA.jpg" title="Andy Warhol" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Andy Warhol</td></tr>
</tbody></table>
Podríamos explicar el Pop Art a través de este lienzo y de la figura de su autor, Andy Warhol. En su arte, parte del conocimiento de que los objetos y los hechos adquieren su importancia dependiendo de cómo se manifiestan, cómo son presentados y transmitidos. Esta idea la podríamos resumir en lo siguiente:<b> el medio es el mensaje. </b>Es la misma lata de tomate la que vemos en el lienzo que la que veríamos en la estantería del supermercado, pero la primera se nos presenta en un contexto artístico, por lo que el simple hecho de que se halle en un museo nos obliga a verla con otros ojos, no con los mismos con los que la veríamos si estuviera en la estantería, o fuera un cartel publicitario del mismo supermercado. Así pues, el medio que soporta al objeto (el lienzo, el museo, la firma...) hace que rápidamente lo califiquemos como "arte". De esta manera, Warhol nos obliga a detenernos ante su obra y a contemplarla como jamás hicimos en el supermercado.<br />
<div>
<br /></div>
<div>
¿Es <b>convertir lo trivial en arte</b> la idea de la obra de Warhol? En cierta medida sí, pero con la consecuencia natural de la <b>trivialización y vulgarización del propio arte</b>. No sabemos por tanto qué idea es más poderosa en el autor. Con esta lata de tomate convierte lo inferior en superior (presenta un producto de consumo como una obra elitista) pero, a la vez, rebaja el elitismo del arte y lo acerca a la cultura de masas.</div>
<div>
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgvgwPBnom1J85X68H5m1hLqfAIAw8yey-7SSHK5_xDrlfmQNS5DtTtog7hgXTrsSndSglzIJ5EurMVa_R3mqR8XC3OCt8J6fURfgSHlp1Vg8AUHdZHLlp3fqyfG8wmI_136qSEEhN0W7n/s1600/marilyn+monroe+warhol.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="Marilyn Monroe de Warhol" border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgvgwPBnom1J85X68H5m1hLqfAIAw8yey-7SSHK5_xDrlfmQNS5DtTtog7hgXTrsSndSglzIJ5EurMVa_R3mqR8XC3OCt8J6fURfgSHlp1Vg8AUHdZHLlp3fqyfG8wmI_136qSEEhN0W7n/s400/marilyn+monroe+warhol.jpg" title="Marilyn Monroe" width="397" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Andy Warhol</i>, Marilyn Monroe, 1964</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6QVZlRo04G-RjNdQOx5xVuK3T5YUj1HLEH7fu5KFwXY9uQArZKXtJEvytOAmZ1Bdz5H_6u8W7JrsO-YzUHCQo_GSLHvB0-WviPoIvdqOzv0tYLyoSMb7OIUrSDOjScd9N_9dWxj1IXRmP/s1600/Andy+Warhol+-+14+Silla+el%25C3%25A9ctrica.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="292" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6QVZlRo04G-RjNdQOx5xVuK3T5YUj1HLEH7fu5KFwXY9uQArZKXtJEvytOAmZ1Bdz5H_6u8W7JrsO-YzUHCQo_GSLHvB0-WviPoIvdqOzv0tYLyoSMb7OIUrSDOjScd9N_9dWxj1IXRmP/s400/Andy+Warhol+-+14+Silla+el%25C3%25A9ctrica.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Andy Warhol</i>, Electric Chair, 1963</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: left;">
Al igual que plasmaba en el lienzo los productos de consumo, también lo hacía con los personajes mediáticos como las estrellas de Hollywood o los políticos, siguiendo la premisa anterior. A la vez, la "escoria" del mundo criminal, los asesinatos y la muerte del individuo como síntomas de la sociedad de masas, adquieren cada vez más importancia en la obra de Warhol a lo largo de los años sesenta. Sus cuadros evidencian que la tragedia, si es tratada por los medios de comunicación ávidos de sensacionalismo, puede conseguir que <b>cualquier persona "sea famosa durante 15 minutos una vez en la vida"</b>, pero también que su destino sea olvidado inmediatamente.</div>
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
<b>"Uno no creería cuánta gente cuelga un cuadro de la silla eléctrica en la habitación, sobre todo si el color del cuadro combina con el de las cortinas"</b>. Andy Warhol.</div>
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgruh4x6IhjFEZL01nuRgqymcrfFcmrdgGwhjoB3lKjg6KWR1RVzRLqKyN3D9Ayim6LLr85vzzmFSdRrNx7aEjF4ycWpRVK6W913dD5N-Tq-vyClUCghrGpD_wTC1dYqYQVHaUQje7qD6nk/s1600/MOMA+-+Color+Chart+-++Andy+Warhol+-+Do+It+Yourself+%28Flowers%29,+1962.JPG.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgruh4x6IhjFEZL01nuRgqymcrfFcmrdgGwhjoB3lKjg6KWR1RVzRLqKyN3D9Ayim6LLr85vzzmFSdRrNx7aEjF4ycWpRVK6W913dD5N-Tq-vyClUCghrGpD_wTC1dYqYQVHaUQje7qD6nk/s1600/MOMA+-+Color+Chart+-++Andy+Warhol+-+Do+It+Yourself+%28Flowers%29,+1962.JPG.jpeg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Andy Warhol,</i> Do-It-Yourself (Flowers), 1962</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: left;">
Otro de los conceptos que manejaba Warhol era el de la <b>reproducción mecánica como la represión de la creatividad. </b>No lo pudo plasmar de mejor y más original manera en este lienzo. Con obras como ésta, el arte se encuentra tan cercano al espectador que él mismo puede participar hasta el punto de convertirse en el propio artista. Sin embargo, la obra que resulta, sería similar a la de cualquier persona que se disponga a realizarla siguiendo las directrices que Warhol marcó en este lienzo. Al final, como en toda la obra de Andy Warhol, acabaríamos contemplando la elitización de un producto que fácilmente podría fabricarse en serie, ahuyentando así la creatividad.<br />
<br />
Sin embargo, la creatividad en este artista alcanza su máxima expresión en la manera de trasladar al arte lo que en esa época comenzaba a despegar vertiginosamente: el consumismo, la sociedad mediática y la cultura de masas.</div>
<div>
<br /></div>
Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-16925498461847776132013-03-07T18:51:00.001+01:002013-03-07T19:25:06.250+01:00Ella, la mujer fatal, la diosa fría: Tamara de Lempicka<br />
<div class="MsoNormal">
<b><i>“Al comienzo de mi carrera miraba a mi alrededor y no veía
en la pintura más que la destrucción total. Sentía repulsión por la banalidad
que impregnaba el arte… Todo me sublevaba; yo buscaba un oficio que ya había
dejado de existir. Trabajaba con rapidez y ligereza de pincel. Me preocupaba por
la técnica, por el saber artesanal, por la sencillez y el buen gusto. Mi meta:
no copies jamás. Crea un estilo nuevo, colores claros y luminosos, y trata de
descubrir la elegancia de tus modelos.” </i>Tamara de Lempicka.</b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><br /></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img alt="Autorretrato en el Bugatti Verde" height="400" src="http://www.painting-palace.com/files/358/35720_Auto-Portrait_f.jpg" width="324" /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
Autorretrato (Tamara en Bugatti verde), 1929</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://www.conchamayordomo.com/sites/default/files/recursos/paginas/tamara-lempicka1.jpg" /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<i>Tamara de Lempicka en los años treinta</i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
No suele ser el primero, ni el segundo ni el tercer nombre que a uno se le viene a la mente cuando le preguntan por una mujer pintora. Una pena. Pero tampoco me atrevo a catalogarla como "la gran desconocida", en reconocimiento a aquellos que tuvieron la curiosidad de acercarse a su obra. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
Entonces, ¿quién es ella? ¿Por qué no la tenemos presente al hablar de arte contemporáneo? En realidad, parte de la culpa de este hecho proviene de la misma pintora, quien se ocupó de realizar una criba con su propia vida. Así, al público llegaban informaciones tan difusas que acababan siendo descartadas, olvidándose de la artista. Surge como de la nada en 1923 en París, a la edad de dieciséis años. Sin embargo, sus datos bibliográficos sitúan su nacimiento ocho años antes de la fecha que este cálculo le impondría. Además, según este mismo cálculo, tuvo que casarse a los diez años, lo cual resultaría demasiado extravagante.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/5/50/Tamara_de_Lempicka.jpg" /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<i>Tamara de Lempicka en 1929</i></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
Oficialmente, Tamara nació en Varsovia en 1898, en el seno de una familia adinerada. Su espíritu rebelde ya apuntaba maneras a los doce años, cuando su madre encarga un retrato de la niña a una famosa pintora. Tamara no soportaba esas sesiones de pose y, además, al ver el resultado final, se llevó tal decepción que obligó a su hermana a posar para ella con el fin de retratarla, comparando su trabajo con el de la famosa pintora y quedando mucho más satisfecha con el suyo propio. Y así, poco a poco, fue construyéndose una personalidad cargada de carácter y fortaleza que la llevó a convertirse en la <i>femme fatal</i> del periodo de entreguerras, con una actitud arrolladora que embaucaba tanto a hombres como a mujeres.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
</div>
<div class="MsoNormal">
Franco Maria Ricci, el editor, contaba este detalle de un encuentro con la artista: “Un día, en su apartamento del Grand
Hôtel, Tamara cruzó distraídamente las piernas y yo entreví, como en una
película, los fantasmas involuntarios de una seducción al estilo de los años
treinta”. Se ganó el sobrenombre de "la bella polaca" y de "la diosa de ojos de acero", como la caracterizaba el New York Times. Su poder de seducción le otorgaba un aura de sensualidad que no solo reposaba en su persona, sino también en sus cuadros, cargados de erotismo.</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img alt="&#8220;Grupo de cuatro desnudos femeninos&#8221;. 1925, Tamara de Lempicka." src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lh6xbwBpeq1qan5zko1_400.jpg" /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<i>Grupo de cuatro desnudos femeninos, 1925</i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjodEKUK7fNB6DEIAyAJ4XOUdS0_NC6JBwn2V0SKSWwY9UyuLoCflMqgv0e_GXifgNr5Cj77EQbtDcnW1gffY25ayEMnloKrVB_LKW-I-eL3Hu_K2y2camota7FiYJD3E3Y26zHLniKupbD/s1600/adan-y-eva-1931_Tamara+de+Lempicka.jpg" /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<i>Adán y Eva, 1931</i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img alt="Primavera" src="http://www.painting-palace.com/files/358/35758_Spring_f.jpg" /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<i>Primavera, 1930</i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
Su intención siempre había sido crear su nicho artístico entre la alta sociedad, y que ese nicho estuviese rodeado del lujo y la opulencia. En una época protagonizada por la difícil situación política en Rusia, en la que se sucedían arrestos y persecuciones (su propio marido fue hecho prisionero tras la revolución de octubre), Tamara solo se preocupaba de llevar un tren de vida lujoso. Llegó a anunciar por aquel entonces que su meta era comprarse un brazalete cada dos cuadros vendidos, y no cesar nunca en la acción hasta estar cubierta de joyas y diamantes desde la
muñeca hasta el hombro. Tenía hambre de éxito, y eso era lo que demostraba allá donde pisara. De su posterior vida en París, en la que no dejaba de frecuentar clubes nocturnos de la alta sociedad, diría: "Los días eran demasiado cortos. A veces salía por la noche, no volvía a a casa antes de las dos, y me ponía a pintar a la luz de una lámpara
azul hasta las seis de la mañana”.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
Y en el contexto de vanguardias y de la bohemia parisina del periodo de entreguerras, ¿dónde podemos ubicar el estilo de la obra de Lempicka? No es una pregunta de respuesta fácil. A la historia ha pasado como una autora enmarcada en el <i>art decó</i>, pero lo cierto es que su estilo es una mezcla sutil de poscubismo y neoclasicismo con un
toque de Ingres. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img alt="Mujeres bañándose" height="368" src="http://www.painting-palace.com/files/358/35770_Women_Bathing_f.jpg" width="400" /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<i>Mujeres bañándose, 1929</i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img height="400" src="http://www.epdlp.com/fotos/ingres6.jpg" width="398" /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<i>Baño turco, 1862 (Ingres)</i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMp5ptemidFQD6cpeawXfZNzrhOOIAmfkFRE7QVNwyoeCXVvLtJyzGE3te68_jaVEYc-bbccPwaZ26haJAh7FHV_P268OC48kyBjK19T7DrtEL1U5OdPmSLoNvDwnoxHg38lUxiHl_9g/s640/lempicka_andromeda.jpg" width="416" /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<i>Andrómeda, 1929</i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://images.reproarte.com/files/images/S/seurat_georges_pierre/0122-0016_angelica_gekettet_an_den_felsennach_ingres.jpg" /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
Roger y Angélique (detalle), 1819 (Ingres).<i> En ambas comparaciones vemos cómo Lempicka se inspira en las contorsiones de los cuerpos de la obra de Ingres y en la suavidad de sus formas.</i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
</div>
<div class="MsoNormal">
“Sus cuadros,
surgidos del conglomerado cultural de las clases poseedoras en los años veinte
y treinta […] habían proporcionado, ya antes del despuntar del fascismo, a los
notables y patricios de su tiempo –que en su mayoría residían en la llanura del
Po- la posibilidad de rodearse de un neoclasicismo extremo que, al mismo
tiempo, era también postcubismo a la André Lhote” afirmaba Ricci. La obra de Lempicka se sitúa en un momento histórico en el que surgen una marea de vanguardias altamente repudiadas por los totalitarismos imperantes de la época, ya que se oponían al arte reivindicado por los mismos, un arte que establecía la vuelta a lo clásico, fomentando la aparición de los "neos". Sin embargo, el estilo de Tamara de Lempicka no participa en ninguno de estos dos bandos, a pesar de que se le haya mirado a lo largo de la historia como un neoclasicismo extraño. Lo único que Tamara quiere reivindicar en su obra es a ella misma.<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<img height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikde5DZalAyftzsptXFr-nNrgXjC8v_YiJ1nlRRYXPYcWErtP2lpos4NhT6tgB72MKGf-vq-aqPlx6zz2yiumSPJCHs1ZNwHhhw30Q9ATbgB-hdznyeeYkrugojVkQmKVZqc41pR9XbKk/s400/TDL38.jpg" width="300" /></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Joven con guantes, 1930</i></div>
</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
</div>
<div class="MsoNormal">
<b>“Yo fui la primera mujer en pintar con claridad y limpieza;
esa es la clave de mi éxito. Entre cientos de cuadros de distintos autores, el
mío se reconoce de inmediato. Y las galerías comenzaron a exponer mis obras en
los mejores salones, siempre en el centro, porque mi pintura atraía. Era clara,
<i>acabada</i>” Tamara de Lempicka.</b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
Y, efectivamente, tenía razón. En muchas exposiciones entraban personas adineradas con la intención de adquirir un Matisse y salían con un Lempicka bajo el brazo. Son cuadros que atrapan, que poseen una combinación tan drástica de claroscuro que hace que el espectador pretenda detener su mirada en cada pliegue de las ropas y en los ojos vidriosos e hipnóticos de todas estas mujeres. Son obras vivas, vibrantes e impactantes, que pueden pertenecer a una época determinada, pero no a ningún movimiento que no sea el de la propia personalidad de Tamara de Lempicka.<br />
<br />
Esta ha sido una presentación de la autora, y una vista general del contexto de su estilo. Pero, para saber el porqué del mismo, es necesario hacer una conexión con los momentos de su vida, a los que volveremos más adelante. Al igual que la intensidad de la obra de Frida Kalho solo podía percibirse a través de su biografía, los cuadros de Lempicka se ven en su totalidad cuando se conoce profundamente a esta peculiar mujer. La obra ha quedado tan impregnada de ese espíritu rebelde y ese erotismo, que hoy, el director de arte de la serie Californication no encuentra mejor motivo para decorar la casa donde vive un famoso escritor, víctima del poder de atracción de numerosas <i>femmes fatales</i>, y su esposa. En estos detalles aún vive Tamara.<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left;">
</div>
<div class="MsoNormal">
<i>No hay milagros. Solo hay lo que cada uno hace. </i>Tamara de Lempicka.</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
Dedicada a Aitor, por saber conocerme y apreciar esos detalles y esas sonrisas mías de felicidad.</div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-71516985078761014202013-02-19T16:18:00.001+01:002013-02-19T16:28:07.636+01:00Etapa cubista de Picasso <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<div style="text-align: center;">
<img height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHeVtSixlhxvcsSDmjlxrQnqdJ67mB0pzWhyphenhyphenpzI2plRlOErSSk-Y-MuKYMgVglD1hJ5BVFYeb_4_GQe2vGryNW8J46D-YQk_AtZD05FnpUGossrA6On8W0hOM6Cj48hiB7bi6Bfo9xdexi/s400/las-senoritas-de-avignon.jpg" width="360" /></div>
</div>
<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<div style="text-align: center;">
<i> Las Señoritas de Avignon (1907)</i></div>
</div>
<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<br /></div>
<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: left;">
Y llegamos al culmen de la obra de Pablo Picasso. El cubismo fue una consecuencia natural del afán del artista de ir limitando y reduciendo las figuras hasta lograr articularlas según unos pocos bloques. Y tras una serie de estudios previos, 809 exactamente, se embarcó durante más de nueve meses en la realización una de las obras más significativas de la historia del arte: Las Señoritas de Avignon. No se ha conocido ningún otro cuadro que haya sido preparado por su autor con tanta dedicación como lo fue éste.<br />
<br />
Esta obra marcó un punto de inflexión en la historia de la
pintura, puesto que rompe con la concepción del espacio y las formas que desde
el Renacimiento se había establecido como modelo. El lienzo, cuyo título
suscita la confusión con la ciudad francesa, reproduce el interior de un burdel
situado en la Carrer d´Avinyó, en Barcelona. Vemos a cinco prostitutas, que se
muestran insinuantes al posible cliente. Lo que más nos llama la atención es
que la representación de cada una de ellas se realiza desde varios puntos de
vista simultáneamente. Además, no se trata de mujeres de rostro afable, sino
todo lo contrario: son mujeres terribles. Esta deformidad se puede apreciar
claramente en la figura de la izquierda y en las dos de la derecha. En una
lectura más profunda podemos adivinar en estos rostros las influencias del arte
de las civilizaciones clásicas, como Egipto o la Grecia arcaica, así como de la
cultura africana, sobre todo ésta última en las dos mujeres de la derecha, que
parecen llevar máscaras africanas en las que se dibuja sus caras de frente y
perfil.<br />
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
<o:p></o:p></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
<br /></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
El punto álgido de la obra en cuanto a representación se refiere,
se encuentra en la figura agachada de la derecha, donde Picasso realiza un
majestuoso alarde de cubismo. Aquí vemos a una mujer de espaldas, pero cuya
cara se nos muestra de frente, mirándonos con unos ojos asimétricos que
atemorizan, y que configuran las dos partes de un rostro en el que podemos
distinguir el propio perfil.</div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
<o:p></o:p></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
<br /></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
Todo se reduce a formas geométricas. Las cinco mujeres se hallan
en un espacio plano, sin profundidad, de fondo azul interrumpido por una
cortina roja a la derecha. Parece que avanzan hacia el espectador, exhibiendo
sus cuerpos y mostrándose con naturalidad. Compositivamente, la obra podría
dividirse en tres partes: por un lado, la figura de la derecha que camina hacia
el final del cuadro, situada justo en la terminación de la cortina; por otro,
las dos centrales sobre el fondo grisáceo, que comparten una postura similar; y
por último, las dos de la derecha, más radicales que el resto, constituyendo
así una separación brusca con respecto a sus compañeras.<o:p></o:p></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
<br /></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
En el centro del lienzo apreciamos una naturaleza muerta sobre una
mesa, de la que se nos muestra una esquina ascendente. Podría ser este un
intento de otorgarle cierta sensación de profundidad a la obra. Al menos,
dirige la mirada del espectador hacia arriba, para dar con la figura más
esbelta de las cinco. <o:p></o:p></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
<br /></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
La monocromía de la obra resulta incluso agresiva en sus ligeras
variaciones, sirviendo para distinguir todas las partes de un todo. A esta
distinción también contribuyen líneas, gruesas y finas, así como sombras que
alcanzan su protagonismo en la parte derecha del lienzo.<o:p></o:p></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
<br /></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
Picasso, con esta obra con la que abre el cubismo, pone en tela de
juicio el carácter imitativo de la pintura, reivindicando una suerte de
autonomía en el arte, una capacidad para independizarse de su modelo. ¿Por qué ha de considerarse más perfecta o más bella la obra que mejor imite la realidad? ¿Por qué dejamos que sea la realidad la que nos imponga los límites en la representación? Picasso se acerca al lienzo con gran libertad, creando, no imitando, respondiendo al canon que, de manera coherente, ha creado su imaginación. Llegados a este punto cabe reflexionar sobre el amplio campo al que se aplica la palabra "arte". ¿Qué es más artístico, un cuadro cubista abstracto de Picasso o cualquiera del realismo barroco? ¿Qué tiene más mérito? El etiquetado que realizan los críticos de arte contemporáneo no es sino un compendio de sus propias miradas individuales en proceso de intelectualización elitista. Intentan justificar la pertenencia de la obra a la alta cultura, luchando contra la tendencia natural del espectador medio a dejarse llevar por el virtuosismo técnico. Sin embargo, nosotros, los espectadores medios, convivimos hoy en día rodeados de tanto arte contemporáneo que, sin querer, nos hemos sentido atraídos por el simple placer contemplativo, ausente de significados, muchas veces impuestos a posteriori por expertos con la intención de colocar la obra en un nivel superior, incluso inaccesible para el resto.</div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
<br /></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
Siguiendo la línea de su vida, en el verano de 1908 se muda con Fernande a la Rue des Bois, en la zona norte de París. Un año más tarde comienza su etapa de "cubismo analítico", inaugurada por Panes y frutero con frutas encima de una mesa. En esta evolución del cubismo vemos cómo se abandona la perspectiva central y las formas se fragmentan en numerosos planos. Picasso se encuentra en la que será la etapa más productiva de su carrera. Por primera vez, expone en Alemania.</div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm;">
<br /></div>
</div>
<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: left;">
<div style="text-align: center;">
<img src="http://www.galanart.com.au/images/70391.jpg" /></div>
<div style="text-align: center;">
Panes y frutero con frutas encima de una mesa (1909)<i>. Lo interesante de esta obra no es la transformación de las formas en cubismo, sino su total metamorfosis: el motivo en el que se inspira no son los objetos que vemos sobre esta mesa, sino una sociedad carnavalesca en un bar.</i></div>
<div style="text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<div style="text-align: center;">
<img height="400" src="http://www.artchive.com/artchive/p/picasso/resrvoir.jpg" width="327" /></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Le réservoir (Horta de Ebro), 1909</i></div>
<div style="text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<div style="text-align: center;">
<img height="400" src="http://peristilo.files.wordpress.com/2009/07/31-mujer-con-peras-fernande-1909.jpeg?w=497" width="315" /></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Mujer con peras (Fernande), 1909</i></div>
<div style="text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<div style="text-align: left;">
El ejemplo más sobresaliente de este cubismo analítico se encuentra en el retrato que Picasso realizó del comerciante de arte Vollard. En la obra se aprecia una descomposición de la figura en fragmentos que lo analizan. Cada fragmento se une con los de alrededor en una relación armoniosa que no impide que se de deje de prestar atención a cada parte para poder ver el todo. A ello se le suma la combinación de claroscuro tan impactante que destila la obra, y que parece reflejar la propia alma del retratado.</div>
<div style="text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<div style="text-align: center;">
<img height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkiokeGodCTdN7UTXQIK1R6tPtQn7hyphenhyphenCkfWTB1Uu5Dqb65coYrtyuIxb7srrhXNtYD-7tOldGu0QXp-Kt3rwzWV5qJvDu2e5USRNhVYb7c1iOmEuBXxbvv3yYJrP8ov6Vo978eiYmFAQo/s400/vollard.jpg" width="274" /></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Retrato de Ambrosie Vollard (1910)</i></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
En 1911 tiene su primera exposición en Nueva York, y en verano se instala con Fernande en Ceret. Su relación no estaba pasando por el mejor momento, y, además, Picasso acababa de conocer a Eva Goudel, a la que cariñosamente llama "Ma Jolie". Dos años más tarde, con Eva a su lado y su padre fallecido, Picasso crea una serie de obras maestras, realizadas de manera sencilla pero genial, en las que usaba elementos como periódicos y partituras, mostrando así su debilidad por el collage.</div>
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<img height="400" src="http://de.wahooart.com/A55A04/w.nsf/OPRA/BRUE-8EWNSC/$File/PABLO-PICASSO-VIOL%C3%8DN-COLGADO-EN-LA-PARED.JPG" width="276" /> </div>
<div style="text-align: center;">
<i>Violín colgado en la pared (1912)</i></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<img height="400" src="http://ja.wahooart.com/A55A04/w.nsf/OPRA/BRUE-8EWNSE/$File/PABLO-PICASSO-VIOL%C3%8DN-Y-PARTITURA.JPG" width="313" /></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Violín y partitura (1912)</i></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<img height="400" src="http://www.dailyartfixx.com/wp-content/uploads/2010/10/Viol%C3%ADn-en-el-caf%C3%A9-Viol%C3%ADn-copa-botella-Pablo-Picasso-1913.jpg" style="text-align: left;" width="268" /> </div>
<div style="text-align: center;">
<i>Violín en el café (1913)</i></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<img height="400" src="http://accessibleartny.com/wp-content/uploads/2011/02/image003.jpg" width="300" /></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Violín (1913/1914)</i></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
Picasso abandona progresivamente el cubismo analítico para internarse en el "cubismo sintético", donde la obra de arte camina hacia la escultura, ya que se trata de componer (proceso contrario al cubismo analítico), y esto lo hace con distintos materiales que le otorgan un aspecto tridimensional. Dio con una nueva forma de arte: la "assemblage", una traslación del collage. Ya en 1912 preludia esta etapa con su Naturaleza muerta con trenzado de silla, para acabar en el objeto que resume la esencia del cubismo sintético: una construcción de chapa, de aproximadamente un metro de altura, titulada Violín.</div>
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<img height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisqCNq9gtQKjtb1ASxvjpRylQTynGnly7fza8X6DLqc7hnrI3lWn5dPe-OhJj5QYgj2ICqPiBsQZKx4lKrzqEcnPjnr91fPSrczmLDGBqIAa1GRO0IQApOYHBQqyR2p3Vmf_0s1B1oMLpf/s400/Naturaleza-muerta-con-trenzado-de-silla-1912.jpg" width="400" /></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Naturaleza muerta con trenzado de silla (1912)</i></div>
<div style="text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<div style="text-align: center;">
<img height="400" src="http://img182.imageshack.us/img182/625/violnpars1915chaparecorri8.jpg" width="315" /></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Violín (1915)</i></div>
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
El cubismo había llegado con objetos como este a su etapa final, y Picasso dejó así una huella en el arte moderno eternamente rescatada por artistas posteriores de todas las tendencias. Con esta aportación, Pablo Ruiz Picasso se convirtió en el héroe del arte del siglo XX.</div>
</div>
<br />Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-53329115622527098802012-03-30T00:21:00.001+02:002012-03-30T00:25:18.268+02:00¿Qué hace Frida en "Gringolandia"?Como ya dije en la antigua entrada sobre el terrible accidente de Frida (<a href="http://pincultura.blogspot.com/2011/02/la-desdichada-kahlo.html">http://pincultura.blogspot.com/2011/02/la-desdichada-kahlo.html</a>), cuyas consecuencias arrastró el resto de su vida, las sustanciosas experiencias vividas por esta autora son capaces de inspirar varios blogs dedicados exclusivamente a ella. Hoy, me centraré en su desgraciado matrimonio con Diego Rivera.<br />
<br />
<div style="text-align: center;"><img height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTQQElVUZLWWYm2NjbAeshImsw4qcanWzyKaJ3BtrkHVKjjVBUJuZbn7-Je9CFgwmqTfBXYOxLniM5ACRXGCOW-LRC-VQwNigKgS4nVZG6Jny19SyvRivhOrCbdEhtS7h_rH5FAT4tnRU/s400/frida+y+diego+1.jpg" width="310" /> </div><div style="text-align: center;">Frida Kalho y Diego Rivera, 1928.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Frida ya había estado observando y admirando a Diego Rivera a partir de 1922, antes de que ella fuera víctima del grave accidente de tráfico; pero cuando verdaderamente comienzan a relacionarse es en 1928, fecha en la que Frida se afilia al Partido Comunista de México. Por aquel entonces, Diego estaba terminando su mural "Balada de la revolución", e incluyó a Frida como protagonista en uno de sus paneles.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img src="http://www.fte-energia.org/E87/1401.jpg" /> </div><div style="text-align: center;"><i>Diego Rivera. Balada de la revolución (detalle), 1923-28. Panel "Frida Kalho reparte las armas".</i><br />
<i><br />
</i><br />
<div style="text-align: center;"><img height="400" src="http://uploads5.wikipaintings.org/images/magdalena-carmen-frieda-kahlo-y-calder%C3%B3n-de-rivera/self-portrait-time-flies-1929.jpg" width="309" /> </div><div style="text-align: center;"><i>Autorretrato "El tiempo vuela", 1929. Un año más tarde de este segundo reencuentro con Diego, Frida se autorretrata de esta manera, acompañando su figura con un avión que se divisa a través de la ventada, y un reloj despertador a la derecha, simulando en conjunto la fugacidad del tiempo.</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: left;">La pareja se casó el 21 de agosto de 1929, ella con 22 años, y él con 43. Desde que Frida comenzó a compartir su tiempo con su marido, dejó de vestirse como lo hacía de manera frecuente hasta entonces: con traje de hombre. "En otra época me vestía de muchacho, con el pelo al rape, pantalones, botas y una chamarra de cuero, pero cuando iba a ver a Diego me ponía mi traje de tehuana", dijo Frida. El traje al que se refería es al que hemos visto en la primera fotografía de la pareja. La región de México de la que era típico se caracterizaba por el dominio de la mujer, y quizá fue eso lo que hizo que la pintora se decantase por aquel atuendo, al igual que muchas intelectuales mexicanas de los años veinte y treinta. Como vemos, el estilo de Frida queda patente en todos los ámbitos de su vida, entre ellos la pintura, la ropa y la vida marital; y es que todo gira en torno a un mismo punto ideológico que comparte con Diego: el mexicanicismo.</div><i><br />
</i></div><div style="text-align: center;"><img src="http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/fotos/rivera1.jpg" /> </div><div style="text-align: center;"><i>Frida Kalho y Diego Rivera</i><br />
<i><br />
</i><br />
<img height="400" src="http://www.proa.org/exhibiciones/pasadas/rivera/salas/rivera_fotos_4.jpg" width="273" /><br />
<i>Frida Kalho con Diego Rivera en una manifestación del Socorro Rojo, 1931</i><br />
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</i><br />
<div style="text-align: left;">Resulta extraño, e incluso cómico, que la ex-mujer de Diego, Lupe Marín, protegiera a Frida y la enseñara a cocinar los platos favoritos de su marido. En agradecimiento, Frida le pintó un retrato.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img src="http://t3.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTbdKzrqp6loGDs7iK26qxXOMTmwau25l8Q7fvZ1_X9y3oyKAbSqpjjzUy1RQ" /> </div><div style="text-align: center;"><i>Retrato de Lupe Marín, 1929</i></div><i><br />
</i><br />
<div style="text-align: left;">En noviembre de 1930, Diego recibió el encargo de pintar un par de murales en San Francisco, lo que supuso el traslado de la pareja a Estados Unidos por cuatro años. Durante su estancia en esta ciudad (hasta junio de 1931), Frida pintó varios retratos de sus amigos y conocidos, uno de los cuales es Retrato de Eva Frederick. Como curiosidad, en la película <i>Frida,</i> de 2002, para patentar la bisexualidad de Frida, la protagonista se acuesta con una cantante de raza negra, tal vez inspirada en esta obra. No obstante, durante estos primeros años de matrimonio, Frida se mantuvo fiel, y no fue hasta el regreso a México cuando empezó a mantener relaciones sexuales tanto con hombres como con mujeres.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="400" src="http://uploads6.wikipaintings.org/images/magdalena-carmen-frieda-kahlo-y-calder%C3%B3n-de-rivera/portrait-of-eva-frederick-1931.jpg" width="278" /> </div><div style="text-align: center;"><i>Retrato de Eva Frederick, 1931</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: left;">Ya en 1930, la pintora se quedó embarazada. Sin embargo, tuvo que abortar por razones médicas, ya que su pelvis y su columna quedaron destrozadas tras el accidente. En 1932, en Detroit, se volvió a quedar embarazada, y esta vez se dejó aconsejar por el doctor Leo Eloesser, con quien había establecido muy buena amistad desde el comienzo de su estancia en Estados Unidos. Su consejo fue ponerse en las manos de un médico del hospital Henry Ford, quien le dijo que podía continuar con el embarazo y tener al bebé mediante una cesárea. Frida se entusiasmó con la idea, pero pronto volvió a abortar. El duro golpe que esto le supuso lo plasmó en un lienzo que lleva por título Henry Ford Hospital o La cama volando.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="317" src="http://visioncaleidoscopica.files.wordpress.com/2010/10/frida-henry-ford-hospital.jpg" width="400" /> </div><div style="text-align: center;"><span style="text-align: left;"><i>Henry Ford Hospital o La cama volando, 1932. </i></span><br />
<span style="text-align: left;"><i><br />
</i></span><br />
<div style="text-align: left;">La soledad que transmite el cuadro queda patente en las grandes dimensiones de la cama con respecto a Frida; una cama que sobrevuela un desolado paisaje industrial con el que la pintora no se siente identificada en absoluto, sino que lo utiliza para representar la frialdad de aquella sociedad estadounidense. Su mano izquierda sujeta tres cuerdas en cuyos extremos se anudan objetos cargados de simbología, así como el feto que acaba de perder, el pequeño "Dieguito". El caracol es una metáfora de la lentitud del aborto, y la maqueta médica de arriba a la izquierda y la estructura ósea de abajo a la derecha están relacionadas con su columna y pelvis rotas, que le impiden quedarse de nuevo embarazada. La orquídea violeta simboliza para Frida la sexualidad y el sentimiendo. Además, fue la flor que le llevó Diego al hospital. Por último, la pieza de máquina al pie de la cama se trata de una pieza que se utilizaba como tapa de cierre para depósitos de gas. Frida quiso pintarla haciendo una comparación con su incapacidad para mantener al bebé dentro de su cuerpo.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Este cuadro cargado de sufrimiento le sirvió como inspiración para la representación de su propio nacimiento:</div></div><div style="text-align: center;"><span style="text-align: left;"><br />
</span></div><div style="text-align: center;"><img height="346" src="http://kolumnaokupa.lamula.pe/files/2011/12/my-birth-1932.jpg" width="400" /> <br />
<i>Mi nacimiento, 1932. A la dantesca escena se le suma un detalle: el rostro de la madre cubierto por una sábana debido a su muerte durante la realización del cuadro.</i><br />
<i><br />
</i><br />
<div style="text-align: left;">Ese mismo año, Frida se quiso reflejar entre dos mundos muy diferentes, surgiendo de esta idea Autorretrato en la frontera entre México y Estados Unidos. La propia figura de Frida divide la escena en dos partes desiguales, pues es mayor la representación de México. Ataviada con un elegante vestido rosa, sostiene en una de sus manos la bandera mexicana, y en la otra un cigarrillo. Vemos la clara oposición entre estos dos países en todos sus elementos. En primer lugar, en el cielo mexicano se hallan las fuerzas naturales, y en el estadounidense, humo de la fábrica Ford, la bandera del país y rascacielos. Si descendemos la mirada, observamos a la derecha un mundo frío, dominado por las máquinas y la tecnología, frente al mundo de la izquierda, cargado de historia y arraigado a la tierra. Por último, en la parte baja del cuadro se encuentran, literalmente, las raíces de ambos mundos: por un lado, raíces industriales, representadas mediante cables, y por otro, raíces naturales, materializadas en plantas.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Sin embargo, si prestamos más atención, hay un detalle en el suelo que une estos dos mundos: el generador estadounidense obtiene su energía a través de unos cables que están conectados a una planta mexicana, y esta energía alimenta el zócalo en el que se yergue Frida.</div><i><br />
</i></div><div style="text-align: center;"><img height="345" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMFyi5sYJHhiSosBh6HqDeU1D_ueTgNJsBehWDl5mwg-GxkFDWm1C33RYkigtTnuGWnNVaIYxoCsh2GXwGVXzb_qLfRNZ8lOYYnrbcSAfqHRPj64JLEkL5oUEcJlVMekYsant3KMgR82VT/s400/2.jpg" width="400" /> <br />
<i>Autorretrato en la frontera entre México y Estados Unidos, 1932.</i><br />
<i><br />
</i><br />
<div style="text-align: left;">La pareja comenzó a discutir a partir de entonces sobre el regreso a México. Frida quería volver a su tierra natal, y sin embargo Diego prefería quedarse en Estados Unidos durante un tiempo más prolongado. Como reacción a una de estas discusiones, Frida pintó Allá cuelga mi vestido, un retrato de la sociedad capitalista repleto de ironía que muestra, a la vez, la decadencia de los valores humanos.</div></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhk9_9_rTeiPRmCduv8vUlsypDhAyb_PDTYd0O_PuWaWOIxkywBL5QOgITMaqBAGfWp7pUj4pFm2sqOzS2jLLOUafBzn2pgrY6yLY5FaS2KEEXxlMR8WZt2PGS3pu0KGO_8yilet4nqvKmn/s400/escanear0003.jpg" width="400" /> </div><div style="text-align: center;">Allá cuelga mi vestido, 1933.<br />
<br />
<div style="text-align: left;">No obstante, dicho lienzo lo tuvo que acabar en México, pues a finales de ese mismo año Diego Rivera fue eximido de su contrato. Así, mandaron construir una llamativa casa a las afueras de Ciudad de México, estructurada en dos compartimentos que se unen mediante un pasillo exterior: en la parte rosa vivía Diego y en la azul, más pequeña, Frida. </div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;"><div style="text-align: center;"><img height="300" src="http://carolina17.files.wordpress.com/2008/04/casa_de_frida_y_diego.jpg" width="400" /> </div></div><div style="text-align: center;"><i>Casa de Diego y Frida. San Ángel, México.</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: left;">Poco después de su llegada, se vio obligada a interrumpir de nuevo otro embarazo. Esto y otros problemas médicos fueron la causa de su escasa producción pictórica durante estos años. Destaca un lienzo en el que muestra su visión de un reportaje periodístico. En dicho reportaje, se narraba la historia de un marido que había asesinado a su mujer en un ataque de celos y que se había defendido ante el juez diciendo que no fueron nada más que "unos cuantos piquetitos".</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;"> <img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh7HQKVvndhsmajEBq2JB_n1XoYXXWgx1iT3ji1WSxPwzxDUosWwtnmGiKWZZ_lW2hpDgV7AaoqmmnWfHnQAMgN7j51ZgTlYnw5n08S6LQljXOtorTjX_TZKLkpV3y8Iw0AV3mbgZHdKM/s400/k2.jpg" style="text-align: center;" /></div><div style="text-align: center;">Unos cuantos piquetitos, 1935.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: left;">La decisión de pintar este asesinato no fue aleatoria, sino motivada por las constantes infidelidades de Diego desde el principio de su matrimonio, que alcanzaron su punto álgido en la relación que mantuvo con Cristina, hermana de Frida. Las manchas de sangre en el marco nos regalan una visión de una Frida profundamente herida. Este hecho supuso el abandono de la casa por parte de la artista, que se mudó a un apartamento en el centro de la ciudad. Además, huyó de este dolor viajando a Estados Unidos con dos amigas. Fue a partir de entonces cuando Frida, cansada, decidió serle infiel también a Diego, tanto con hombres como, ya en los últimos años, con mujeres.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">En 1937 ocurre un acontecimiento que marcará su vida: la llegada de León Trotski a la casa de la familia Kahlo (la "Casa Azul"). El motivo fue la solicitud que en 1933 realizó la pareja ante en gobierno mexicano en favor de dar asilo político a León Trotski.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img src="http://static.guim.co.uk/sys-images/Guardian/Pix/pictures/2012/2/15/1329307562696/Leon-Trotsky-with-Frida-K-005.jpg" /> </div><div style="text-align: center;"><i>Frida Kalho con León Trotski a la izquierda y Natalia Sedova, su esposa, a la derecha. 1937.</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: left;">Entre la pintora y el político ruso surgió un romance en la primera mitad de 1937, hecho que explica el regalo que Frida le hizo a Trotski en el día de su cumpleaños: un autorretrato dedicado en el que se representa a ella misma envuelta en una atmósfera cálida y agradable.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqms4Ew2RbiGH99rWJzRawEO4gILKtQ5Nehoqy_K_MrwKuWV38oCgLwOYD6kE_yr7PcBONcK8WO264MN3-kkF7FEUCOIqdoTRu-UrK_17P_V2WdjT961iXmWZDNPk2u8_qNtMm9O_8sP0B/s1600/frida-kahlo-1.jpg" /> </div><div style="text-align: center;"><i>Autorretrato dedicado a León Trotski o Between the Curtains, 1937.</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: left;">Tras esta etapa en la vida de la pintora mexicana, asistiremos a otra protagonizada por el reconocimiento de su trabajo. Sin embargo, una vida que se asoció con la palabra "tragedia" desde el principio, no puede permitirse un periodo de tiempo demasiado largo de felicidad, por lo que pronto dicha etapa se vio interrumpida por el divorcio con Diego en 1939.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Tengo intención de seguir escribiendo sobre esta genial artista. Acabaré su historia e iré recuperando detalles de su vida. Mientras tanto, disfruten de la magnífica banda sonora de la película Frida:</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">(Aquí aparece la escena del asesinato de León Trotski)</div></div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/0gQ31m4Yt0s?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/mx1m2ZitBOU?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/T9VyFBjEuIQ?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><br />
</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div></div>Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-28733484673573114622012-02-14T20:02:00.000+01:002012-02-14T20:05:43.112+01:00Periodo Rosa de PicassoEn abril de 1904, con 23 años, Picasso se trasladó definitivamente a Francia, estableciéndose en un taller de la Place Ravignan, de la Butte de Montmartre. Allí conocerá a Fernande Olivier, quien será su amante durante siete años.<br />
<br />
<div style="text-align: center;"><img height="305" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhM4m_U8hJKOp1_WDZ_xtWOfbL1ETqwee7pTLAMGw2IOlxoyHUQGN3rUfLVp9CiC1E_owyYZC3GITa-rQet6HjZ9WSrWi0EXbpdB1R-1sn-5fmxB-7UcQE1T0A4qyGkudVToevCwR-7cU/s400/fernandeolivier.jpg" width="400" /> </div><div style="text-align: center;"><i>Fernande Olivier, amante de Picasso desde 1904 hasta 1911.</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: left;">Una vez asentado en Francia, Pablo comenzó a entablar una relación más estrecha con los artistas del Montmartre, con amigos de la colonia española y con los representantes de la vanguardia literaria de París. Las reuniones mantenidas con estos últimos tenían lugar en el café "Closerie des Lilas", y estaban protagonizadas en su mayoría por el escritor y publicista Guillaume Apollinaire, quien solía comentar muchas de las obras de Picasso, contribuyendo de esta manera a la expansión de su nombre.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">La temática de esta etapa de la obra de Picasso es la vida circense, que encuentra su justificación en las frecuentes visitas al circo Medrano. Allí se encuentra con un mundo de color, protagonizado por saltimbanquis, acróbatas y arlequines, pero que, lejos de llenar sus lienzos de alegría como muchos suponen en este periodo, no dejan de imprimirles ese halo de misterio y tenebrosidad que hallábamos en su anterior periodo. El notable cambio en este ciclo, apartando la temática, se encuentra también en su paleta, que abandona los tonos fríos para refugiarse en los cálidos, sobre todo en el color rosa.</div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: center;"><img height="400" src="http://www.museum-reproductions.com/cartdata/uploads/1118740252_large-image_80_160_au_lapin_agile_1904_lg.jpg" width="398" /> </div><div style="text-align: center;"><i>En el "Lapin Agile" (Arlequín con copa), 1905</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: left;">En esta obra vemos claramente la transición entre el Periodo Azul y el Rosa. Se trata de un retrato de una mujer y un arlequín en el bar "Lapin Agile", sitio que frecuentaba Picasso. No vemos interacción entre las dos personas, sino una relación fría y distante, puesto que cada uno tiene su mirada puesta en el vacío, en un ángulo muerto de aquel bar. Lo que nos hace clasificar este lienzo como perteneciente al Periodo Rosa es el personaje del arlequín y los colores empleados, mucho más cálidos, como los rojizos y amarillentos. Sin embargo, Picasso nos sigue mostrando el espíritu de abatimiento que reinaba en anteriores obras, como La bebedora de Ajenjo. Son personajes cansados y tristes, que se refugian en un bar.</div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: center;"><img height="640" src="http://xgfk10gmh.files.wordpress.com/2010/09/indice-de-biografias-picasso-madre-e-hijo-saltimbamquis.jpg" width="480" /> </div><div style="text-align: center;"><i>Madre e hijo (saltimbanquis), 1905</i></div><br />
<div style="text-align: center;"><img src="http://xgfk11gmm.files.wordpress.com/2011/10/familia-de-acrobatas-con-mono-1905-etapa-rosa.jpg" /> </div><div style="text-align: center;"><i>Familia de acróbatas con mono, 1905</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: left;">La obra que recoge la esencia de este periodo es, sin lugar a dudas, La familia de saltimbanquis, cuyas dimensiones alcanzan los dos por dos metros. El poeta austriaco Rainer Maria Rilke, quien vivió durante algún tiempo en la casa de la entonces propietaria del cuadro, expresó su impresión sobre el mismo con estas palabras: "Pero, quiénes son los trashumantes, dime, estas gentes aún más fugitivas que nosotros mismos..."</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="400" src="http://www.deseoaprender.com/Picasso/galleries/Familia%20de%20saltimbanquis.jpg" width="398" /> </div><div style="text-align: center;"><i>La familia de saltimbanquis, 1905</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: left;">Picasso decidió tomar algunos de los personajes que ya habían aparecido en obras anteriores de esta etapa, y combinarlos en un mismo lienzo. Realizó la composición a modo de estudio, y no contento con el resultado, cambió completamente todos los personajes y su disposición y decidió volverlos a pintar sobre la misma tela.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">El motivo principal de este cuadro son los cuatro juglares masculinos, siendo uno de ellos el niño juglar, aunque ahora fuertemente modificado en la figura de una niña pequeña. Vemos el cuadro claramente dividido en dos partes: por un lado, la unidad familiar representada en los cinco miembros de la izquierda, y por otro, la solitaria joven de la derecha. La aparente lógica de la composición queda totalmente desmontada en un primer análisis: los personajes se hallan en un entorno confuso, representados, cada uno, a través de diferentes perspectivas en las que sus pies nos les marcan su correcta posición. Además, a la figura central de la obra, el bufón obeso vestido de rojo, le falta la mitad de la pierna derecha. </div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">De nuevo, como en todo este periodo, a pesar de ver una paleta clara de colores cálidos, los personajes no muestran felicidad alguna. Sus miradas se dirigen a puntos diversos del espacio, sin establecer comunicación entre ellos. Están juntos, son una familia, pero hay mucha distancia sentimental entre los miembros, distancia que pasa del plano psíquico al físico en la figura de la derecha.</div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: center;"><img src="http://artedeximena.files.wordpress.com/2010/10/cn-el-aseo-1906-picasso.jpg?w=447" /> </div><div style="text-align: center;"><i>El aseo, 1906</i></div><div style="text-align: center;"><br />
<img height="640" src="http://www.espanolsinfronteras.com/im%C3%A1genes/%C3%8Dndice%20de%20Biograf%C3%ADas%20-%20Picasso%20-%20Autoportrait%20%C3%A0%20la%20palette.jpg" width="480" /> <br />
<i>Autorretrato con paleta, 1906.</i><br />
<br />
</div><div style="text-align: left;">En 1906, Picasso consigue vender la mayoría de sus cuadros "rosa" a un mismo comprador, y, por primera vez, puede disfrutar de una posición económica desahogada. Ese mismo año visita a sus padres en Barcelona, acompañado de su amante Fernande. Después, ambos parten a Lérida, donde el artista pinta El aseo, y Autorretrato con paleta, dando fin a el Periodo Rosa, que abrirá el camino hacia ciclo por el que Picasso ha sido mundialmente reconocido y a uno de los periodos más importantes de la Historia del Arte.</div>Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com17tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-44823765006948790672011-11-27T19:14:00.000+01:002011-11-27T19:14:14.321+01:00Periodo Azul de Picasso<div style="text-align: center;"><img height="400" src="http://www.montmartrenet.com/images/photo_histoire_peintre_1-1.jpg" width="313" /></div><div style="text-align: center;"><i>Picasso en París a los 23 años (1904)</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: left;">La época de Picasso que me dispongo a narrar, sucede a caballo entre Barcelona y París, culminando con el definitivo traslado del artista a la capital francesa en 1904.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">En un tiempo en el que Henri Matisse estaba experimentando con lo que después se conocería como Fauvismo, estilo caracterizado por la simplicidad de las formas y los colores llamativos, Pablo Picasso comenzó a retratar rostros y situaciones cargados de pobreza y melancolía, y todo ello sugerido a través de una paleta fría y casi monocroma. La obra en la que se comienza a perfilar dichos rasgos de la pintura de esta época es La bebedora de ajenjo. Sin embargo al Periodo Azul le dan la bienvenida cuadros como La entrevista (Las dos hermanas), cuyo boceto ya lo trazó en 1901.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img src="http://acrobatas.blogia.com/upload/20100621122234-bebedoradeabsenta-picasso-1901.jpg" /></div><div style="text-align: center;">La bebedora de ajenjo, 1901. <i>El desasosiego que esta escena transmite será explotado a lo largo de todo el periodo. Aquí vemos ya el predominio de distintos tonos de azul que intentan enmarcar la expresión angustiosa de esta mujer, hacia cuyo rostro, para añadirle más dramatismo a la escena, trepan sus dos enormes y delgadas manos.</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: center;"><img height="640" src="http://www.lasalle.es/santanderapuntes/arte/siglo_xx/pintura/picasso/azul/picasso_1902_las_dos_hermanas.jpg" width="412" /></div><div style="text-align: center;">Las dos hermanas, 1902.<i> El color azul inunda esta obra. Se trata de dos mujeres, una de ellas con un bebé en brazos al que solo le podemos ver la mano y parte de la cabeza, cuyas figuras reflejan abatimiento y desesperación, pero que intentan darse consuelo la una a la otra. La angustia sobrecogedora de esta imagen se complementa con sus vestiduras (túnicas o mantas para protegerse del frío, pies descalzos y cabeza cubierta por un pañuelo) y por el paisaje: una fría noche en lo que parece ser un patio de paredes desnudas. Gracias a esta descripción gráfica, podemos afirmar que son dos reclusas de la prisión femenina de St. Lazare (París), a la que Picasso tuvo acceso en 1901 y donde quedó impresionado por tal desconsuelo.</i><br />
<i><br />
</i><br />
<div style="text-align: left;">Sin lugar a dudas, el punto culminante de esta etapa lo marcó La vida, pintado en 1903. En este lienzo, la maestría del Periodo Azul alcanza sus cotas más elevadas, ya que la soledad y pobreza de los personajes, de apariencia fría, se muestra a través del patetismo de los cuadros que Picasso representa al fondo de la escena. En primer lugar, es importante destacar que la figura masculina de la izquierda se trata de un retrato del amigo del artista, Carlos Casagemas, que se había suicidado dos años antes en París. El sereno y melancólico aspecto que transmiten los personajes es perfectamente compatible con el drama de sus miradas, que están contando una historia. Los trémulos y pálidos cuerpos desnudos que se abrazan a la izquierda guardan una inquietante distancia, resaltada mediante la mano del varón, con la firme mujer de la derecha que sostiene en brazos un bebé. Y es en esa distancia donde se muestra el tormento interior de los personajes, gracias a los dos grandes lienzos que inundan la lúgubre estancia. En definitiva, la obra se presenta como una ventana a la que el espectador puede asomarse y trazar el hilo argumental de una tragedia basada en las sensaciones que el cuadro provoca.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="640" src="http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/vida.gif" width="397" /></div><div style="text-align: center;"><i>La vida, 1903.</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: center;"><img src="http://www.drasolt.com/imagenes/reypicasso/zz_031az3.jpg" /></div><div style="text-align: center;"><i>Los pobres a la orilla del mar, 1903.</i></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img src="http://www.drasolt.com/imagenes/reypicasso/zz_028az4.jpg" /></div><div style="text-align: center;"><i>El guitarrista ciego, 1903.</i></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="640" src="http://xgfk11vlp.files.wordpress.com/2011/10/picassolaplanchadoraah214.jpg" width="373" /></div><div style="text-align: center;">La planchadora, 1904.<i> En esta escena y en la anterior los personajes comparten la misma postura, una patética contorsión de sus delgados cuerpos que hace que el espectador viva el dramatismo de la obra.</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: center;"><img height="400" src="http://richmondmom.com/wp-content/uploads/2011/03/VMFA_Pic_2011_Celestine-MP1989-5.jpg" width="318" /></div><div style="text-align: center;"><i>La Celestina, 1904.</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: left;">Hemos asistido a los tres años de la vida de este gran artista en los que la monocromía de su paleta fue capaz de impregnar el lienzo de un amplio abanico de sensaciones. En 1904 se traslada definitivamente a París, y a partir de entonces dejará de representar estos personajes cargados de miseria para dar paso a un mundo mucho más alegre inspirado en la vida circense, dando fin al Periodo Azul.</div></div>Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-14261877337872039582011-10-30T15:50:00.000+01:002011-11-07T15:45:45.299+01:00Picasso dando sus primeros pasos<div style="text-align: center;"><img height="298" src="http://www.homines.com/arte_xx/crono_picasso/1896_picasso_15_a%F1os.jpg" width="320" /></div><div style="text-align: center;"><i>Picasso en 1896, a la edad de 15 años.</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: left;">Pablo Ruíz Picasso nació en Málaga, y allí comenzó a asistir a la escuela a los cinco años. La enseñanza secundaria la tuvo que retomar en La Coruña, puesto que toda la familia se mudó a esta ciudad a causa del nuevo empleo de su padre: profesor en la escuela de arte "La Guarda", donde enseñaba a su hijo. Sin embargo, Picasso completaba su formación artística en la Escuela Provincial de Bellas Artes de Barcelona, a la que estuvo asistiendo durante dos años desde 1895. Es en esta época donde ya podemos observar la grandeza del artista desde una edad tan temprana. Los lienzos en los que figuran numerosos rostros a modo de estudio de cabezas humanas son de una calidad sublime cuya autoría pocos asocian a un niño de catorce o quince años.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjar_BXu9zYMO2lqNZpAAo9zAJtHd-S1IvYjWt7NTcJc_rk3bsmN1i6JYzjQl-rLUp72cr4R-q5coJJ8xSJepFUgLwTn_VASxe9di9rF49FexqhxOPMlKMuDUCP9uB5zP7J4qPEC2Pa7vs/s640/PIC_0_08_b.jpg" width="404" /></div><div style="text-align: center;"><i>Retrato del padre del artista, 1896.</i></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="640" src="http://www.adevaherranz.es/Arte/ESPANA/CONTEMPORANEA/XX%20PINTURA%20PICASSO/Art%20Pin%20XIX%20Picasso%20Retrato%20de%20la%20madre%20del%20artista%20M%20Picasso%20Barcelona%201896.gif" width="420" /></div><div style="text-align: center;"><i>Retrato de la madre del artista, 1896</i></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="640" src="http://img265.imageshack.us/img265/1808/laprimeracomunin9ep.jpg" width="444" /></div><div style="text-align: center;"><i>Primera comunión, 1896</i></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="305" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQ20S-CdSajMBs07SWVYh17vA6AbDkkbYxMNWxDh0Fh2w3fMXy-gcmD4xVtlpJxrmwWuv6H0H6avCcLVxNmW8b0L0iSl8s4oZ3DZO8M6uCT-dBv6GKnA2kvhim0s_vbpoNhD4sKHkfSXjc/s400/picasso_ciencia.jpg" width="400" /></div><div style="text-align: center;"><i>Ciencia y caridad, 1897</i></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Evidentemente, estas obras poseen el academicismo propio de alguien que está dando sus primeros pasos en la pintura. La relación entre ellas y el sello de identidad del autor podría ser el predominio de los tonos ocres y la pincelada gruesa. Como vemos, el estilo por el que Picasso pasó a la posteridad como uno de los más grandes en la historia del arte no surgió de la nada, sino que fue el resultado de un proceso. Picasso se creó a sí mismo, y es ahí donde reside su arte.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">En 1897, el padre de Picasso envió a su hijo a Madrid, a la Academia Real de Bellas Artes, pero el pintor, decepcionado con el curso, prefería copiar a los grandes maestros de las obras expuestas en el Museo del Prado a asistir a clases, por lo que abandonó sus estudios al años siguiente. De este modo, y aún sabiendo que se podría enfriar la relación con su padre, que siempre había empleado todos sus recursos en una formación académica para su hijo, Picasso decidió emprender su propio camino como artista independiente sin haber cumplido aún los 17 años.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Pablo eligió Barcelona como sede de su formación, sintiéndose atraído por el desarrollo artístico de esta ciudad, que no se había quedado anclada en la tradición académica de Madrid. En la capital catalana no le costó hacerse un hueco, puesto que ya poseía una cierta reputación gracias a sus cuadros Ciencia y caridad y Primera comunión, que habían sido expuestos en Madrid.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Allí, comenzó a asistir a las tertulias del café "Els Quatre Gats" (Los Cuatro Gatos), un local de artistas fundado por algunos líderes del Modernismo donde se celebraban exposiciones periódicas. Una vez establecido en Barcelona, comenzó a viajar a París. El artista por el que más se sintió atraído fue Toulouse-Lautrec, adoptando su técnica en obras como Le Mouline de la Galette.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXkNHwOHJFqSYOuDFKzmwvYy5Bn3Jri16Xlmtn_wRS4Q3BwayTSS4DJMTQzZ13oYjjV6tY95_8cdYr5fPhx2tDzxYz82FsAmC7OinZbycvr50FzxBSp3twFzE5zejEjkk7BtKQ5JfVXqnQ/s1600/Le+Moulin+de+la+Galette.jpg" style="text-align: -webkit-auto;" /> </div><div style="text-align: center;"><i>Le Moulin de la Galette, 1900</i></div><div style="text-align: center;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: left;">Como consecuencia de estos viajes periódicos a París, Picasso aprendió y se dejó influenciar por artistas como Monet, Gauguin, Van Gogh, Pissarro o Degas. Sin embargo, no se limitaba a copiar el estilo de cada uno de ellos, sino que lo adaptaba a sus esquemas mentales y lo plasmaba sobre el lienzo creando nuevas combinaciones con un sello propio. La obra con la que culmina esta primera época, conocida como Estado Pre-Picassiano, es Pierreuse, la mano sobre el hombro, protagonizado por una figura descentrada e inclinada hacia el espectador en la que podemos apreciar una lucha armoniosa entre los pinceles de Van Gogh y Gauguin.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="400" src="http://www.painting-palace.com/files/285/28473_Pierreuse_la_main_sur_lepaule_f.jpg" width="313" /></div><div style="text-align: center;"><i>Pierreuse, la mano sobre el hombro, 1901</i></div>Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-19870861354665220672011-10-23T10:41:00.000+02:002011-10-23T10:42:24.071+02:00Comienza el recorrido por su vida...Desde que creé este blog he intentado atrasar la redacción de una o varias entradas dedicadas al más grande dentro de la pintura contemporánea. La razón es simple: no me atrevía, y no me atrevía porque no me veía capacitada, o con el conocimiento necesario, para abordar toda su obra. Tenía y sigo teniendo miedo.<br />
<br />
Pero hoy siento que ya ha llegado el momento: no puedo seguir escribiendo en un blog de arte contemporáneo si él no está presente en el archivo de mis entradas. Es imposible.<br />
<br />
¿Por qué? ¿Quién es? ¿Es acaso el padre de toda la pintura contemporánea? No ¿Es la clave sin la cuál no se entiende el resto? Casi. Es el artista que concentra todos los estilos contemporáneos en su persona, creando uno propio y reinventándolo continuamente. Es el artista que puso todos los "ismos" al servicio de su obra. Él es la esencia del arte del siglo XX, y, además, uno de los más destacados en la historia del arte universal.<br />
<br />
Equiparable a Miguel Ángel en el Renacimiento, se encuentra Picasso en el siglo XX, y aquí comienza el recorrido por su vida y obra...<br />
<br />
<div style="text-align: center;"><img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigqCKZ0wgJPVN2dNUZFgLefv2HVpk3My98WdL_YSBk5QqpG_2Q9awPp5JzBvmZP2khwNL-S3EvgQnGIOzreOBjRmki8pCD32s_sOQ3bERipoNoIDUAycXtvvYPM5-eG4qQ-hvhZpdLwWPG/s1600/picasso340.jpg" /></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><br />
</div>Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-11494204949268834932011-09-06T16:30:00.000+02:002011-10-23T10:46:14.091+02:00La impresión del Impresionismo<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtkvF_qXzF-FJIg-S2euGymzJVRxZHVXIVtkcxAv_X8P9NHFXSkGG6Mt02bzkjeB-sdpOi3cr-EoAzF1mH_nq4hIbYRNmsmvifaxK6ZB-w-V6mrPwDt_o-t37Q22tZNQOZNlNlNnnSdJef/s1600/A1_MONET_IMPRESION_SOL+NACIENTE_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="307px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtkvF_qXzF-FJIg-S2euGymzJVRxZHVXIVtkcxAv_X8P9NHFXSkGG6Mt02bzkjeB-sdpOi3cr-EoAzF1mH_nq4hIbYRNmsmvifaxK6ZB-w-V6mrPwDt_o-t37Q22tZNQOZNlNlNnnSdJef/s400/A1_MONET_IMPRESION_SOL+NACIENTE_jpg.jpg" width="400px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em> Impresión, sol naciente</em>, 1873</div><div align="justify" class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="color: #6fa8dc;"><strong>"¡Ay! Fue fatigoso el día en que, en compañía del paisajista Joseph Vincent,... osé entrar en la primera exposición de los impresionistas. Mi amigo no presentía nada malo al visitar la exposición. Creía que allí había pintura buena y mala, más bien mala que buena, pero no esperaba tales violaciones al arte, de los viejos maestros y de la forma. En fin, ¡forma y maestros! Ellos ya han cumplido, pobre amigo mío.</strong></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="color: #6fa8dc;"><br />
<strong></strong></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="color: #6fa8dc;"><strong>De eso nos hemos encargado nosotros... A Monet le estaba reservada la ultima estocada. "Mira, alli está", se le escapó ante el cuadro Num. 98 ¡Irreconocible, el preferido del Papa Vincent! Pero, ¿qué es lo que se está representando? Mire usted en el catalogo. "Impresión", ya lo sabía yo; yo estoy impresionado, así que debe tratarse de una impresión... ¡Qué libertad! ¡Qué ligereza de trabajo! ¡Un tapiz en estado primario está más elaborado que esta marina!"</strong></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Acabáis de leer el origen del término Impresionismo, que a partir de este documento quedó fijado para la posteridad. Se trata de la crítica que escribió el periodista Leroy para una revista satírica tras haber visitado la primera exposición de los que después de denominarían impresionistas. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Dicha exposición tuvo lugar en la galería Nadar el 15 de abril de 1874. Treinta artistas independientes participaron en ella, entre ellos Renoir, Cézanne, Pissarro, Gautier y Monet. Este último expuso nueve lienzos, pero el protagonista de la crítica de Leroy fue Impresión: sol naciente. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNJiIR6-G51zxAmFWBJFqjUsDEiWPsF3OqYP1TcDfAbiHChP8FA0952Pefmp9x9kMCZACxGADybLuBT6ATXdKCNsDT7-kZsenyR2-LNVka8c2ezj3VQOZUlFQvGd7mRvA7As0kKQYwFR8J/s1600/0045-0006_das_mohnblumenfeld.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="307px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNJiIR6-G51zxAmFWBJFqjUsDEiWPsF3OqYP1TcDfAbiHChP8FA0952Pefmp9x9kMCZACxGADybLuBT6ATXdKCNsDT7-kZsenyR2-LNVka8c2ezj3VQOZUlFQvGd7mRvA7As0kKQYwFR8J/s400/0045-0006_das_mohnblumenfeld.jpg" width="400px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Campo de amapolas en Argenteuil</em>, 1873. Expuesto en la Galería Nadar.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgptqrQdxNVe-4S25aSylkdtRmCnO7kzmf2-sA4s5edyC9TFDhQLuCnsWD2_lvmk_-bBXn4E7eAkaXe9PIvR0OikJFuQqoBwG11E5_lw2MpxEpDwR_1qe7uGYdegjfxjnbsCrCKw50jywlq/s1600/Claude_Monet_Boulevard_des_Capucines_1873.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgptqrQdxNVe-4S25aSylkdtRmCnO7kzmf2-sA4s5edyC9TFDhQLuCnsWD2_lvmk_-bBXn4E7eAkaXe9PIvR0OikJFuQqoBwG11E5_lw2MpxEpDwR_1qe7uGYdegjfxjnbsCrCKw50jywlq/s400/Claude_Monet_Boulevard_des_Capucines_1873.jpg" width="296px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>El boulevard des Capucines</em>, 1873. Expuesto en la Galería Nadar.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">La crítica de Leroy no se alejaba en absoluto del sentimiento que estas pinturas produjeron en los visitantes de la exposición. Tres mil quinientas personas se rieron de la obra de estos artistas y bromearon con su técnica, siendo el perfecto ejemplo del clasicismo de la época y de la rígida tradición pictórica impuesta desde la Academia. Cuando el Impresionismo tuvo su merecido reconocimiento entre la sociedad, Leroy se jactaba de haberle otorgado un nombre a este interesante movimiento.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Los impresionistas, a diferencia del arte oficial, no pretendían añadir un trasfondo moral a su obra, simplemente captaban la realidad tal y como la veían, imprimiendo el movimiento, la luz y el color de la época en sus lienzos. Se trataban de estampas de la vida cotidiana, estampas casuales, sin poses ni artificios, solo fotografías de la nueva sociedad.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCbSxrjhPCTHQk_kKqOF7cYB8DFHnBqmBTo8afuC2LXUOFsIUTstR-nnDlruuDqiUXFgmdn-exNI9FfZU5xIJZN9zY2-iIwLO36jjQXLwxvf0YvWwat9f9pK4Xp3jG84Yn2zbc08B6jVbW/s1600/columpio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCbSxrjhPCTHQk_kKqOF7cYB8DFHnBqmBTo8afuC2LXUOFsIUTstR-nnDlruuDqiUXFgmdn-exNI9FfZU5xIJZN9zY2-iIwLO36jjQXLwxvf0YvWwat9f9pK4Xp3jG84Yn2zbc08B6jVbW/s400/columpio.jpg" width="308px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>El columpio</em>, Renoir, 1876</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwmUIR8gDoKYBiOUefNYdVG2EIFIm_8hESVNuswASbccWXGRTy46UFRQdA2zvi3F9lMtaNoY0VforsB5QKAimv60YQQqjaxs11hOllT4_Tk5jLlTXgric7_xxdR3jbVIuOYrVGI5ij9Bm0/s1600/bailemoulin1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="295px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwmUIR8gDoKYBiOUefNYdVG2EIFIm_8hESVNuswASbccWXGRTy46UFRQdA2zvi3F9lMtaNoY0VforsB5QKAimv60YQQqjaxs11hOllT4_Tk5jLlTXgric7_xxdR3jbVIuOYrVGI5ij9Bm0/s400/bailemoulin1.jpg" width="400px" /></a></div><div style="text-align: center;"><em> El molino de la Galette</em>, Renoir, 1876</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiP8-kp07N9uq9O62LOONrRt1jP7FuAxaSws2c0oSdVmvMb8DStX-Qys2ztNBI0mKaJP3H6ibFO0ParNAY_K4q1nFJdZEvLnQiw8F35C-ye9zOVEoewoSv3Z_zeJbPtMFAminww1tgkps2N/s1600/degas_2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiP8-kp07N9uq9O62LOONrRt1jP7FuAxaSws2c0oSdVmvMb8DStX-Qys2ztNBI0mKaJP3H6ibFO0ParNAY_K4q1nFJdZEvLnQiw8F35C-ye9zOVEoewoSv3Z_zeJbPtMFAminww1tgkps2N/s400/degas_2.jpg" width="390px" /></a></div><div style="text-align: center;"><em>El barreño</em>, Degas</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOx_R74W-M_rnx8aO_xkiYnk87uRrMKEkpbxPx9ShCQZ6208CjAJWz78cR3ahNZay_S7EPmOQZmSRZS-XZXKnSaGlRXCTNyX7_lOVskucYfc9ea-PMKS1txWQQ74xOHlfDQgkofC3MD6fw/s1600/N4_DEGAS_LA++ORQUESTA+DE+LA+OPERA_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOx_R74W-M_rnx8aO_xkiYnk87uRrMKEkpbxPx9ShCQZ6208CjAJWz78cR3ahNZay_S7EPmOQZmSRZS-XZXKnSaGlRXCTNyX7_lOVskucYfc9ea-PMKS1txWQQ74xOHlfDQgkofC3MD6fw/s400/N4_DEGAS_LA++ORQUESTA+DE+LA+OPERA_jpg.jpg" width="333px" /></a></div><div style="text-align: center;"><em>La orquesta de la ópera</em>, Degas<br />
<br />
</div><div style="text-align: left;">Cuando estos artistas se percataron de que sus ciudades se estaban poblando progresivamente de industrias, puertos y estaciones de ferrocarriles, tuvieron la inquietud de plasmarlo en su obra (Impresión: sol naciente), hecho favorecido por la fabricación de la pintura en tubos, que les permitía pintar al aire libre. Con pinceladas sueltas de toques yuxtapuestos y sin ningún refinamiento posterior, creaban auténticas maravillas. Era de esperar que la sociedad urbana que se estaba germinando en esas ciudades de reciente industrialización terminara por aceptar con agrado la obra impresionista, pues simplemente se trataba de la obra de un nuevo tiempo, del anuncio de un nuevo ciclo en la historia del arte.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaglOawFoOa0FDdHpBruQp8RfqepB90bvk5hlYAVY9AlmgnPOYd-lOQmtizkTJm9MmlRUPqPqmQAJE9z1sntLVK2MwXPDtnQxoE6fYJagHu24ZG_yQJ4-pAPZVgVKrN16zLYEO0-OBJAV8/s1600/D2_MONET_LA+CATEDRAL+DE+ROUEN_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaglOawFoOa0FDdHpBruQp8RfqepB90bvk5hlYAVY9AlmgnPOYd-lOQmtizkTJm9MmlRUPqPqmQAJE9z1sntLVK2MwXPDtnQxoE6fYJagHu24ZG_yQJ4-pAPZVgVKrN16zLYEO0-OBJAV8/s400/D2_MONET_LA+CATEDRAL+DE+ROUEN_jpg.jpg" width="261px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglTSbzwxx6ADSLSr0oJmF5VKO5TtEVTY6ri04nX15PGxo6vW_y3Ln8fBbwf9OHQ5uW916yNQTQmRjPwbQgpfr5GObL-RL8sCgiy8mAALJr2o7kZAdElUyJbVaJn3_L5qqptMiJVzx1_Ny7/s1600/D3_MONET_LA+CATEDRAL+DE+ROUEN_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglTSbzwxx6ADSLSr0oJmF5VKO5TtEVTY6ri04nX15PGxo6vW_y3Ln8fBbwf9OHQ5uW916yNQTQmRjPwbQgpfr5GObL-RL8sCgiy8mAALJr2o7kZAdElUyJbVaJn3_L5qqptMiJVzx1_Ny7/s400/D3_MONET_LA+CATEDRAL+DE+ROUEN_jpg.jpg" width="255px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdLH-d8zXFSbfYIPfvMz58-GkKSf-aPU4b3bgypvjM0bnwFPT1Agij8zVCfOOmsDNOUAMp4_haLv5EACXdxZQRUisW4QxjoAAQdhFGfNW3LN_nXLmWt1OjvMO3dhWDgUpngI7l7Qy_3dWp/s1600/D4_MONET_LA+CATEDRAL+DE+ROUEN_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdLH-d8zXFSbfYIPfvMz58-GkKSf-aPU4b3bgypvjM0bnwFPT1Agij8zVCfOOmsDNOUAMp4_haLv5EACXdxZQRUisW4QxjoAAQdhFGfNW3LN_nXLmWt1OjvMO3dhWDgUpngI7l7Qy_3dWp/s400/D4_MONET_LA+CATEDRAL+DE+ROUEN_jpg.jpg" width="275px" /></a></div><div style="text-align: center;">Tres lienzos pertenecientes a la serie <em>Catedral de Rouen</em>, Monet, 1892-1894. Entendemos perfectamente con esta pequeña muestra de la extensa serie de dicha catedral la fijación de los impresionistas por captar el movimiento de la luz. El objetivo de Monet con esta serie era dar a entender cómo un mismo objeto puede variar tanto dependiendo de la hora del día en que se contemple, es decir, dependiendo de la cantidad de luz que incida sobre él. Para su realización alquiló una habitación con una ventana desde la que se pudiera contemplar la catedral, y comenzó a pintar así unos treinta lienzos, los cuales cambiaba cada dos horas, cuando ya consideraba que la catedral se había transformado lo suficiente debido a la luz. Este dinamismo de la pincelada suelta de Monet, así como el de la serie en general, es también un reflejo del dinamismo de la vida de la segunda mitad del siglo diecinueve.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy2Ia-xPl0NJj709pF-uoShGobIoX4xHjFpYuMTZx9q2Qb3k9lf1FhIj0h-bAjGAVbem_HEfJvO0OZW9Q8vrPo0K1k9QYbMV8wc74Lztpe70PO6gbSUr4uwEBDhYJqUJqm3HBbhtxxdu4g/s1600/B9_MONET_LA+ESTACION+SAN+LAZARO_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="325px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy2Ia-xPl0NJj709pF-uoShGobIoX4xHjFpYuMTZx9q2Qb3k9lf1FhIj0h-bAjGAVbem_HEfJvO0OZW9Q8vrPo0K1k9QYbMV8wc74Lztpe70PO6gbSUr4uwEBDhYJqUJqm3HBbhtxxdu4g/s400/B9_MONET_LA+ESTACION+SAN+LAZARO_jpg.jpg" width="400px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Estación de San Lázaro</em>, Monet</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhW-P4wOeJ1ELQJjcoBTHS9alvPn2eAPE1A5woz99c4bcbJS3pu6PMKjcBEenpB3TZ6F3GMJPU3_pBZc33dSAQOENezW9cQDaMm57ZtumSO4WY0HZIChK7o-ZFbDFxMWMHuZ1JEYwGUhJL-/s1600/C1_MONET_RUE+MONTARGUEIL_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhW-P4wOeJ1ELQJjcoBTHS9alvPn2eAPE1A5woz99c4bcbJS3pu6PMKjcBEenpB3TZ6F3GMJPU3_pBZc33dSAQOENezW9cQDaMm57ZtumSO4WY0HZIChK7o-ZFbDFxMWMHuZ1JEYwGUhJL-/s400/C1_MONET_RUE+MONTARGUEIL_jpg.jpg" width="281px" /></a></div><div style="text-align: center;"><em>Rue Montargueil</em>, Monet</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Al contemplar un cuadro impresionista, lo que uno ve es una explosión de colores, donde las sombras se han sustituido por los colores complementarios del objeto iluminado, y lo que uno siente entonces es la vitalidad transmitida por el movimiento de la pintura. <br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwDdED8PwejCJKIRfIpZpKXaInPzwuHcEhyBjhK9NUTZcV3fCba7XxWfAp8_FrET-2P7KF_Pv7pm7QlMtGtST25Cg3wINv828ky8Y944rFV1jD0kJbAC6vlifKyYRvYGovLpP5gbg1hGHT/s1600/A5_MONET_LA+GRENOUILLRE_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="307px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwDdED8PwejCJKIRfIpZpKXaInPzwuHcEhyBjhK9NUTZcV3fCba7XxWfAp8_FrET-2P7KF_Pv7pm7QlMtGtST25Cg3wINv828ky8Y944rFV1jD0kJbAC6vlifKyYRvYGovLpP5gbg1hGHT/s400/A5_MONET_LA+GRENOUILLRE_jpg.jpg" width="400px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>La Grenouillre</em>, Monet</div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqks_teaM-HxbVECLw_sldc7yaSunCdwYMo4_ufysY6JDFIpFz5o2lmm79PA24_Xx-J7ckS8VLxJ-NrwZpEw8MUYJ5BrPPgOJVJxzVzVscxkKBMteoQfKb8aQ46qWJ42XghwBy9sTU4m1r/s1600/B6_MONET_MUJER+CON+PARASOL_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqks_teaM-HxbVECLw_sldc7yaSunCdwYMo4_ufysY6JDFIpFz5o2lmm79PA24_Xx-J7ckS8VLxJ-NrwZpEw8MUYJ5BrPPgOJVJxzVzVscxkKBMteoQfKb8aQ46qWJ42XghwBy9sTU4m1r/s400/B6_MONET_MUJER+CON+PARASOL_jpg.jpg" width="300px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Mujer con parasol</em>, Monet</div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEoPLzI4rIq3cIKf2g28Sy84MY05je7j412pT8mb2b84Z6opXL5tss8f2Q6Bn_r877RHlyEBrh6LZvmNhQA7OUmS5rI0UqGqkrcLZhZ_GkKst5CIax9SHKur3FxmPk1nD402GjIj1JvLyD/s1600/H9_RENOIR_EN+EL+RIO_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="322px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEoPLzI4rIq3cIKf2g28Sy84MY05je7j412pT8mb2b84Z6opXL5tss8f2Q6Bn_r877RHlyEBrh6LZvmNhQA7OUmS5rI0UqGqkrcLZhZ_GkKst5CIax9SHKur3FxmPk1nD402GjIj1JvLyD/s400/H9_RENOIR_EN+EL+RIO_jpg.jpg" width="400px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>En el río</em>, Renoir</div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfrtac6-kxGOr2K-YqqFu2yMvLHjm5ukb3GJV2NRZtrvjUvi-dzRcyemUdO8CI1wXFohYHoJleHFe995mpISRrFf9ZEBMyvyGHOQDnR-x7q5mQxMo1kdZI9akSoMCgGhI7Nzr54njwm1ya/s1600/I3_RENOIR_CERCA+DEL+LAGO_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="330px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfrtac6-kxGOr2K-YqqFu2yMvLHjm5ukb3GJV2NRZtrvjUvi-dzRcyemUdO8CI1wXFohYHoJleHFe995mpISRrFf9ZEBMyvyGHOQDnR-x7q5mQxMo1kdZI9akSoMCgGhI7Nzr54njwm1ya/s400/I3_RENOIR_CERCA+DEL+LAGO_jpg.jpg" width="400px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Cerca del lago</em>, Renoir</div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis8P6ItJMhdrWFFTd6y_xL9pIHJW2lSdkX7SzR7I6aUjaRdwkt4b1n6Jtm-8XylW9g4DXkdvla-Svc6-KfgDzZJr1tG2o27-_bFsZTUQbvQE8s9yajMqPMXEEX9aW58RzwzwuxakXZYV30/s1600/K3_RENOIR_GABRIELLE+CON+ROSAS_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis8P6ItJMhdrWFFTd6y_xL9pIHJW2lSdkX7SzR7I6aUjaRdwkt4b1n6Jtm-8XylW9g4DXkdvla-Svc6-KfgDzZJr1tG2o27-_bFsZTUQbvQE8s9yajMqPMXEEX9aW58RzwzwuxakXZYV30/s400/K3_RENOIR_GABRIELLE+CON+ROSAS_jpg.jpg" width="310px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Gabrielle con rosas, Renoir</div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2dlmPu6hE_GkVwcL_f_RzMbKUj-SXdbP7nN_OTEUshQiH8FiUM_hdgtgIls2z3IKSC90q_pBjGTE15yLgMc3F5deJDxxYm1TPXaWP5yuX0edSH71mObgzodY-L7KOO3QBSxHLxyEaegHT/s1600/L6_RENOIR_EL+APERITIVO+DE+LOS+CANOTIERS_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="333px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2dlmPu6hE_GkVwcL_f_RzMbKUj-SXdbP7nN_OTEUshQiH8FiUM_hdgtgIls2z3IKSC90q_pBjGTE15yLgMc3F5deJDxxYm1TPXaWP5yuX0edSH71mObgzodY-L7KOO3QBSxHLxyEaegHT/s400/L6_RENOIR_EL+APERITIVO+DE+LOS+CANOTIERS_jpg.jpg" width="400px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El aperitivo de los Canotiers, Renoir</div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxx28qwYP4qEgtlYtm4n2-sYLWwqaDRglBAylWjP9R2iuIlnu2r-WEFZxFioN_t3-iOiPqR5zxvzkBMI1AQCdEfCO0nNl8JlUEQnsQ62LR9vl2NA30S9JxEuFKkGTLtFmiVIb2k4MYDYnG/s1600/N4_DEGAS_+REPETICION+EN+ESCENA_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="296px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxx28qwYP4qEgtlYtm4n2-sYLWwqaDRglBAylWjP9R2iuIlnu2r-WEFZxFioN_t3-iOiPqR5zxvzkBMI1AQCdEfCO0nNl8JlUEQnsQ62LR9vl2NA30S9JxEuFKkGTLtFmiVIb2k4MYDYnG/s400/N4_DEGAS_+REPETICION+EN+ESCENA_jpg.jpg" width="400px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Repetición de la escena, Degas</div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_396KjPfZStPwCUXuM__2qguP5OKG3imPHlgLs65-xe1Lo70cTsRE8kCeQMYwDGvvoHA4c0OK0MYpB4TrPDd-Ws7G9eDkm0DBLEWqEh6_833lNLY8PCO3GsfNvoQBApBV0qf12Z28AWUv/s1600/N8_DEGAS_LA+ESTRELLA_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640px" nba="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_396KjPfZStPwCUXuM__2qguP5OKG3imPHlgLs65-xe1Lo70cTsRE8kCeQMYwDGvvoHA4c0OK0MYpB4TrPDd-Ws7G9eDkm0DBLEWqEh6_833lNLY8PCO3GsfNvoQBApBV0qf12Z28AWUv/s640/N8_DEGAS_LA+ESTRELLA_jpg.jpg" width="460px" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>La estrella</em>, Degas</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Y sé que en nuestra sociedad abundan los que, como Leroy, rechazan y se ríen de toda obra que se aleje de la imagen que tienen en sus mentes como modelo de las cualidades que debe reunir un cuadro para poder considerarlo bello. ¿De qué imagen hablo? Todo el mundo la conoce: aquella capaz de recibir la simple crítica de "qué bien pintado está esto". Y es triste, o, al menos a mi me entristece la cantidad de personas que se privan ellas mismas de disfrutar de otro tipo de belleza: la belleza impresionista, la belleza expresionista, la belleza cubista, la belleza fauvista o la belleza abstracta. Se desembarazan rápidamente de la obra que contemplan con un radical "no lo entiendo"; pero lo que en realidad no entienden es que, a lo mejor, no hay que entender, solo mirar. Mirar y dejarse llevar por los trazos impresionistas o mirar e intentar reconstruir un cuadro cubista o mirar y adentrarse en la selva de la abstracción... No saben lo que se pierden.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div></div>Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-45022624553814873262011-07-16T20:24:00.000+02:002011-10-23T10:56:39.825+02:00Rockwell (II): el artista norteamericano del XX<div style="text-align: left;"><em>Pero mi peor enemigo son las grandes ideas. Con demasiada frecuencia trato de pintar la GRAN obra, algo serio y colosal que cambiará el mundo... Pero me supera, está fuera de mi alcance... Aunque jamás cejo en mi empeño. </em>Norman Rockwell.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="400" id="il_fi" src="http://revistareplicante.com/wp-content/uploads/2010/09/El-cr%C3%ADtico-de-arte-Norman-Rockwell.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="362" /></div><div style="text-align: center;"><em>El crítico de arte</em>, 1955. Ilustración para la portada de "Saturday Evening Post".</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Norman Rockwell es diferente, no es un pintor cualquiera, pero tampoco un ilustrador cualquiera ni un publicista cualquiera.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Nació en 1894 en Nueva York. A sus 14 años decide dejar la escuela y dedicarse a la ilustración, por ello comienza a asistir en Manhattan a clases de arte en la Chase School. Sin embargo, un año más tarde ingresa en la National Academy School, para luego trasladarse a la Art Students League. Con 17 años, ya ilustra su primer libro: "Tell-Me-Why Stories about Mother Nature", de C. H. Claudy.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Norman alquila un estudio que, en realidad, era una habitación de un burdel. A la edad de 19 se convierte en el director artístico de la revista "Boy´s Life", pero el verdadero despegue de su carrera comienza dos años más tarde, cuando el "Saturday Evening Post" publica su primera portada. Ese mismo año se casa con Irene O´Connor, profesora.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="532" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/8e/Norman_Rockwell-_Scout_at_Ships_Wheel.jpg" width="376" /></div><div style="text-align: center;"><em>Scout at Ship´s Wheel</em>, 1913</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="405" id="il_fi" src="http://pdxretro.com/wp-content/uploads/2011/05/norman-rockwell-first-cover-for-sat-ev-post-1916_thumb.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="285" /></div><div style="text-align: center;"><em>Mothers Day Off</em> (Chico con cochecito de bebé), 1916</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Esta portada sentó las bases del estilo que encandilaría a los estadounidenses: colores vivos, niños inocentes, y humor en la escena.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">En 1918, Rockwell se alista en la marina, donde continúa realizando encargos para anuncios, portadas e ilustraciones. A su vuelta, siendo ya un ilustrador reconocido, llegó a actuar de juez en la elección de Miss América junto con otros profesionales de su oficio.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="403" id="il_fi" src="http://www.reproduction-gallery.com/oil_painting_reproduction_gallery/Fred-Scraggs-Time-to-Retire_-Sleeping-Sheriff_-1924-large-1072039460.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="300" /></div><div style="text-align: center;"><em>La hora del descanso</em> (<em>Time to Retire</em>), 1924. Anuncio que la empresa de neumáticos Fisk le encargó a Rockwell.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: left;">En 1923, una crisis de autoconfianza le llevó a París, donde experimentó con el "arte moderno". La relación con su esposa Irene se iba tornando más fría, hasta que seis años más tarde se separaron. Una vez divorciado, viaja a California. Allí vivirá un apasionado romance con otra profesora, Mary Barstow, con quien se casará ese mismo año.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="405" id="il_fi" src="http://my-mags.com/SaturdayEveningPost/1929-07%20-%20Ladies%20Home%20Journal%20-%20Checkers%20-%20Norman%20Rockwell.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="449" /></div><div style="text-align: center;"><em>Damas</em>, 1928. Ilustración para "Ladies´s Home Journal".</div><div style="text-align: left;"><img height="405" id="il_fi" src="http://biblioabrazo.files.wordpress.com/2011/04/3693963689_ffded719f6_o.jpg?w=314&h=446" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="285" /><img height="405" id="il_fi" src="http://biblioabrazo.files.wordpress.com/2011/04/3693963383_99ed8f43e2_o.jpg?w=314&h=446" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="285" /></div><div style="text-align: center;">Ilustraciones (1936) para la edición centenaria del Heritage Press de "Tom Sawyer", obra de Mark Twain.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="183" id="il_fi" src="http://www.goodart.org/blog/Rockwell-LoveOuanga-1936.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="400" /></div><div style="text-align: center;"><em>Ama a Ouanga</em>, 1936. Ilustración para "American Magazine".</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="389" id="il_fi" src="http://www.curtispublishing.com/images/Rockwell/9410301.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="288" /></div><div style="text-align: center;"><em>Chica leyendo el Post</em>, 1941. Esta pintura se la dedicó a Walt Disney. </div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Entre 1941 y 1946, habiendo tenido ya los que serían sus tres únicos hijos con Mary, Rockwell narra en once portadas para el "Post" las aventuras de un soldado en la Segunda Guerra Mundial, para levantar la moral de los nacionales. El discurso de Roosevelt sobre las <em>Cuatro Libertades</em> (de la necesidad, del miedo, de expresión y de culto), le sirvió de inspiración para pintar cuatro lienzos que reflejasen las mismas. Se imprimieron millones de copias en formato cartel, mientras que las obras originales hacían un recorrido exponiéndose en varias ciudades. Gracias al circuito que realizaron, se salvaron de la destrucción cuando Norman quemó accidentalmente su estudio con las cenizas de su pipa.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="405" id="il_fi" src="http://farm2.static.flickr.com/1212/1447975531_6f93ebcbe1_o.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="315" /></div><div style="text-align: center;"><em>Libertad de la necesidad</em>, 1943.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="405" id="il_fi" src="http://sp2.fotolog.com/photo/18/2/11/vetusta_morla212/1242384353093_f.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="314" /></div><div style="text-align: center;"><em>Libertad de expresión</em>, 1943.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="405" id="il_fi" src="http://blog.pucp.edu.pe/media/1592/20110129-rockwell_infancia.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="310" /></div><div style="text-align: center;"><em>Libertad del miedo</em>. 1943.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="405" id="il_fi" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2RkbYSX8xgszJ6ZPbYG8jTK6eFi2H9mVfBy_b3qUG4ZInf08SF8OZWERkTHdRrcm6YKFB4qSyE54nCN86SZhvhW0uJMs3KCGLMSsA3fqypQ2GDs5Cgu6yjQ1IqWOkDdChdl6MhFIiIoI/s1600/Norman+Libertad+de+culto.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="325" /></div><div style="text-align: center;"><em>Libertad de culto</em>, 1943.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div align="center" style="text-align: left;">Para el número del Día de Acción de Gracias de 1951 del "Post", Rockwell pinta su portada más famosa: <em>La bendición de la mesa</em>. Rockwell comenzará a tratarse a causa de la depresión que sufría desde hacía ya muchos años. En 1959, su esposa Mary muere, pero dos años más tarde Norman se casa por tercera vez, a sus 67 años.</div><div align="center" style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="320" id="il_fi" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1fbSRRIihy8yMrQx9mbtagWA-whkBMEC_QF8gkTw9SGXm5_QvCExXXkXQi3ChjhH50JkNKGLbG_0iYj5RVzY_CWjwP1Kh33mGjd3Kc5VA59V_y1HUu5_d9nitb_oL7-2K2HaoYUJXi94/s320/apr_fool_rockwell_sm.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="302" /></div><div style="text-align: center;"><em>Día de los Inocentes: niña con tendero</em>, 1948. Hay que observar detenidamente cada detalle de este lienzo (lástima que la calidad de la imagen no lo permita).</div><div align="center" style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="400" id="il_fi" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiesq3bbRrIDo4vz8ry-y5LRTD55EWcDAQ46sqUeOfJSvT_nX-AwVLllWmQlY-MKW4U2hCw3XevItTcEQMvwBUPIROvt4aLozPaS-otNip10NWXJ7fwul1Tr3uKLpCipICg3PximqEGubUe/s400/Rockwell_Thanksgiving.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="379" /></div><div style="text-align: center;"><em>La bendición de la mesa</em>, 1951.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="320" id="il_fi" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8NFBP_L_jMxHNa4V4KSV3fJRmyqO9PudQfhXteci49sstgIIZIWMvHLaXzhS3PeX6aEZ1NuIpJsbLTFwkl28U48Cw7TbtzbrqAtCoX59ATyw-wNw9dbhVjgXptaqfk5TEPNRC8w4tiFEP/s320/Chica+ante+el+espejo.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="262" /></div><div style="text-align: center;"><em>Chica ante el espejo</em>, 1954. El rostro de esta niña, a pesar de la ternura que pueda reflejar, está preguntándose por su futuro. La niña ha pensado que ya llegó el momento de dejar las muñecas a un lado y de coger los útiles de belleza. "¿Seré tan guapa como esta mujer de la revista?", parece que se pregunta.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="405" id="il_fi" src="http://cache2.allpostersimages.com/p/LRG/41/4139/1QIMF00Z/posters/rockwell-norman-fugitivo-el-runaway-the.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="388" /></div><div style="text-align: center;"><em>El fugitivo</em>, 1958.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="405" id="il_fi" src="http://3.bp.blogspot.com/_R0g5cWSfEPs/SxQTnj320AI/AAAAAAAAAMg/7mZOsOIhKdQ/s1600/Norman+Rockwell+triple-self-portrait1.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="306" /></div><div style="text-align: center;"><em>Triple autorretrato</em>, 1960. Es magnífico el realismo y el grado de detalle en los famosos autorretratos de la historia del arte que se sitúan a la derecha del lienzo que Norman está pintando.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="405" id="il_fi" src="http://www.unaaldia.net/wp-content/rockwell002.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="325" /></div><div style="text-align: center;"><em>El entendido</em>, 1962. Esta obra surgió del deseo de Norman por experimentar con las técnicas usadas por Pollock en el expresionismo abstracto.</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: left;">La obra de los últimos años de Norman Rockwell ya la comenté en la primera parte de esta entrada. Me permití alterar el orden cronológico para mostraros primero al Rockwell comprometido con la sociedad, es decir, el resultado final del impacto que el alistamiento en la marina y la Segunda Guerra Mundial tuvo en este gran artista. Indudablemente, su formación corre paralela a la realidad estadounidense de la época, que, reflejada siempre con la misma objetividad, servía unas veces de documento de denuncia y otras de orgullo.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="405" id="il_fi" src="http://www.welovedc.com/wp-content/uploads/2010/07/a-time-for-greatness.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="335" /></div><div style="text-align: center;"><em>Tiempo de grandeza</em>, 1964.</div>Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-40127354105661188972011-06-27T09:40:00.000+02:002011-10-23T10:56:06.823+02:00Rockwell (I): el crítico de la nueva realidad estadounidense<div style="text-align: center;"><img height="257" id="il_fi" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIazyPTWR9HVINRzLE3yY40DdZp_o2zePMNXpBzCV42uMXnfad-m2V_KmF3YKNllilU8nLGMcZQUxMVD0Xo78-z_QnrdUPr-t-Y6X2hoop7TQEGLEBIRTVQhPudPGOEOgAoZd0K3sDEQ/s400/norman-rockwell1.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="400" /></div><div style="text-align: center;"><em>El problema con el que convivimos todos</em>, 1964. Ilustración para "Look".</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Este gran lienzo (tanto por sus dimensiones como por su calidad) es el claro reflejo de cómo una plasmación de una imagen de la vida cotidiana de la época, con un realismo fotográfico sublime, puede transmitir tantos o más sentimientos que un cuadro expresionista alemán.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">La imagen irradia, por un lado, la dureza de esos cuatro grandes hombres blancos, de puños cerrados, con anillos de oro y sin rostro, similares a los "hombres grises" a los que Momo se tuvo que enfrentar en el relato Michael Ende. El hecho de no plasmar sus caras, hace centrar la atención en la pequeña niña negra vestida de blanco, que, por otro lado, emana inocencia y dulzura. Alrededor de ella Norman Rockwell dibuja todo un contexto de segregación racial, materializado tanto en los guardias federales como, sobre todo, en la salpicadura de tomate y la pintada ("nigger") del muro. Este era el "problema con el que convivimos todos", la realidad a la que la pequeña Ruby Bridges se tenía que enfrentar día a día.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Y es que este cuadro surgió a raíz de una historia verídica: no es más que el cartel de la vida de esta niña, con nombres y apellidos. Ruby Bridges ingresó en el sistema escolar de Nueva Orleans en 1960, un colegio dirigido exclusivamente a niños blancos. Cada día, en su camino a la escuela, Ruby tenía que soportar las burlas y los insultos llenos de odio que recibía de una marea de niños blancos, hasta tal punto que la tuvieron que escoltar cuatro guardias federales.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">El lienzo fue pintado por un Rockwell de setenta años que intentaba hacer que la sociedad nortamericana abriese los ojos ante tales injusticias. Fue la primera ilustración a doble página que hizo para la revista "Look". Tal revista lo había contratado ese mismo año como especialista en temas de actualidad. A partir de entonces y hasta su muerte (en 1978), los trabajos que realizó para "Look" fueron documentos que denunciaban la realidad de la época.</div><div align="center" style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="405" id="il_fi" src="http://sp2.fotolog.com/photo/18/60/31/fridazeta/1234649654936_f.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="313" /></div><div style="text-align: center;"><em>Justicia sureña</em>, 1965. Ilustración inédita para "Look".</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: left;">En el verano de 1965, otro hecho obligó a Norman a plasmarlo en el lienzo, aunque esta vez la revista tomaría un esbozo del mismo para su ilustración: tres de los llamados "jinetes de la libertad", James Chaney, Michael Schewerner y Andrew Goodman, fueron asesinados a manos del Ku Klux Klan por el empeño que mostraron en inscribir a votantes negros en el sur. Los cuerpos de estos tres compañeros fueron descubiertos en un dique de tierra de la Filadelfia rural.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">La luz que impera en el cuadro recae sobre los dos compañeros que se abrazan: Chaney se resiste a morir, y se aferra suplicante a su amigo blanco, que mira desafiante a los asesinos, los cuales se dejan ver en el cuadro a través de esas amenazantes sombras de la derecha. El paisaje inspira desolación y angustia, al ser pintado en esos tonos tierra que se van oscureciendo a medida que se apartan de los protagonistas. El suelo, totalmente desnudo, solo queda interrumpido por varias piedras y palos y por el cadáver del primer asesinado, lo cual aumenta aún más el desasosiego que transmite la escena.</div><div style="text-align: center;"><img alt="Norman Rockwell: New Kids in the Neighborhood" class="gallery-image" height="640" src="http://www.brooklynmuseum.org/exhibitions/norman_rockwell/images/New-Kids_759.jpg" width="473" /></div><div style="text-align: center;"><em>New Kids in the Neighborhood</em>, 1967. (Negros en los barrios residenciales). Ilustración pra "Look".</div><div align="left" style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Cuando la revista publicó un relato sobre el progreso de la integración social, Norman lo ilustró con este lienzo. Ese relato trataba sobre lo que se conocería más tarde como "vuelo blanco", un éxodo hacia las zonas periféricas de las ciudades debido al malestar general de la población y a los prejuicios raciales. Sin embargo, la revista se preguntaba si eran bien recibidos después los negros de clase media en aquellos barrios residenciales. En esta obra, Rocwell ha querido reflejar la similitud entre estos dos grupos de niños, de igual indumentaria y ambos con una mascota. ¿Por qué debe de ser un impedimento el color de la piel a la hora de jugar con los nuevos vecinos?</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><img height="350" id="il_fi" src="http://images.mirror.co.uk/upl/m4/feb2010/6/0/image-7-for-norman-rockwell-tribute-gallery-380421265.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="283" /></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Esa motivación de Rockwell en sus últimos años de denunciar las injusticias de la vida estadounidense de mediados de siglo, le llevó ser solicitado en varios países y asociaciones donde se trabajaba por la paz.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">Lo cierto es que el trabajo de Rocwell nunca fue considerado como perteneciente al mundo del arte, sino al de la ilustración y la publicidad. No fue hasta la llegada del siglo XXI cuando los artistas empezaron a mirar su obra con otros ojos. Porque para Rockwell, como buen ilustrador, el arte no era sino un medio para contar historias.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;">En la próxima entrada, realizaré un recorrido por la vida de este gran artista, ilustrador y publicista, que vienen a ser tres profesiones similares.</div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;"><em>Me levanto todas las mañanas y empiezo a trabajar a las ocho. He dejado de creer que devolveré al mundo la era dorada de la ilustración. Hace ya mucho tiempo que me di cuenta de que jamás será tan bueno como Rembrandt.</em> </div><div style="text-align: right;">Norman Rockwell.</div><div style="text-align: center;"><img height="405" id="il_fi" src="http://albertozambrano.files.wordpress.com/2011/05/20110528-120551.jpg?w=640" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="346" /></div><div style="text-align: center;"><em>La regla de oro</em>, 1961. Ilustración para la portada de "Saturday Evening Post".</div>Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-66127110576926011052011-04-17T13:35:00.000+02:002011-10-23T10:49:38.955+02:00Alcohólico, drogadicto y bohemio: Modigliani<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>"Lo que busco no es lo real ni tampoco lo irreal, sino lo inconsciente, lo instintivo de la raza".</em> Amedeo Modigliani</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgtxWk4M3GJZS1UsI7taRrvLJp0dnOfIbUeEzIFnACkeqzDrr5o0sIQEiLGTLrVd-r7ez32dSdvliWuCTATuwA210itosh8KoWS6ZMaTGdHZSCDgJlitxLnDTCb8REexRmIeQEIzkoO4xJ/s1600/desnudo_rojo_modigliani_379475_t0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="261" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgtxWk4M3GJZS1UsI7taRrvLJp0dnOfIbUeEzIFnACkeqzDrr5o0sIQEiLGTLrVd-r7ez32dSdvliWuCTATuwA210itosh8KoWS6ZMaTGdHZSCDgJlitxLnDTCb8REexRmIeQEIzkoO4xJ/s400/desnudo_rojo_modigliani_379475_t0.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Desnudo rojo, 1917</em></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Nada más nacer, el judío Amedeo Modigliani (1884-1920) ya firmó su sentencia de muerte. Estaba condenado a una vida de enfermedades y alcoholismo. Pero, curiosamente, fue una enfermedad lo que le llevó a convertirse en artista.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Con once años, pasó largas temporadas en cama debido a una grave pleuritis. Y, con catorce, enfermó de tifus. Fue durante un delirio febril provocado por esta enfermedad cuando tuvo la visión que determinaría su vida: obras maestras de museos e iglesias italianas, que fueron interpretadas por "Dedo" (apelativo familiar) como una señal que le invitaba a iniciar su destino de artista. Cuando un milagró lo salvó de la tifus, su familia le inscribió en la academia de arte de Liorna. Dos años más tarde, contraerá la tuberculosis, causa de su temprana muerte.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6OqM65QSWlJ8IuYwveQvxSDd2YNden7n5_2qi8P1k6_ugyHXGSyRg5Due0cDgJldjW-matmBEhxGV0mGW5hvqEY8z78O_0KD4HM2ZQmROIX3Tn6kAAIWIyuo-GsXXRuotpCxOkSu3Btpf/s1600/modi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6OqM65QSWlJ8IuYwveQvxSDd2YNden7n5_2qi8P1k6_ugyHXGSyRg5Due0cDgJldjW-matmBEhxGV0mGW5hvqEY8z78O_0KD4HM2ZQmROIX3Tn6kAAIWIyuo-GsXXRuotpCxOkSu3Btpf/s400/modi.jpg" width="300" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Modigliani con 31 años</em></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">En 1903 asiste en Venecia a clases de desnudos. Será en esta ciudad donde comienze su vida bohemia, pues durante los dos años siguientes conoce a los "amigos del hachís" y participa, presuntamente, en sesiones espiritistas.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Se trasladará a París, capital de la pintura vanguardista, en 1906. Allí vivirá entre artistas como Picasso, Derrain, Diego Rivera o Utrillo, con el que entabla una gran amistad. Antes de 1914, el artista habrá expuesto en dos ocasiones, gracias al médico Paul Alexandre, quien se convierte en su mecenas. Durante esos años, también se dedicó de forma intensa a la escultura y mantuvo dos relaciones sentimentales: una con la poetisa rusa Anna Ajmátova, y otra con Beatrice Hastings, una escritora inglesa que será su modelo preferida de los retratos que pinta en esa época.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje1Veex6y11u-IuPTOL_iHBhMPEvNDQPA_DJ7dgXpVBai15JOUU8T-4psufTKda5peefDxMi8S-zZJPYUvrsmp_8R1XeRToN4wY6nQ7HHsePqtnvsuHgAWwlEtZIFTHVHMimPdVBbZE6NY/s1600/0108-0013_die_juedin.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje1Veex6y11u-IuPTOL_iHBhMPEvNDQPA_DJ7dgXpVBai15JOUU8T-4psufTKda5peefDxMi8S-zZJPYUvrsmp_8R1XeRToN4wY6nQ7HHsePqtnvsuHgAWwlEtZIFTHVHMimPdVBbZE6NY/s320/0108-0013_die_juedin.jpg" width="263" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>La judía, 1908.</em></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRyjrRioGUoTTINz4du9kdg43iESrXtoUfcj14H6mVr2ro-gIC9spldeSt3p5zKlsa2jLkRMhb5tMvAOdMFy4qFtFwKoovqLagZiFfImbKLquySTTn5h5Ja94na4Wj3EUzWxTJRwaPtDhyphenhyphen/s1600/Amedeo_Modigliani_-_The_Amazon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRyjrRioGUoTTINz4du9kdg43iESrXtoUfcj14H6mVr2ro-gIC9spldeSt3p5zKlsa2jLkRMhb5tMvAOdMFy4qFtFwKoovqLagZiFfImbKLquySTTn5h5Ja94na4Wj3EUzWxTJRwaPtDhyphenhyphen/s400/Amedeo_Modigliani_-_The_Amazon.jpg" width="263" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>La amazona, 1909.</em></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQeR5l6mYdRP_HqPczGoaRirCzgxz8Nrh7-uZ9hZGPOMsvxbXFZDGjmbUfDQ_c-BF1QJmz46zMOoQcL3FYzIyzGstvOo0WrWlie2rEtwLvVGCKMoNPTRR5GQ749mpe1qnxXUYithauZaKB/s1600/Retrato_de_Pablo_Picasso.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQeR5l6mYdRP_HqPczGoaRirCzgxz8Nrh7-uZ9hZGPOMsvxbXFZDGjmbUfDQ_c-BF1QJmz46zMOoQcL3FYzIyzGstvOo0WrWlie2rEtwLvVGCKMoNPTRR5GQ749mpe1qnxXUYithauZaKB/s320/Retrato_de_Pablo_Picasso.jpg" width="258" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Retrato de Pablo Picasso, 1915.</em></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMNVHXFaK_IkZy0s_cjb_O_3yNc7h09UCg1yHErgwPD1XLdeat582ddT2NZWCR-RE9fCZudoRDS7YDXaOiLY0Fyvic06KjEs729iIirgldwM8_HAEDaPUZJXChUjHYUFr8pY-z4hJRlakH/s1600/n3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="253" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMNVHXFaK_IkZy0s_cjb_O_3yNc7h09UCg1yHErgwPD1XLdeat582ddT2NZWCR-RE9fCZudoRDS7YDXaOiLY0Fyvic06KjEs729iIirgldwM8_HAEDaPUZJXChUjHYUFr8pY-z4hJRlakH/s400/n3.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>De izq. a der.: Modigliani, Picasso y André Salmon, 1916</em></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">En 1917 pinta su serie de desnudos, que alcanza los treinta lienzos, y consigue exponerla. Sin embargo, esta primera exposición individual estuvo marcada por la intervención policial a causa del erotismo que emanaban los cuadros. Ese mismo año conoce a Jean Hébuterne, una adolescente de 19 años que estudiaba pintura y que se enamoró completamente del pintor. Ella nunca ejerció de modelo para los desnudos de Modigliani.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmu1o-bxU1ZvBlDVVR6TSIeiYuovuZmxAhgH3rrFnMWJnqSlfNtKKKKs6S1WTUJQxME6gRJlcEqe1npFiAXT_nY3pcPMM6FZaWG4EtUlVSjNpzFEegOqpxpO2tlOe7HMm53OcYi2ghFWSo/s1600/A_-_MODIGLIANI_RECORD_-_1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmu1o-bxU1ZvBlDVVR6TSIeiYuovuZmxAhgH3rrFnMWJnqSlfNtKKKKs6S1WTUJQxME6gRJlcEqe1npFiAXT_nY3pcPMM6FZaWG4EtUlVSjNpzFEegOqpxpO2tlOe7HMm53OcYi2ghFWSo/s640/A_-_MODIGLIANI_RECORD_-_1.jpg" width="401" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Desnudo sentado en un diván, 1917.</em></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8O7lBPg12-W01a6Euuxd-7TLtgqpk1TNDA8jXgnGnWmzLQrIDIsVE5REy9w7JRkL0pFukokEm-rYtoM_TyLzwRPCaFZL-cyjiQfOQ4WbOu-Iv5FkbH0S8S01hOwNQ7QXjf2yFC_5BtQqx/s1600/modigliani-desnudorecostado.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="241" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8O7lBPg12-W01a6Euuxd-7TLtgqpk1TNDA8jXgnGnWmzLQrIDIsVE5REy9w7JRkL0pFukokEm-rYtoM_TyLzwRPCaFZL-cyjiQfOQ4WbOu-Iv5FkbH0S8S01hOwNQ7QXjf2yFC_5BtQqx/s400/modigliani-desnudorecostado.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Desnudo femenino acostado, 1917.</em></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Son estos desnudos y sus famosos retratos los que reflejan el estilo por el que Modigliani ha pasado a la posteridad. Se trata de un estilo basado en trazos gruesos y figuras perfiladas. Utiliza unos colores muy intensos (rojo, azul prusia, blanco) que producen contrastes destinados a resaltar aún más el cuerpo femenino que enmarcan. Este es el caso de la pintura que presentábamos al comienzo: <em>Desnudo rojo</em>. En el lienzo vemos como la figura se recuesta entre el cálido rojo y el frío azul, consiguiendo que sea su cuerpo el auténtico foco de atención, con una postura similar a la de la <em>Maja desnuda</em> de Goya.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">No obstante, es la manera de representar la mirada del retratado lo que más suele impresionar en la obra de Modigliani. Son, en su mayoría, ojos vacíos, donde no se distingue el iris ni la pupila, pero sí la dirección de la mirada.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img height="640" id="il_fi" src="https://s3.amazonaws.com/ee-staging/thumbnails/34149/2dn4cqqNND_large_preview.jpg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="393" /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Joven pelirroja en camisa, 1918.</em></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img height="640" id="il_fi" src="http://membres.multimania.fr/carmenlobo/modigliani22.jpeg" style="padding-bottom: 8px; padding-right: 8px; padding-top: 8px;" width="410" /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Desnudo en pie - Elvira, 1918</em></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div>Jean acompañará a Modigliani en sus tres últimos años de vida, tiempo durante el cual Modigliani no deja de frecuentar los bares, a pesar de la prohibición médica. Alquilan un piso juntos y, un año más tarde, nace la hija de ambos.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Al año siguiente, 1919, firman una promesa de matrimonio estando Jean, de nuevo, embarazada. Pero no pudieron disfrutar del matrimonio, pues a finales de año, Modigliani cae gravemente enfermo de tuberculosis. Muere un 24 de enero de 1920, cuando aún no había cumplido los 36 años, dejando a Jean viuda con 22 años. Pero ésta no puede soportar la ausencia del pintor y, al día siguiente, se arroja desde un quinto piso, matando a su vez al bebé que llevaba en su interior.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdLntS6Hezx4_0dGGVEfzusKSu6_p06SPmrc4UpkjxhBfUyzCm9M8hgI-LRWEpAoIBVXWo7wZjqTiD7srnuzVGfrGqRTKhkvMOwptciQ2Lw8VmbQJPzo4UVzNSOFKbLadrHuRsfmTh0bJd/s1600/340786988.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdLntS6Hezx4_0dGGVEfzusKSu6_p06SPmrc4UpkjxhBfUyzCm9M8hgI-LRWEpAoIBVXWo7wZjqTiD7srnuzVGfrGqRTKhkvMOwptciQ2Lw8VmbQJPzo4UVzNSOFKbLadrHuRsfmTh0bJd/s400/340786988.jpg" width="235" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Jean Hébuterne</em></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixAL0Fp9I7CNcvzguRlvhnkHcvLzuPd5ZWccbHz8arQ4Gu0KLh1wmBbFoASeZ_ZS2UL_p4jDy6yCfNVz1r4hyphenhyphenqvijoNUTsHixrpn1G86OUBPXiK5tc1tLaXW4oTGnqumijPEwUy0uK7WkO/s1600/amedeo_modigliani.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixAL0Fp9I7CNcvzguRlvhnkHcvLzuPd5ZWccbHz8arQ4Gu0KLh1wmBbFoASeZ_ZS2UL_p4jDy6yCfNVz1r4hyphenhyphenqvijoNUTsHixrpn1G86OUBPXiK5tc1tLaXW4oTGnqumijPEwUy0uK7WkO/s400/amedeo_modigliani.jpg" width="296" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Modigliani en su estudio, 1918</em></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpwHRIblB0GHGAPkyXBLI0IGuLq2h2S5Xs7FBueTY4UJNULjX6N-s_Go0eqWSq7qz6IGdGtqLv6xhO5bd03h1QIYi4JwbKj840rb7OLTHQF0GpjGz5sMU5A-Usp2TsKne72f9qyEMpEluO/s1600/Jeanne_Hebuterne_in_Yellow_Sweater.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpwHRIblB0GHGAPkyXBLI0IGuLq2h2S5Xs7FBueTY4UJNULjX6N-s_Go0eqWSq7qz6IGdGtqLv6xhO5bd03h1QIYi4JwbKj840rb7OLTHQF0GpjGz5sMU5A-Usp2TsKne72f9qyEMpEluO/s400/Jeanne_Hebuterne_in_Yellow_Sweater.jpg" width="257" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Jeanne Hébuterne con jersey amarillo, 1919.</em></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_39wcFXCMWL_uK-Lx0hqqdEi4XCcF2XcmMsp7Su0JJMSrFW5fV753Yiy83k_4k2w3_ZyB64SAUB6hTuXG44mpOVess0sXjx7CWzhSthWPztDat7z0H8flHwByLhDSwKXJoWa7HAyDQZmy/s1600/modigliani-amedeo-retrato-de-jeanne-hebuterne.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_39wcFXCMWL_uK-Lx0hqqdEi4XCcF2XcmMsp7Su0JJMSrFW5fV753Yiy83k_4k2w3_ZyB64SAUB6hTuXG44mpOVess0sXjx7CWzhSthWPztDat7z0H8flHwByLhDSwKXJoWa7HAyDQZmy/s640/modigliani-amedeo-retrato-de-jeanne-hebuterne.jpg" width="401" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Retrato de Jeanne Hébuterne, 1919</em></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">La única hija del artista, Jeanne Modigliani, al quedar huérfana de padre y madre con tan solo un año, es adoptada por la hermana del pintor. Más tarde, se convertirá en la biógrafa de su padre. A ella se le dedicó la siguiente película, protagonizada por Andy García:</div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-tq251bfTv3EK3dmZ0fLjQD4AsZntsrByrZG2LSWjUpwWWX_6JwtqlUV7OJVh3xq5gf_4DGm4ZIs_Ywr-rjGvFUpO7MQxpRikan6O7d1UMIHANqBKmJryZI8RPsPNSWuMnAQuTATxzq8A/s1600/Modigliani-The-Movie.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-tq251bfTv3EK3dmZ0fLjQD4AsZntsrByrZG2LSWjUpwWWX_6JwtqlUV7OJVh3xq5gf_4DGm4ZIs_Ywr-rjGvFUpO7MQxpRikan6O7d1UMIHANqBKmJryZI8RPsPNSWuMnAQuTATxzq8A/s320/Modigliani-The-Movie.jpg" width="225" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: right;"><em>Entrada dedicada a Natalia. Gracias por todo lo que me aportaste. </em></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div>Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-6747578666650274172011-03-24T21:01:00.002+01:002011-10-23T10:50:43.348+02:00Cómo fotografiar el alma...<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEib8akZUgQ9e_T_I_W5qvfFEYJZr3ukt9iWKei9RjMKZr19jmdy8IcWADemBrPrrK4aLvEVy7vkUcTpwyaQ4Uzkm_QBU1J5pJ4NAG3z61pwNx9VtAWv6NDE9Pj3-Fc9HXqim8BX28nbSeVp/s1600/49638466_kancha01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="260" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEib8akZUgQ9e_T_I_W5qvfFEYJZr3ukt9iWKei9RjMKZr19jmdy8IcWADemBrPrrK4aLvEVy7vkUcTpwyaQ4Uzkm_QBU1J5pJ4NAG3z61pwNx9VtAWv6NDE9Pj3-Fc9HXqim8BX28nbSeVp/s400/49638466_kancha01.jpg" width="400" /></a></div><br />
Hoy os voy a presentar a un artista, pero no es pintor, escultor ni arquitecto: es fotógrafo. Su nombre es Manuel Libres Librodo ("Manny") y es de origen filipino.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9MLTQ3Kj9oLkGmilnf_ZMBb9swSySLf0r1EvnnbvHuPkDGh_y0acO7dWe7o00JtN_KT50HXRIOgGb2M7bgjiTKe3j90G8t03ymr97eo6h8Y4_fHT-8y5Ymp3yNoL2vl8Lzz30u9RL7TO-/s1600/65010662_uCmLcvNP_003-tm.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="226" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9MLTQ3Kj9oLkGmilnf_ZMBb9swSySLf0r1EvnnbvHuPkDGh_y0acO7dWe7o00JtN_KT50HXRIOgGb2M7bgjiTKe3j90G8t03ymr97eo6h8Y4_fHT-8y5Ymp3yNoL2vl8Lzz30u9RL7TO-/s320/65010662_uCmLcvNP_003-tm.jpg" width="320" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Librodo no utiliza composiciones artificiosas ni efectos especiales en sus fotografías, pues no es tal su intención. Él únicamente viaja alrededor del mundo y plasma en una imagen aquel rostro que le cuente una historia. Todos sus trabajos inspiran una ternura e, incluso, una conmoción inusitadas.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjU6zz1IbiRk8eW8rsk7NvRFQiWUGMvZ0HI77a7MuFo9fLnBM43v3UXv0UUsD0r-f0YXrvAuOLLUcFYVbMsIEojbqb1cAPfXdQjrPUDT_n57hyphenhyphenwujHmFcQRRtegWrGcPRYp-MWXwqD8LyEy/s1600/47440348_nan35.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="300" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjU6zz1IbiRk8eW8rsk7NvRFQiWUGMvZ0HI77a7MuFo9fLnBM43v3UXv0UUsD0r-f0YXrvAuOLLUcFYVbMsIEojbqb1cAPfXdQjrPUDT_n57hyphenhyphenwujHmFcQRRtegWrGcPRYp-MWXwqD8LyEy/s400/47440348_nan35.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Los países que visita son, en su mayoría, países donde un alto porcentaje de la población vive en unas condiciones de pobreza preocupantes (Filipinas, India, Egipto, China...). Si visitamos su obra, podemos hallar dos tipos de fotografías: las tomadas a gente de la calle en sus actividades cotidianas, y las que retratan a modelos, no reconocidas, sino mujeres autóctonas que destacan por su espectacular belleza, representativa del país de donde proceden.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4JCYRY78HmdMXpKhoCOG9g5kwsuZajxRsfgehy6IvaNa7DMvHN_fWpng4CIqR9pBmmfl4ycL_WcDX9k_OUVLqtcZpRo3DJ9qFv6SHXPqzFTh93tOmSVU_3Pr5ZaR2ltxO2WuqFr-BDm17/s1600/64603969_qtvL4p32_xkharu37.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="290" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4JCYRY78HmdMXpKhoCOG9g5kwsuZajxRsfgehy6IvaNa7DMvHN_fWpng4CIqR9pBmmfl4ycL_WcDX9k_OUVLqtcZpRo3DJ9qFv6SHXPqzFTh93tOmSVU_3Pr5ZaR2ltxO2WuqFr-BDm17/s400/64603969_qtvL4p32_xkharu37.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVAdzSVAe1srOT5RHfvSzACzkd_m6rbkM8g6WJb9W-9pf0f-ypEu2mWJBMOiJ0k7gsLy8d_iBK4KXc3Rc2SEBeYeEJUmFGG-VtwY-hQkO_X2OXdZ-xFfkaA1lWjTctnp0meWUpbzzlomrP/s1600/96131718_fO0KenFC_krysdd032.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="263" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVAdzSVAe1srOT5RHfvSzACzkd_m6rbkM8g6WJb9W-9pf0f-ypEu2mWJBMOiJ0k7gsLy8d_iBK4KXc3Rc2SEBeYeEJUmFGG-VtwY-hQkO_X2OXdZ-xFfkaA1lWjTctnp0meWUpbzzlomrP/s400/96131718_fO0KenFC_krysdd032.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7NXg32mOaiIbMkaGooVkF4ik2GDrGtqe4nK_cPBWhICsnkj8ea-DvVmKR3_Q-QpbRi-SHpZEHGGVV3RVSEJB4bg7lvGSUjvxhxwqvtPtwwH49e1O3L7ujQHLDASvFqwp9ECbLC-T6ros9/s1600/78361420_dvag1w18_katrina02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7NXg32mOaiIbMkaGooVkF4ik2GDrGtqe4nK_cPBWhICsnkj8ea-DvVmKR3_Q-QpbRi-SHpZEHGGVV3RVSEJB4bg7lvGSUjvxhxwqvtPtwwH49e1O3L7ujQHLDASvFqwp9ECbLC-T6ros9/s320/78361420_dvag1w18_katrina02.jpg" width="190" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgN8H23yhpnojGoJ5a2faDjehwGfvpsUQzL9HAYZ7-8XoZ_bv02_XAiURoxPsPJsEn1cr6jNMD50PoEEavk8gBs_7TaV5fE4nDH6lYIkPGuAEI_drYXHUIcKbYcsPeIDVwf_3z-M3u4DAGF/s1600/66924021_x8nfmFgL_xkharu175.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgN8H23yhpnojGoJ5a2faDjehwGfvpsUQzL9HAYZ7-8XoZ_bv02_XAiURoxPsPJsEn1cr6jNMD50PoEEavk8gBs_7TaV5fE4nDH6lYIkPGuAEI_drYXHUIcKbYcsPeIDVwf_3z-M3u4DAGF/s320/66924021_x8nfmFgL_xkharu175.jpg" width="214" /></a> </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEzmJ9h2h29ARBzxJZBNKrOaVODDBeNyWL3JBd_ChO1Q_-wUBSJh2gCec4sjMCDn8G5We6T51bgoUmT87Ln3kkuSUDE7UChtrV5Z271kuBJGMQ48kepfgJAbVWy8jJfckERlzPETwayi0L/s1600/48507565_pupae10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEzmJ9h2h29ARBzxJZBNKrOaVODDBeNyWL3JBd_ChO1Q_-wUBSJh2gCec4sjMCDn8G5We6T51bgoUmT87Ln3kkuSUDE7UChtrV5Z271kuBJGMQ48kepfgJAbVWy8jJfckERlzPETwayi0L/s400/48507565_pupae10.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhC10fiSkH922JRjS9u4Yx49z0gDJrwmPEpMDllTOkgW8yE_hqoPVsX7m_dHoY70kidXmCJtCth1sJK3Bb3g5kHwoAjcEj9CIegG98lzlKAfxjfCYBqKsPWpqSWaoqCyqvbryN51-aBpx6M/s1600/87335301_SG8Ip7Wl_27.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="265" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhC10fiSkH922JRjS9u4Yx49z0gDJrwmPEpMDllTOkgW8yE_hqoPVsX7m_dHoY70kidXmCJtCth1sJK3Bb3g5kHwoAjcEj9CIegG98lzlKAfxjfCYBqKsPWpqSWaoqCyqvbryN51-aBpx6M/s400/87335301_SG8Ip7Wl_27.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Por lo que respecta a los transeúntes de estos países, son personas que, lejos de pedir auxilio a través de su mirada, transmiten una gran serenidad y alegría, pese a sus palpables desgracias.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeMvlc5PqOoaSiQNtEsjgyePGWYtzFcXrKqwIRkv9sNbDScgG3u65aCwj9TSKNcVO2B-D7U6aJhg_-bOIj9z0lWszkdbDW6v6JWLsvziOptLtXlCtnUfqX80GXLSqfE05FYSAR4XSYA5mI/s1600/01_Manuel-Librodo-Jr_bw01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="267" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeMvlc5PqOoaSiQNtEsjgyePGWYtzFcXrKqwIRkv9sNbDScgG3u65aCwj9TSKNcVO2B-D7U6aJhg_-bOIj9z0lWszkdbDW6v6JWLsvziOptLtXlCtnUfqX80GXLSqfE05FYSAR4XSYA5mI/s400/01_Manuel-Librodo-Jr_bw01.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1CZB4s2FMADVJX-ql5Xu_IsxN1h5lXxTza6NRlQH_xTJtnWKgSJrBBxApwz5TlNvt68DxJ3GOTGCTgLDnSJLEdfqg8KESxGsQ96uvC2iJwo7aLyITeaXKOAILCHGBFEGT25kicpoGGje7/s1600/97006728_nHAOse12_vietnam008.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="270" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1CZB4s2FMADVJX-ql5Xu_IsxN1h5lXxTza6NRlQH_xTJtnWKgSJrBBxApwz5TlNvt68DxJ3GOTGCTgLDnSJLEdfqg8KESxGsQ96uvC2iJwo7aLyITeaXKOAILCHGBFEGT25kicpoGGje7/s400/97006728_nHAOse12_vietnam008.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_N7UNqYCAqkJzndXKPbiE5xiju1tWhrS3oKQn8Foqqg2yiju_QofIZQAxlheIGUyNAha1kjzjxiTADx6Ph8_vJ4CtBjAvOO3ZbwqpdeHY-kWaR-h4_ay7F1AY4kCTn3QyMOYi1Ffftbbr/s1600/105809152_5Cm3Tet0_bhutan006.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_N7UNqYCAqkJzndXKPbiE5xiju1tWhrS3oKQn8Foqqg2yiju_QofIZQAxlheIGUyNAha1kjzjxiTADx6Ph8_vJ4CtBjAvOO3ZbwqpdeHY-kWaR-h4_ay7F1AY4kCTn3QyMOYi1Ffftbbr/s400/105809152_5Cm3Tet0_bhutan006.jpg" width="392" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVcDN_Xdt9zermjrUUKspM9ZGkGWaYa1H3GnRKFYHPeuCR8VSdkOJkDJkH3gPm664BS9vuUQdZF17ZKEgT3OIExKQ0Y-oOPLGEcL3rFcO6eFFEaDim5NM5YaxutCGLhOg2qCamn3I-Jv27/s1600/95418655_fv5AgfBQ_j098.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVcDN_Xdt9zermjrUUKspM9ZGkGWaYa1H3GnRKFYHPeuCR8VSdkOJkDJkH3gPm664BS9vuUQdZF17ZKEgT3OIExKQ0Y-oOPLGEcL3rFcO6eFFEaDim5NM5YaxutCGLhOg2qCamn3I-Jv27/s400/95418655_fv5AgfBQ_j098.jpg" width="295" /></a></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">Pero, sin lugar a dudas, por lo que más destaca Librodo es por la capacidad de capturar a través de la cámara un grado de intensidad de sentimientos sublime, reflejado en la mirada de la persona fotografiada, en cuyo brillo de ojos podemos apreciar la sombra del mismo artista tomando la fotografía.</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;"><br />
</div><br />
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;"><img border="0" height="400" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFcksx7dFCU7gABXmxIDSqqatn7INC92YQIUcBZPMfoiM-cVyrvDF22e0Skp-_sdyZU7I95Mvb7uGRhlpZw-6BldhPdajFeZgjmhyphenhyphendT81gAO25n9Xfk4vdGGwF1uiy4K7CLF0HBDuXt_pc/s400/60757738_bBay7Wle_pra004.jpg" width="266" /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0BNFxXRScGzLmAa4pzr9oTz3tLR_q0XGShtqcnRicaere_F2ZIpXrqpQcYWdBg4VM9f2xfuvdEmdFw3HSqARDSVQ6y4WOjsfT_TQJXUMTt9Q9b_jVcsG7ExbMfIWS0tS62xJGRkj_ExPs/s1600/94479124_Ov98UAcy_j083a.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0BNFxXRScGzLmAa4pzr9oTz3tLR_q0XGShtqcnRicaere_F2ZIpXrqpQcYWdBg4VM9f2xfuvdEmdFw3HSqARDSVQ6y4WOjsfT_TQJXUMTt9Q9b_jVcsG7ExbMfIWS0tS62xJGRkj_ExPs/s400/94479124_Ov98UAcy_j083a.jpg" width="257" /></a></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2kuwyG1K2WhDUMWnKh63nV9FVAsA4tJbctBM7KEPmbupMjHPehww68D8GcPxbdEpAIw9ozImHnNue5m2WYj0pFPmlNVbiKfAEc2wW9BH8vEaZyD83IJvIrX6CtdhJMGeO8J7dGhZgXf_S/s1600/78367893_mNnsRYEq_099.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="265" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2kuwyG1K2WhDUMWnKh63nV9FVAsA4tJbctBM7KEPmbupMjHPehww68D8GcPxbdEpAIw9ozImHnNue5m2WYj0pFPmlNVbiKfAEc2wW9BH8vEaZyD83IJvIrX6CtdhJMGeO8J7dGhZgXf_S/s400/78367893_mNnsRYEq_099.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9VkpNGHhK-g82Pw8QkynCj0Y4ZGflLK0JuCUr030a6YTQFQMNUqDqau5Ni7tt_a6g5Z5ZvwqSA3PPP7eVfFB54ajw6IaCmpGtmWwn-cqu3rDL0o8hdII5E9FZTg39X3PXFCz7y9lxcVHf/s1600/92689002_i6zAGAu0_j036.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9VkpNGHhK-g82Pw8QkynCj0Y4ZGflLK0JuCUr030a6YTQFQMNUqDqau5Ni7tt_a6g5Z5ZvwqSA3PPP7eVfFB54ajw6IaCmpGtmWwn-cqu3rDL0o8hdII5E9FZTg39X3PXFCz7y9lxcVHf/s640/92689002_i6zAGAu0_j036.jpg" width="417" /></a></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">El trabajo de Librodo me ha servido de inspiración en varias ocasiones, haciéndome sentir obligada a plasmar sobre el papel lo que su cámara me muestra:</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;"><br />
</div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgY4Tsa_KWGB9y41JIRUhrxss-EKmn75L6cNwcYfUtFtGifMS7Zl20yIa3U8HIwODGnM-Iw-91RgfiYtK5_Hb7qQEqYV6IRNHw6LO7v0y3pE4BnUTExAQljjLRKqG1_8cTeMhCneoxLA4f6/s1600/a.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="479" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgY4Tsa_KWGB9y41JIRUhrxss-EKmn75L6cNwcYfUtFtGifMS7Zl20yIa3U8HIwODGnM-Iw-91RgfiYtK5_Hb7qQEqYV6IRNHw6LO7v0y3pE4BnUTExAQljjLRKqG1_8cTeMhCneoxLA4f6/s640/a.jpg" width="640" /></a><br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhk-oXL-_S4To8nw1heOY70ksJ3pbe6IVSC0tVGYG-o7h2abeRq58SzzbSYVkh4C2FCkYllfJbcVEcRIWp-PAvY2OYczXhD7mgl8gKkrDVN_cGOPN33pMHGkXFhlsuLo9hZ1hnnheTE9B8H/s1600/b.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="416" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhk-oXL-_S4To8nw1heOY70ksJ3pbe6IVSC0tVGYG-o7h2abeRq58SzzbSYVkh4C2FCkYllfJbcVEcRIWp-PAvY2OYczXhD7mgl8gKkrDVN_cGOPN33pMHGkXFhlsuLo9hZ1hnnheTE9B8H/s640/b.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHEz0dNuU6r6yPZQF_mgTo7tFikXKtSnP6KX-fbKiQuUE7mOpm0kb_yEAKAOB7j35LKEjFQyuVkJeEJCtQReGRDF4qSqagfbhQn2eWGmTFtmFnM8HzIM-mPwGhvSRP31M27z_bwO03KQlM/s1600/d.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="479" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHEz0dNuU6r6yPZQF_mgTo7tFikXKtSnP6KX-fbKiQuUE7mOpm0kb_yEAKAOB7j35LKEjFQyuVkJeEJCtQReGRDF4qSqagfbhQn2eWGmTFtmFnM8HzIM-mPwGhvSRP31M27z_bwO03KQlM/s640/d.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgK6PryGGRXzV7_iac-R5UIKvSBYP0VZhK1o-z8HYw18k7IAAl7aYFcvktGfDu592khZc677Vd5cFzW-10mkL5HUBVEv0eMJ5zWTCJWKmR9KrR-A47g__cIja9dZ6JiAnW7XVSIgkRmum-t/s1600/cats2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="417" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgK6PryGGRXzV7_iac-R5UIKvSBYP0VZhK1o-z8HYw18k7IAAl7aYFcvktGfDu592khZc677Vd5cFzW-10mkL5HUBVEv0eMJ5zWTCJWKmR9KrR-A47g__cIja9dZ6JiAnW7XVSIgkRmum-t/s640/cats2.jpg" width="640" /></a></div></div>Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-1221219683710011022011-03-08T09:18:00.000+01:002011-10-23T10:51:31.492+02:00Vida y obra del espíritu de la pintura barroca<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgS1NWazQuij0hSK9sh_WYsOKXCoAeWf6_p_dg-bTo7CgvkDLmPS5Ne9SSvlzhDVRgkEimvlFGulnNRvqGudrt1SuYZhT07SL3BELN4b_1kKUHIs2cr4BfZwyVbsEs_a-u_OIMgQcGaEE1F/s1600/icredulidad-de-santo-tomas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="288" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgS1NWazQuij0hSK9sh_WYsOKXCoAeWf6_p_dg-bTo7CgvkDLmPS5Ne9SSvlzhDVRgkEimvlFGulnNRvqGudrt1SuYZhT07SL3BELN4b_1kKUHIs2cr4BfZwyVbsEs_a-u_OIMgQcGaEE1F/s400/icredulidad-de-santo-tomas.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDfhlR14OgRulwAtOttcLZPqkSw2F9VBxM54fJ9NmWNPEIi9cuOya3VrLu46JWirXRXPJRceaAf291L_LSIlNCO2MMd0iZqI8G0-mPDs3ncF3vm26NhPnZ6STOSUFBkYekkEQzcq5VrOpz/s1600/htrphvoi-1273047868-bg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="373" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDfhlR14OgRulwAtOttcLZPqkSw2F9VBxM54fJ9NmWNPEIi9cuOya3VrLu46JWirXRXPJRceaAf291L_LSIlNCO2MMd0iZqI8G0-mPDs3ncF3vm26NhPnZ6STOSUFBkYekkEQzcq5VrOpz/s400/htrphvoi-1273047868-bg.jpg" width="400" /></a></div><br />
</div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;">Hoy me voy a apartar de la pintura contemporánea para dar un vistazo hacia atrás y rescatar a uno de los grandes pintores barrocos. Después de algunas nociones sobre la pintura surrealista de Dalí y Frida, me gustaría analizar el, posiblemente, realismo más extremo (sin alcanzar el actual hiperrealismo) plasmado en el lienzo: las obras de Caravaggio (1571-1610).</span></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;">En lugar de centrarnos en una obra determinada, describiremos la aportación de este artista a la historia del arte y haremos un breve recorrido por su vida.</span></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;"><strong>ESTILO DE CARAVAGGIO</strong></span></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;">Caravaggio representa el espíritu de la pintura barroca, caracterizado por su deseo de realismo, que hará de esta figura el fundador del Naturalismo, es decir, la toma de la naturaleza como fuente de inspiración. El Naturalismo que empleaba se demostraba, por ejemplo, en el uso de modelos de la calle en sus obras, personas reales como prostitutas o vagabundos. Fue esto precisamente lo que hizo que su obra se viera rechazada por la sociedad de su época, incapaz de aceptar un arte que no fuera clasicista.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6XoPQ6PEo9rP77vT1IPSOPzjn6QHX4FlMJDzK6nK_N9RjLBs5glG-WvGoOCUHH07cENS07tF1gd4jPwwZT6VWjxMBqDTc7rEm6gjhTld96fHKYVYLp-qkjZ6LcF9yQ8gDvmJXTj84kOHO/s1600/Michelangelo_Caravaggio_069.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6XoPQ6PEo9rP77vT1IPSOPzjn6QHX4FlMJDzK6nK_N9RjLBs5glG-WvGoOCUHH07cENS07tF1gd4jPwwZT6VWjxMBqDTc7rEm6gjhTld96fHKYVYLp-qkjZ6LcF9yQ8gDvmJXTj84kOHO/s640/Michelangelo_Caravaggio_069.jpg" width="420" /></a></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;">La muerte de la Virgen<i style="mso-bidi-font-style: normal;">, 1606. Obra perteneciente a su estilo maduro (1600-1606). Según algunos, para retratar a la Virgen, la mujer tendida de rojo en la cama, tomó como modelo a una prostituta que se había ahogado en el Tíber, de ahí el hinchazón de su vientre.</i></span></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;"><strong>SU INFANCIA Y JUVENTUD</strong></span></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;">Su verdadero nombre es Michelangelo Merisi, y nació el 29 de septiembre de 1571 en Caravaggio, pueblo perteneciente a Bérgamo. Fue fruto del segundo matrimonio de Fermo Merisi, “magister” (arquitecto-decorador) del marqués de Caravaggio. Sus primeros años sucedieron en Milán, continuando allí en 1576, cuando la peste asoló la ciudad y se llevó con ella al padre y al tío del pintor. La madre de Michelangelo pasó entonces grandes dificultades para sacar a sus cinco hijos adelante.</span></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;">En 1584, Michelangelo ingresó en el estudio de Simone Peterzano. Fue a los dieciocho años cuando el artista decidió trasladarse a Roma, comenzando así su fase inicial (1590-1599). Durante esta estancia en Roma pinta sus famosos cuadros <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El tañedor de laúd</i>, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Baco</i>, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los músicos</i> o <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Narciso</i>. Aquí comienza ya a tomar como modelos a personas de la calle. Esta etapa de juventud no fue fácil para Michelangelo: contrajo la fiebre romana, consiguió pocos encargos, y, además, debido a sus dificultades económicas, no era de extrañar verlo vagabundear por las calles de Roma.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjA0U0vIJHTy1rg7np8A7l8EYB8Z049-EAohpuh9jQH3tNhdG3dV0fprjOvK_c_CxTDsLPP3AJhY8sxlnMkVMIGCHWo9Zf5-rwFYzpHK0cecHecpaZVZaAgVD1FMSDZszoDOX3jAgGSE-G6/s1600/nino_tocando_el_laud.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="312" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjA0U0vIJHTy1rg7np8A7l8EYB8Z049-EAohpuh9jQH3tNhdG3dV0fprjOvK_c_CxTDsLPP3AJhY8sxlnMkVMIGCHWo9Zf5-rwFYzpHK0cecHecpaZVZaAgVD1FMSDZszoDOX3jAgGSE-G6/s400/nino_tocando_el_laud.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El tañedor de laúd (1593-1594)</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEht4EJ2bQxKtzjDK6cRWm14ZjHqiTZfmAllwbFjylh6Q3uMaOBBCnQtft_qGq00NJtDSgPSYH4uUar8llAHvZY57pj-0UMohopBRgQnwD06uFr2NnO33AkPo5rpn5H9xXZp7u1kBIMz4LWe/s1600/2165_caravaggio_arte_barroco_cuadros_famosos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="296" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEht4EJ2bQxKtzjDK6cRWm14ZjHqiTZfmAllwbFjylh6Q3uMaOBBCnQtft_qGq00NJtDSgPSYH4uUar8llAHvZY57pj-0UMohopBRgQnwD06uFr2NnO33AkPo5rpn5H9xXZp7u1kBIMz4LWe/s400/2165_caravaggio_arte_barroco_cuadros_famosos.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Los Músicos (1595-1596)</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-9Q4Hyus_N2_vLUPfk6FFOo4UMAt2llmANQn0NyFM78o2E70HNItBzzExu4ioPFrSIpmtl-uINpMJi6mRxPYkRS8IyOtRzjH3DOLlqZ0nSbeUYuBgG7xAwtzO4w0qfceBPw3Ks5XMdolj/s1600/narciso_caravaggio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-9Q4Hyus_N2_vLUPfk6FFOo4UMAt2llmANQn0NyFM78o2E70HNItBzzExu4ioPFrSIpmtl-uINpMJi6mRxPYkRS8IyOtRzjH3DOLlqZ0nSbeUYuBgG7xAwtzO4w0qfceBPw3Ks5XMdolj/s400/narciso_caravaggio.jpg" width="327" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Narciso (1598-1599)</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;"><strong>MADUREZ EN ROMA</strong></span></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;">El estilo por el que ha pasado a la historia se consolidará a partir de 1600, cuando comienza su periodo maduro al realizar las dos grandes encargos religiosos <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La crucifixión de San Pedro</i> y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La conversión de San Pablo</i>, ambas encargadas para decorar la capilla Cerasi en la iglesia de Santa María del Popolo en Roma, y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El martirio de San Mateo</i> y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La vocación de San Mateo</i> para San Luis de los Franceses.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitD3XAKo6mgD1Imepo6esw0WS-rEWARu-WVwLak4dZungl-i4CJUtObTgdzfUUSQrAw6lfT7TiG6mOfPp1_MvheaFBbp0Wpz1vNRd_tIpbUPNGwSQqgxZVOgC02xtAY_cnkYUIXQ0EqrpG/s1600/imagesCA83XYN2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitD3XAKo6mgD1Imepo6esw0WS-rEWARu-WVwLak4dZungl-i4CJUtObTgdzfUUSQrAw6lfT7TiG6mOfPp1_MvheaFBbp0Wpz1vNRd_tIpbUPNGwSQqgxZVOgC02xtAY_cnkYUIXQ0EqrpG/s400/imagesCA83XYN2.jpg" width="314" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBoQObEL3jV0vYfVnElS4iL4PPEtL9bTOhAedQGM5qZRZeGqjoGpjyO-nl073G_N83Z7-O_9_mOb4BmHGjvdObgD_rZtwCgOOvirVn1prjtEexLDAxSZNq8aztKZoPE7kzOR5EY7OvgkoN/s1600/C6_CARAVAGGIO_LA+CRUCOFIXION+DE+SAN+PEDRO_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBoQObEL3jV0vYfVnElS4iL4PPEtL9bTOhAedQGM5qZRZeGqjoGpjyO-nl073G_N83Z7-O_9_mOb4BmHGjvdObgD_rZtwCgOOvirVn1prjtEexLDAxSZNq8aztKZoPE7kzOR5EY7OvgkoN/s640/C6_CARAVAGGIO_LA+CRUCOFIXION+DE+SAN+PEDRO_jpg.jpg" width="494" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">La crucifixión de San Pedro (1600-1601). <em>Destacamos aquí las cotas de realismo alcanzadas en la plasmación de la suciedad en los pies de la figura de la parte de abajo.</em></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhP6Bq4O-MOAOzK3PaJO6gb_dcz85iVbw6eU-c0zXVfksV4_dYox5-Vi_wRVcdvUp_PzEy2AmLQ5-PUHZihwdDmLpG7R48MTVU8oQnN3V154vgC_nIn47KVfdmx3g0YGBImaCy_5YyfUl4R/s1600/Caravaggio_-_La_vocazione_di_San_Matteo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="598" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhP6Bq4O-MOAOzK3PaJO6gb_dcz85iVbw6eU-c0zXVfksV4_dYox5-Vi_wRVcdvUp_PzEy2AmLQ5-PUHZihwdDmLpG7R48MTVU8oQnN3V154vgC_nIn47KVfdmx3g0YGBImaCy_5YyfUl4R/s640/Caravaggio_-_La_vocazione_di_San_Matteo.jpg" width="640" /></a></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><div style="text-align: left;"><span style="font-family: Calibri;">Vocación de San Mateo, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">1601. En esta obra ya vemos el estilo de Caravaggio totalmente consolidado. Su gran aportación al arte aparece claramente en este cuadro: el tenebrismo. Se trata de un tratamiento revolucionario de la luz, donde un foco muy intenso cae en diagonal sobre los personajes de la obra. Se trata de una luz irreal, pero que acentúa las composiciones en diagonal propias del Barroco. Los efectos del claroscuro son tan intensos que las partes del lienzo que permanecen en penumbra apenas se distinguen. Lo que más nos puede llamar la atención de este cuadro es que Jesús, el personaje de la izquierda que señala con el dedo, es un personaje secundario, envuelto en la oscuridad, de manera que todo el protagonismo recae en San Mateo, hacia donde se dirige el foco de luz. </i></span></div><div style="text-align: left;"><br />
</div><div style="text-align: left;"><em><span style="font-family: Calibri;">Detalles:</span></em></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: Calibri;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"> </i></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi55MAtf14KrZGx9yHUqSf_VW4EPVx-Go9Kq_63xQhNgrHwKTTPcRtr5BP5fXeB_OXMuWExknWAkrL6p4WQFtvaUqGhLsNBT_qTOeU9nurR1kPsX__qAHqs5Qg5vHfYtxrUxezqC-VrfdVZ/s1600/D8_CARAVAGGIO_LA+VOCACION+DE+SAN+MATEO_DETALLE_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi55MAtf14KrZGx9yHUqSf_VW4EPVx-Go9Kq_63xQhNgrHwKTTPcRtr5BP5fXeB_OXMuWExknWAkrL6p4WQFtvaUqGhLsNBT_qTOeU9nurR1kPsX__qAHqs5Qg5vHfYtxrUxezqC-VrfdVZ/s640/D8_CARAVAGGIO_LA+VOCACION+DE+SAN+MATEO_DETALLE_jpg.jpg" width="524" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvOhFYo1MjdLBaDw88WEfFsh3YxiZzS5s_mMKFNtB5mzxtsP5-mDJiMq7kbB0fLoQ9VQzIXkL10x7KGYzm24fIhp8gcI6buNNA3-pxYYuMvkISh8aq3nfHwA6dxcjCaVhBtxOBTzivlJYS/s1600/D9_LA+VOCACION+DE+SAN+MATEO_DETALLE_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvOhFYo1MjdLBaDw88WEfFsh3YxiZzS5s_mMKFNtB5mzxtsP5-mDJiMq7kbB0fLoQ9VQzIXkL10x7KGYzm24fIhp8gcI6buNNA3-pxYYuMvkISh8aq3nfHwA6dxcjCaVhBtxOBTzivlJYS/s400/D9_LA+VOCACION+DE+SAN+MATEO_DETALLE_jpg.jpg" width="328" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Este personaje puede que se trate de Mario Minetti, modelo muy recurrente en su obra.</em></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQ_BRGKbI1lRxVVa-F-PyGCqqnUXSLU3tAKdUqwB2GNnc-u1O3ovO3ittkPAydr-8Ue3oCu0y7wW8ESHQkUSvFFDnBN7od9WNKsVLbcbOWLQMMjz9jpqcZJNc_87-FcXa6E3rsygrvrbHO/s1600/E1_LA+VOCACION+DE+SAN+MATEO_DETALLE_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQ_BRGKbI1lRxVVa-F-PyGCqqnUXSLU3tAKdUqwB2GNnc-u1O3ovO3ittkPAydr-8Ue3oCu0y7wW8ESHQkUSvFFDnBN7od9WNKsVLbcbOWLQMMjz9jpqcZJNc_87-FcXa6E3rsygrvrbHO/s640/E1_LA+VOCACION+DE+SAN+MATEO_DETALLE_jpg.jpg" width="435" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVe5pFUZAH3eNFxwCC1Ho3tD4VUbBLP2yNx97K83ElMjbQs3urxK3Ky1nHnKGxSpd0YEHXUtmhLWhsim2Bk9wkM4Ss3BEztxQw468NVwMe0cW1bYKqE0P5k6NEPCb_F4BkQVZQCrybUCEd/s1600/E2_CARAVAGGIO_LA+VOCACION+DE+SAN+MATEO_+DETALLE_jpg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="275" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVe5pFUZAH3eNFxwCC1Ho3tD4VUbBLP2yNx97K83ElMjbQs3urxK3Ky1nHnKGxSpd0YEHXUtmhLWhsim2Bk9wkM4Ss3BEztxQw468NVwMe0cW1bYKqE0P5k6NEPCb_F4BkQVZQCrybUCEd/s400/E2_CARAVAGGIO_LA+VOCACION+DE+SAN+MATEO_+DETALLE_jpg.jpg" width="400" /></a></div></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;"><strong>EL DELINCUENTE</strong></span></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;">Pero estos años de intensa producción (1600-1606) también estarán marcados por enfrentamientos con la justicia. En primer lugar, un cierto Giorolamo Spampa puso una demanda porque Caravaggio le había herido con una daga después de haber criticado las obras de San Luis de los Franceses. Más tarde, Caravaggio fue condenado por haber escrito unos sonetos difamadores sobre su pintor enemigo, Baglione, y fue arrestado por ello. A su salida de la cárcel, terminó su <i style="mso-bidi-font-style: normal;">David con la cabeza de Goliat</i>. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb48ogZZ06a9HWTghXW2IIDFNgJvQin2Xrr3ketCnTpsQ-MvVnV1lAJxpfC9Mp5NiqF57oK3ysf7wEfxptiuyVhx58HL8NInrfCsIgVGeXYDWtQLvujNnd6-FOOV_uhyTjpAMYsMVxzYlV/s1600/Caravaggio_-_David_con_la_testa_di_Golia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb48ogZZ06a9HWTghXW2IIDFNgJvQin2Xrr3ketCnTpsQ-MvVnV1lAJxpfC9Mp5NiqF57oK3ysf7wEfxptiuyVhx58HL8NInrfCsIgVGeXYDWtQLvujNnd6-FOOV_uhyTjpAMYsMVxzYlV/s400/Caravaggio_-_David_con_la_testa_di_Golia.jpg" width="313" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;">Un turbulento caso le llevó a huir de Roma a Génova: por la modelo de uno de sus cuadros (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Virgen de Loreto</i>, 1604-1605) rivalizaron Caravaggio y uno de sus clientes, notario de profesión, quien resultó herido de muerte por parte del pintor.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJ-yV7IOYuCaGe9wXmzN3BeC-_11dzSlwQpl0dENzWPxxX5ZqrtnwFip7THYko8N4WquDUA_yVtXgNkrs6cFuOBQErEOUg79nBIKJhy9poFjdOD5UY5QmfeSx51QOFxytCoC2n3sWsao8c/s1600/Michelangelo_Caravaggio_001.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJ-yV7IOYuCaGe9wXmzN3BeC-_11dzSlwQpl0dENzWPxxX5ZqrtnwFip7THYko8N4WquDUA_yVtXgNkrs6cFuOBQErEOUg79nBIKJhy9poFjdOD5UY5QmfeSx51QOFxytCoC2n3sWsao8c/s640/Michelangelo_Caravaggio_001.jpg" width="384" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;">Cuando se retiró la demanda, Caravaggio volvió a Roma para terminar este cuadro. Pero allí otro altercado hizo que tratase de nuevo con la justicia, pues una noche en la que estaba cenando en una taberna, el alcohol había influido tanto en él que lanzó un plato ardiendo contra el camarero, lo que originó un enfrentamiento en el establecimiento. Sin embargo, para su asombro, le fue encargada poco después una Virgen para San Pedro, para su colocación en el altar de la capilla de la Confraternidad de los Palafreneros: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Virgen de la serpiente</i> (1605-1606). Pero, al usar como modelo la misma muchacha por la que rivalizó tiempo atrás con el notario, su obra se vio rechazada.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVWNgvhIenchwP7ldK9bIOwCnN1Bl7MtYm2dqc3uOuvW_-EN1XPvfHih1j7ii8E-72cTZ93pLNm7QSdJyTD_bellVpVKBzJeil1pSczgsZAc9Lfw5t4h4LT84zZnND0_pmCOk3lngkUFQf/s1600/31750_Madonna_with_the_Serpent_f.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVWNgvhIenchwP7ldK9bIOwCnN1Bl7MtYm2dqc3uOuvW_-EN1XPvfHih1j7ii8E-72cTZ93pLNm7QSdJyTD_bellVpVKBzJeil1pSczgsZAc9Lfw5t4h4LT84zZnND0_pmCOk3lngkUFQf/s640/31750_Madonna_with_the_Serpent_f.jpg" width="457" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;"><strong>PERSECUCIÓN Y MUERTE</strong></span></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;">Su definitiva huída de Roma se produce tras un oscuro suceso: había matado a un hombre. Un sargento de la Corte aparece muerto en un callejón con un fuerte golpe en el cráneo. Caravaggio fue ajusticiado y encarcelado, pero se fugó. No escarmentando, el 29 de mayo de 1606 mata en el Campo de Marte a un adversario al que acusa de haber hecho trampas en el juego. Roma lo condena a muerte, y ordena su ejecución en cualquier ciudad en la que se encuentre el pintor. Comienzan así sus años de vida errática (1606-1610).</span></div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;">En estos años, Caravaggio deja obras en todos los lugares en los que se refugia: Nápoles, Malta, Messina y Palermo. No obstante, no deja de cometer delitos. A finales de 1609 se instala en Nápoles, donde pinta un <em>Martirio de Santa Úrsula,</em> probablemente su última obra. Allí es víctima de un atentado, lo que provoca que en Roma se difunda la noticia de su muerte. Pero el pintor no ha muerto, ha abandonado Nápoles en barca, apareciendo días después sin vida en la playa, sin haber cumplido aún los cuarenta años. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMz6ba9qEsDiVEtAGzURk9KuO4XC0nEnodAI8RIhzmg09lIiek7KxChE9QzIiBUAIYiUWSwLNyAtXe7uDXezPuBPzIIOYiLvLEc4tTFGxKeco9TUxcpKi-tnVDEj_QArzVGGn5KMyO-MJl/s1600/CaravaggioUrsula.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="350" q6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMz6ba9qEsDiVEtAGzURk9KuO4XC0nEnodAI8RIhzmg09lIiek7KxChE9QzIiBUAIYiUWSwLNyAtXe7uDXezPuBPzIIOYiLvLEc4tTFGxKeco9TUxcpKi-tnVDEj_QArzVGGn5KMyO-MJl/s400/CaravaggioUrsula.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;">Lo más irónico del destino es que, al poco tiempo de morir, el papa Pablo V, estampó el sello sobre el documento que concedía el indulto a Caravaggio.</span></div>Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-18490209210885629882011-02-21T00:08:00.000+01:002011-10-23T10:52:58.204+02:00La desdichada Kahlo<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiut4oHdblpsfu4xs_szeKbeWHp2P6q7w1R9nnJwupqYsOUAd5RTQVfXXAwid11wCO7bsjQjWnGyH0HzpyPj3J11wlEAFtkQBcptyWwWPbA4m5KLiFAyFz3qNZkLHQHoxfIk8PaSfDyfjxX/s1600/la_columna_rota_frida_kalho1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiut4oHdblpsfu4xs_szeKbeWHp2P6q7w1R9nnJwupqYsOUAd5RTQVfXXAwid11wCO7bsjQjWnGyH0HzpyPj3J11wlEAFtkQBcptyWwWPbA4m5KLiFAyFz3qNZkLHQHoxfIk8PaSfDyfjxX/s400/la_columna_rota_frida_kalho1.jpg" width="296" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Si hubiese que describir esta imagen con una palabra, ésta sería "sufrimiento", que es el sentimiento que destila este autorretrato de Frida Kahlo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Me veré obligada a volver a ella con relativa frecuencia, pues su intensa vida está repleta de grandes acontecimientos, la mayoría de ellos desgraciados. A pesar de morir con 47 años, esta pintora mexicana nos ha dejado un gran número de obras, que describen, porque tal era su intención, el estado de ánimo de la artista mientras nos narra la historia de su dramática vida.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCTW6qrPE1CXnnURYYlSqL9fi62zYNleIKADNirKt-ker95CIVENGmrtPmWrldMSh6sVXC8KSN6Dqr8vqiBkiGSvyBJ9m9tPOQilvTG2vx87PtDKmTMrO1hC0VnEDe9sPAL8giPFFAGCbK/s1600/1d7c935bb8ecd3e4e7b075f0a10ceeb4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCTW6qrPE1CXnnURYYlSqL9fi62zYNleIKADNirKt-ker95CIVENGmrtPmWrldMSh6sVXC8KSN6Dqr8vqiBkiGSvyBJ9m9tPOQilvTG2vx87PtDKmTMrO1hC0VnEDe9sPAL8giPFFAGCbK/s320/1d7c935bb8ecd3e4e7b075f0a10ceeb4.jpg" width="240" /></a></div><br />
Frida nació el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, un pueblo, en aquel entonces, de la periferia de la Ciudad de México. De madre mexicana y padre judío, Kahlo siempre pensó que su verdadera vocación era la medicina, y por ello se matriculó en 1922 en la Escuela Nacional Preparatoria. Sin embargo, pronto (tres años después) decidió dedicarse profesionalmente a la pintura.<br />
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<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtbZujZeGjDt_9RrOjyM62zjY5qbWsURl6vfNyw4nCGaDo_rmPSL3ihM6WvaZ6SZ1lj6GfpxrahNl844fR6wTBe12I1XJZ6B9EtsuLsY80jFdEkcwK8hlL5TYfpiDA184GmXqVyirBuQAE/s1600/Frida-Kahlo-Family-1926cr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="290" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtbZujZeGjDt_9RrOjyM62zjY5qbWsURl6vfNyw4nCGaDo_rmPSL3ihM6WvaZ6SZ1lj6GfpxrahNl844fR6wTBe12I1XJZ6B9EtsuLsY80jFdEkcwK8hlL5TYfpiDA184GmXqVyirBuQAE/s320/Frida-Kahlo-Family-1926cr.jpg" width="320" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em>Frida Kahlo (izquierda) vestida con traje de chaqueta junto a su familia</em></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Esta pintora es célebre por sus múltiples autorretratos, como el que hoy comentamos. Para comprender mejor el significado de la obra, habría que narrar la experiencia que la llevó a pintarse a sí misma de esta terrible manera: el accidente que sufrió el 17 de septiembre de 1925.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjza1fOeA7w4ydCd8ArXfMHOA9wChydHxowOlCX-WD3JZvUQldXe73dic5QTwi3cVqh6ifHynV2S8_e9k7u1ITEywoG9uFrm8p9NDrBb5QvaDnR3xITc1wq5lcXn3JvvOOem5xhI1HAXgnj/s1600/4677691528_7da1242fee.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="238" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjza1fOeA7w4ydCd8ArXfMHOA9wChydHxowOlCX-WD3JZvUQldXe73dic5QTwi3cVqh6ifHynV2S8_e9k7u1ITEywoG9uFrm8p9NDrBb5QvaDnR3xITc1wq5lcXn3JvvOOem5xhI1HAXgnj/s320/4677691528_7da1242fee.jpg" width="320" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Accidente, <em>1926. Kahlo plasmó el trágico suceso sobre papel un año después.</em></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Ese día, cuando finalizaron sus clases en la Escuela, una Frida de 18 años decide tomar el autobús de vuelta a casa junto con su amigo Alejandro Gómez Arias. Un choque mortal con un tranvía provoca la muerte de varios pasajeros del autobús, pero Frida sobrevivió. Sin embargo, no salió ilesa de aquel accidente, sino que allí tendida en el suelo se hallaba Kahlo atravesada por una barra de hierro.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Esto provocó que tuviese que pasar varios meses en cama, con el torso escayolado. Pero las consecuencias se dejarán ver a lo largo de su vida, pues ya siempre estuvo condenada a no tener hijos y supeditada al hecho de tener "La columna rota", título del cuadro.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">La obra la pintó en 1944. En ella vemos a una Frida martirizada, con el cuerpo repleto de clavos y una sábana cubriendo parte de él. El pecho se abre para mostrarnos su columna. La pintora aprovecha la polisemia de la palabra para representar en su lugar una columna jónica, agrietada, reflejando así metafóricamente la rotura de sus vértebras y, en un sentido más amplio, su dolor general. El cuerpo parece sujetado solo por el corsé, que tuvo que soportar durante casi toda su vida. Por último, Frida nos deja claro su sufrimiento autorretratándose con lágrimas resbalando por el rostro. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Los colores del fondo son oscuros. El paisaje está desnudo, como la propia artista, y tiene un suelo árido y seco, propiamente mexicano. El paisaje mexicano es el fondo más común en los cuadros de Kahlo, y en éste no hace una excepción. Pero aquí representa el aspecto desértico del país, pues el tema de la obra así lo requiere; no ocurre lo mismo en otros autorretratos, donde la vegetación cubre el fondo del lienzo. Siempre dependerá, como ya hemos comentado, del estado de ánimo de la artista.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Los cuadros de Frida, si bien no poseen la perfecta pincelada de Dalí, reflejan un surrealismo drámatico que no deja indiferente a aquel que contempla su obra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">Para una descripción completa de la vida de esta pintora, os recomiendo la película <em>Frida</em>, bastante fiel a su vida, protagonizada por Salma Hayek. El colorido de la misma, la perfecta integración de las imágenes de los cuadros y la espectacular banda sonora hacen que esta película sea altamente recomendable, incluso para aquellos que no estén especialmente interesandos en la vida de Frida Kahlo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_gJyMRwHuGHW5-TFwYAqcxhNgq4GwYMIY7N8RUHcbEQApQAPUYnXX_uHkHhMk3FpxqgsY1wnnsp3l4dJ78tq0q-_1gVqNYUWnCLidw3lm_eKzwMfr6CHQBjQ3bj2Q3NqkwJ3HOQB1UiRW/s1600/frida.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_gJyMRwHuGHW5-TFwYAqcxhNgq4GwYMIY7N8RUHcbEQApQAPUYnXX_uHkHhMk3FpxqgsY1wnnsp3l4dJ78tq0q-_1gVqNYUWnCLidw3lm_eKzwMfr6CHQBjQ3bj2Q3NqkwJ3HOQB1UiRW/s320/frida.jpg" width="225" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br />
</div><div align="left"></div>Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-78742058539763464132011-02-11T22:45:00.000+01:002011-10-23T10:54:25.523+02:00Dalí, Lorca y Cenicitas<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVe7GAGhYshrEABhuWLyy5EFlWidKOOMSoblw4f3muwq06P5VlhLHPQOAbPnYSQ1Uq-HzdsTmR5NsF3dIepbaRxBwVo-pyd5IBKK7S7v8lSVg0H8AzODJxjq49fLBkLOmBrmN92DZGJ-SY/s1600/dali2a.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" h5="true" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVe7GAGhYshrEABhuWLyy5EFlWidKOOMSoblw4f3muwq06P5VlhLHPQOAbPnYSQ1Uq-HzdsTmR5NsF3dIepbaRxBwVo-pyd5IBKK7S7v8lSVg0H8AzODJxjq49fLBkLOmBrmN92DZGJ-SY/s640/dali2a.jpg" width="464" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">De la relación entre estos dos grandes artistas, surgieron dos obras: <em>Oda a Salvador Dalí</em>, por parte de Lorca, y <em>Cenicitas</em>, de Dalí, cuadro que podéis observar en la imagen de arriba. </div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">Durante la excéntrica vida de Dalí (1904-1989) sucedieron varios acontecimientos dignos de ser mencionados, y uno de ellos es la relación del pintor con el poeta. Se conocieron en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde llegó Dalí en 1921, el mismo año de la muerte de su madre, mujer <strong>"religiosamente adorada"</strong> por su hijo.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">Cuando el pintor ternimó el bachillerato (con unas notas mediocres, pues su genialidad solo se reflejaba en la pintura, y no en el estudio), convenció a su padre para que le permitiera asistir a la Escuela de Bellas Artes de Madrid. Realizó el examen de ingreso, y fue admitido con la siguiente frase: <strong>"si bien el dibujo no cumple las dimensiones reglamentarias, es tan perfecto que el jurado lo aprueba".</strong> El aspecto que presentaba Dalí en la escuela y en la residencia nos lo describe el mismo pintor con la siguiente declaración: <strong>"Me horrorizaban los pantalones largos y decidí llevarlos cortos con calcetines y, a veces, polainas. Una capa impermeable que llegaba casi al suelo, me protegía en los días de lluvia [...]. Cada vez que entraba y salía de mi habitación, los curiosos se juntaban para verme pasar orgulloso con la cabeza bien alta". </strong>Los dos grandes compañeros de Dalí en la residencia eran Luis Buñuel y Federico García Lorca.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-bXl_HdjQc560Noa8bIpOOWftkhiVzAXdIfubEBqf6rJI43kTkce9iCgJzr17iFsXhLejDchrd8ZGaMgQ6VZWwB4yVcdKCvUhUyOhOc3-g2YU9ugpshL1Y8dWhhuS0xbBYTbjyQ5HFr4h/s1600/lorca5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" h5="true" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-bXl_HdjQc560Noa8bIpOOWftkhiVzAXdIfubEBqf6rJI43kTkce9iCgJzr17iFsXhLejDchrd8ZGaMgQ6VZWwB4yVcdKCvUhUyOhOc3-g2YU9ugpshL1Y8dWhhuS0xbBYTbjyQ5HFr4h/s320/lorca5.jpg" width="192" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">Tran dos años de vida tumultosa en compañía de ambos, Dalí fue expulsado de la escuela e incluso llegó a ser arrestado en Gerona. <strong>"Mi encarcelamiento supuso mi gloria...".</strong> Su ausencia en la residencia supuso que experimentara celos hacia Lorca, pues creía que ahora era el poeta el centro de atención en el grupo:<strong> "Sabía que Lorca brillaría como un diamante de fuego y, de repente, me escapé corriendo y desaparecí durante tres días".</strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">Tras pasar un tiempo en Cadaqués, su pueblo natal, fue readmitido en la academia en 1925 para ser expulsado definitivamente al año siguiente. Fue en el trascurso de ese año, cuando pintó su famoso cuadro <em>Figura asomada a la ventana</em>.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">La amistad con Lorca nunca dejó de aumentar, y lo que comenzó siendo una admiración por el arte del otro, terminó convirtiéndose en una pasión amorosa por parte del poeta. Dalí no se sentía cómodo con tal actitud, y por ello escribió: <strong>"Cuando Lorca intentaba poseerme, yo rehusaba con horror".</strong> Ambos pasaron las vacaciones de verano de 1927 en Cadaqués, durante las cuales Dalí pintó su cuadro <em>Cenicitas</em>, dedicado a su gran amigo. Allí tomaron la siguiente foto:</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiont9goquhp0eHAFxVpInDirGcj8CctX1lAZKUKhOkNrpaz00gmRqMcCPgml_HzenbVw3PyQ5psSYkCsdDhYQFCiP62Di1rZBJx62YsYsKVoXORSXkZfEKC06cQhldbhjvm42n-CwMU37u/s1600/LORCA_%257E1.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" h5="true" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiont9goquhp0eHAFxVpInDirGcj8CctX1lAZKUKhOkNrpaz00gmRqMcCPgml_HzenbVw3PyQ5psSYkCsdDhYQFCiP62Di1rZBJx62YsYsKVoXORSXkZfEKC06cQhldbhjvm42n-CwMU37u/s320/LORCA_%257E1.JPG" width="223" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">La relación entre ambos comienza a deteriorarse, hasta el punto en el que, en 1929, Dalí decide participar en la creación de un corto de Buñuel al que llamarían <em>Un perro andaluz</em>, título que el poeta granadino consideró una ofensa hacia su persona. (Si queréis ver la película, os dejo el enlace, ¡y no intentéis encontrarle el sentido!: <a href="http://www.youtube.com/watch?v=Qho0CDTMCa0&feature=fvw">http://www.youtube.com/watch?v=Qho0CDTMCa0&feature=fvw</a> )</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">El cuadro de <em>Cenicitas</em>, bajo mi punto de vista, no es de los mejores de Dalí, sin embargo, el significado emocional que posee hace que sea digno de ser recordado junto a las más famosas obras de este excéntrico pintor catalán. </div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">Si os ha interesado esta historia, os recomiendo la película <em>Little Ashes</em> (<em>Cenicitas</em>), basada en la relación entre estos dos artistas. </div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlKcgJSBMliFv8u72xLJg1YCZh39xtz-CrBsJK6Ec9ZJEhIy5My_yXugreimSlKR26VJqAyMt1JfSNICLYyJngZk-UMAlKSpsaJFP21DwbPdyh_ePEXjMVMrGaF1VouS_YtGB5vJaQXNCn/s1600/220px-LittleAshes_poster.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" h5="true" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlKcgJSBMliFv8u72xLJg1YCZh39xtz-CrBsJK6Ec9ZJEhIy5My_yXugreimSlKR26VJqAyMt1JfSNICLYyJngZk-UMAlKSpsaJFP21DwbPdyh_ePEXjMVMrGaF1VouS_YtGB5vJaQXNCn/s320/220px-LittleAshes_poster.jpg" width="219" /></a></div>Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-541981476896118667.post-25539882410960703072011-02-08T20:50:00.000+01:002011-07-01T14:25:29.636+02:00BienvenidosHola a todos,<br />
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<div style="text-align: justify;">Os presento mi blog, dedicado al mundo de la pintura. Mi intención es combinar anéctotas de la vida de los grandes pintores de la historia narradas a través de comentarios sobre sus obras, con algunas anotaciones personales. Efectivamente, la pintura es mi gran afición, y espero demostrarlo. </div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">¿Nunca os ha interesado saber quién se esconde verdaderamente detrás de cada lienzo? ¿Qué sucesión de hechos ocurrieron para tal hermosa creación? ¿Qué sentimientos podía estar experimentando el autor? ¿Qué pretendía con esa obra? No solo se contemplan pinceladas cuando se observa un cuadro... </div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">Sin seguir un orden cronológico, pretendo centrarme en los aspectos más interesantes de cada autor, especialmente de los contemporáneos, sí, "aquellos que pintan cuatro rayajos y se creen que son artistas"...</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">En fin, espero que disfrutéis tanto leyéndolo como yo escribiéndolo.</div>Elena Bellidohttp://www.blogger.com/profile/08881959404147815923noreply@blogger.com4